FROM ANCIENT TO MODERN: ARTWORKS FROM AN HISTORICAL MILANESE COLLECTION

A PLAQUE, GRANDUCAL WORKSHOPS, FLORENCE, SECOND HALF 17TH CENTURY

PLACCA, BOTTEGHE GRANDUCALI, FIRENZE, SECONDA METÀ SECOLO XVII

in commesso di pietre dure, tenere e madreperla su fondo in marmo nero del Belgio raffigurante pappagallo su ramo, cm 33,5x28; entro cornice in noce ebanizzato, ebano e lapislazzulo con applicazioni in bronzo dorato, cm 50x44,5

Comparative Bibliography

A. Giusti, P. Mazzoni, A. Pampaloni Martelli (a cura di), Il Museo dell’Opificio delle pietre dure a Firenze, Milano 1978, p. 293 n. 108, tav. 109;

A. Gonzàlez Palacios, Pittura per l’eternità. Le collezioni reali spagnole di mosaici e pietre dure, Milano 2003, pp. 101-109 nn. 15-17;

A. Giusti, L’arte delle pietre dure da Firenze all’Europa, Firenze 2005, p. 151 n. 124

La placca, di forma rettangolare, è realizzata usando la nota tecnica del commesso fiorentino, operando un sapiente accostamento dei materiali lapidei, al fine di ottenere una scena “dipinta” grazie alle loro caratteristiche cromatiche. In essa è raffigurato un pappagallo appollaiato sul ramo di un albero da frutto emergente dal terreno, il tutto inserito in una riserva ovale a sua volta iscritta in un rettangolo, cornici queste realizzate con la madreperla, arricchite agli angoli da quattro fiorellini.

Il pannello si presenta completo di una bella cornice in ebano e legno ebanizzato di ispirazione fiamminga, impreziosita da una larga fascia lastronata in lapislazzulo con applicazioni in bronzo dorato ai centri e agli angoli.

Il soggetto naturalistico che compone la decorazione è tipico dei mosaici fiorentini realizzati nella Bottega Granducale, fondata nel 1588 dal Granduca Ferdinando I de Medici, destinati alla decorazione di stipi, tavoli, complementi d’arredo, ma anche come pannelli decorativi a sé stanti. L’ispirazione spesso venne dall’opera dell’artista Jacopo Ligozzi (Verona 1547 - Firenze 1626), che fin dai primi decenni del XVII secolo con i suoi disegni naturalistici diede inizio a questa tendenza, fornendo modelli direttamente agli artigiani delle botteghe fiorentine. Da allora, per oltre un secolo, il marmo nero belga del pannello che costituiva lo sfondo ideale per mettere in risalto i colori vivaci del piumaggio degli uccelli e delle composizioni di fiori e frutta, divenne la firma ufficiale dei mosaici realizzati nella città granducale, apprezzati ovunque e spesso imitati, ma raramente con uguale qualità di materiali e raffinatezza di esecuzione.

Frederician Sculptor, 13th century, Portrait of an Imperial official on Clipeus, marble, 50,5x45,5 cm, mounted on red marble base (h. 58 cm overall)

SCULTORE FEDERICIANO, XIII SECOLO

CLIPEO RAFFIGURANTE FUNZIONARIO IMPERIALE

marmo, cm 50,5x45,5; montato su base in marmo rosso (alt. cm 58 complessivamente)

Exhibition

Rimini, Castel Sismondo, 20 aprile - 7 settembre 2008, Exempla, n. 12

Bibliography

P. Cellini, Presenze Federiciane, in "Xenia", 8, 1984, pp. 95-108;

P. Cellini, Presenze federiciane, in A. Giuliano (a cura di), Studi normanni e federiciani, Roma 2003, p. 79 fig. 10;

M. Bona Castellotti, A. Giuliano (a cura di), Exempla. La rinascita dell'antico nell'arte italiana. Da Federico II ad Andrea Pisano, Pisa 2008, p. 47 n. 12

Il clipeo con la testa di un funzionario imperiale, caratterizzata dall’intensità dello sguardo e dalle rughe che si formano al lato dell’occhio, apparteneva forse, insieme con due esemplari ora nel chiostro di Santa Francesca Romana ed uno ora a Treia in collezione privata, al complesso di sculture che ornavano il monumento del Carroccio milanese, dedicato da Federico II sul Campidoglio nel 1238, che si rifanno a prototipi antichi quali quelli rappresentati sui rilievi dell’età di Marco Aurelio riutilizzati dell’Arco di Costantino. Il linearismo della figura, l’insistenza grafica nel trattamento dei capelli e della barba, l’impostazione dei caratteri fisionomici ricordano le immagini riprodotte in numerosi cammei prodotti nelle officine di corte di Federico II.

Gregorio di Lorenzo (Florence ca. 1436 - Forlì 1504), A Corbel with Cornucopias and Palmette, circa 1460/1470, a

serena stone relief in rectangular form, 33x41x7,5 cm

Gregorio di Lorenzo

(Firenze 1436 ca. – Forlì 1504)

MENSOLA A PEDUCCIO CON CORNUCOPIE E PALMETTA, 1460/1470 CIRCA

rilievo in pietra serena di forma rettangolare, cm. 33x41x7,5

Questa elegante mensola con cornucopie, presumibilmente destinata ad evocare la “dovizia” economica e sociale nella dimora di un ricco mercante, è scolpita nella pietra serena, materiale spesso impiegato a Firenze nel campo delle sculture decorative (membrature e fregi architettonici, cornici di portali e finestre) e degli arredi lapidei (camini, lavabi, fontane e tabernacoli). Sulla scia di Desiderio da Settignano, che verso la metà del Quattrocento aveva impiantato un’operosa bottega qualificata anche nella produzione di elementi d’ornato architettonico e di arredi lapidei, furono attivi negli anni Sessanta un gruppo di abili scultori “ornatisti”, tra i quali Francesco di Simone Ferrucci, Ambrogio di Benedetto, Piero di Cecco e Gregorio di Lorenzo.

Sul piano stilistico la nostra mensola trova una convincente paternità proprio nel fiorentino Gregorio di Lorenzo, scultore formatosi nella bottega di Desiderio da Settignano che si specializzò proprio nella decorazione e nell’arredo lapideo, che non rinunciò ad arricchire con fantasiosi motivi ornamentali desunti proprio da tali tipologie anche i rilievi mariani e le altre opere che qualificano la sua attività figurativa.

After Benedetto da Maiano (Florence 1442 - 1497), Madonna and Child (Kress type), marble relief, 48x32x9 cm

Da Benedetto da Maiano

(Firenze 1442 - 1497)

MADONNA COL BAMBINO (DEL TIPO “KRESS”)

rilievo in marmo, cm 48x32x9

Comparative Bibliography

E. Belli, Madonne Bardini. I rilievi mariani del secondo Quattrocento fiorentino, Firenze 2017, pp. 148-153 n. IV.7

La Madonna, affacciata ad un davanzale, è raffigurata mentre trattiene il Bambino che, in piedi su un cuscino, si stringe al collo della madre portando il braccio destro dietro la sua testa. La Vergine, elegantemente vestita e coperta da un mantello, rivolge lo sguardo triste verso Gesù, che invece sembra guardare dritto verso l’osservatore. Sullo sfondo, alte nel cielo, numerose nubi rese con creste dentate.

L’attribuzione di questo soggetto a Benedetto da Maiano, che ebbe grande fortuna in ambito fiorentino nell’ultimo quarto del Quattrocento, venne consolidata per la prima volta con l’attribuzione di Middeldorf del 1976 a proposito del rilievo in marmo già nella collezione di Samuel H. Kress ed oggi conservato alla National Gallery di Washington (inv. n. 1960.5.16), precedentemente attribuito da Stefano Bardini ad Antonio Rossellino.

Di questo rilievo, tra i più replicati appunto nel Rinascimento, si conoscono almeno una trentina di esemplari eseguiti in diversi materiali (marmo, terracotta e stucco), di cui i più celebri sono conservati al Bargello di Firenze, al Louvre di Parigi, al Museé des Beaux-Arts di Lione, al Chicago Art Institute.

AN EWER, FAENZA, EARLY 16TH CENTURY

VERSATOIO, FAENZA, INIZI SECOLO XVI

in maiolica dipinta in policromia con prevalenza del blu, corpo piriforme con stretto collo cilindrico appena svasato su piede a disco, beccuccio tubolare appena rastremato in cima e ansa a nastro. L’intera superficie del contenitore farmaceutico mostra il tipico decoro cosiddetto “alla porcellana”, caratterizzato da sottili decori a trama vegetale intervallati da corolle a disco con il bordo dentellato, ad eccezione della fascia centrale, che ospita un largo cartiglio con iscrizione Olio.mirto e che si chiude sul fronte, sotto il cannello, con tocchi di giallo ocra. Alla base dell’ansa in blu sono tracciate alcune lettere capitali; alt. cm 27, diam. bocca cm 9,8, diam. piede cm 10,8

Comparative Bibliography

C. Ravanelli Guidotti, Thesaurus di opere della tradizione di Faenza nelle raccolte del Museo Internazionale delle Ceramiche di Faenza, Faenza 1998, pp. 268-271 figg. 23-29

AN EWER, DERUTA, CIRCA 1510

VERSATOIO, DERUTA, 1510 CIRCA

in maiolica dipinta in policromia, corpo di forma globulare con stretto collo cilindrico e piede svasato, beccuccio tubolare collegato nella parte superiore da cordicella e ansa a nastro. L’ornato si concentra nella parte anteriore, con una ghirlanda fogliata di tipo robbiano con piccoli frutti fermata da nastri incrociati, che proseguono con svolazzi sul retro, al cui interno si trova il cartiglio con l’iscrizione SYO DAMATRICE nella fascia centrale, uno stemma araldico non identificato entro riserva circolare affiancato da girali nella parte inferiore, e da un monogramma con doppia croce posto tra una coppia di mostri marini nella zona del cannello; alt. cm 24,5, diam. bocca cm 8,6, diam. piede cm 11,8

Comparative Bibliography

C. Fiocco, G. Gherardi, Ceramiche umbre dal Medioevo allo Storicismo. Parte prima, Faenza 1988, pp. 63-64 n. 26;

T. Wilson, c. Maritano (a cura di), L’Italia del Rinascimento. Lo splendore della maiolica, cat. della mostra, Torino 2019, p. 60 n.37

Guidoccio Cozzarelli

(Siena, 1450 – 1517)

VISITAZIONE

tempera grassa su tavola, diametro cm 16,7

al retro, iscrizione a inchiostro “BY COZZARELLI c. 1485”; numero di collezione (?) “89 6LV”; etichetta frammentaria con scritta a inchiostro “by Guidoccio di Giovanni Cozzarelli/ Sienese c. 1485/ (B. Berenson  Sept. 23 1923)”

THE VISITATION

tempera on panel, diam. Cm 16,7

Referenze fotografiche

Fototeca Federico Zeri, scheda 17322 (con nota autografa di Zeri al retro della foto)

Provenienza

Cambridge, collezione Sir Sidney Cockerell.

Parigi, collezione G. Renand.

Vendita Renand, Parigi, Drouot, 31 maggio 1988, n. 48.

Bibliografia

B. Berenson, Italian Pictures of the Renaissance. Central Italian and North-Italian Schools, Londra 1968, I, p. 98.

Probabile elemento di un insieme non identificato eseguito dal Cozzarelli nel nono decennio del Quattrocento, il piccolo dipinto qui offerto si segnala anche per l’interessante provenienza dalla raccolta personale di Sir Sidney Cockerell (1867-1962) collezionista di manoscritti e dipinti, e direttore del Fitzwilliam Museum di Cambridge dal 1908 al 1937. Fu lì, verosimilmente nel 1923 stando all’etichetta di collezione apposta al retro della tavoletta, che Berenson vide il dipinto e ne propose l’attribuzione, poi ripetuta negli Indici.

Veronese artist, 15th century

MADONNA DELL’UMILTÀ

tempera and gold on panel, cm 32x21

Artista veronese, sec. XV

MADONNA DELL’UMILTÀ

tempera e oro su tavola, cm 32x21

A RELIQUIARY, ATTRIBUTED TO ANTONIO MORETTI DE AMICIS, ROME, CIRCA 1660

RELIQUIARIO, ANTONIO MORETTI DE AMICIS (ATTR.), ROMA, 1660 CIRCA

in ebano, lapislazzuli, cristallo di rocca, argento e bronzo dorato, decorato sul fronte con le armi di papa Alessandro VII. Realizzato in foggia di urna su alto piedistallo a parallelepipedo, è sormontato da una corona d'argento attraversata da due foglie di palma incrociate a reggere una piccola croce; all'interno del reliquiario, visibile attraverso le pareti in cristallo di rocca, è presente un sole d'argento iscritto su entrambe le facce DE PALLIO SANCTI JOSEPH; la base, in ebano e lapislazzuli, reca sul fronte lo stemma della famiglia Chigi delle Rovere in argento e smalto e agli angoli quattro teste di cherubini in argento; cm 28x15,5x6,5 Completo di custodia in legno rivestito in cuoio impresso in oro con fregi, stelle e arme papale (cm 31x19x10)

Bibliography

L. d’Urso, St. Joseph’s Reliquary, in A. Gonzalez-Palacios (a cura di), Objects for a “Wunderkammer”, cat. della mostra, Londra 1981, pp. 270-271 n. 128

Reference Bibliography

L. Ozzola, L'arte alla corte di Alessandro VII, Roma, 1908, pp. 69-71

Realizzato per custodire un frammento del mantello di San Giuseppe, il reliquiario è probabilmente opera dell'orafo romano Antonio Moretti de Amicis (Roma 1611-1687), uno dei principali artisti operanti alle dipendenze di papa Alessandro VII e della famiglia Chigi, impegnato sicuramente verso la metà del secolo nella realizzazione di raffinati oggetti per la corte papale e per alcuni cardinali, ma anche ad esempio attivo per vari arredi sacri per la Cappella Chigi nel Duomo di Siena (1662-1666).

L’ipotesi della sua paternità dietro a questo pregevole reliquiario è sostenuta da un’informazione fornitaci da Leandro Ozzola, che in un suo lavoro pubblicato a Roma nel 1908, relativo alle attività artistiche alla corte di papa Alessadro VII, ricorda un pagamento effettuato a Moretti nel giugno 1659 per tre reliquiari: “1659, adì 5 giugno. Scudi seicentundici e baiocchi cinquanta moneta &. al Moretti argentiere per prezzo di tre reliquiari d’oro con sue cassette”. E anche altri pagamenti sembrano suffragare tale teoria: il 29 maggio 1659 Bonifatio Peri fu pagato “per 3 cristalli di montagna con altri ornamenti per reliquiarii”, mentre il 21 aprile 1660 un altro orafo romano, Giovanní Antonio Scatola (attivo dal 1656 al 1685), fu pagato “per prezzo di 12 armette d’argento smaltate per reliquiarii”. Essendo Moretti era sia gioielliere che orafo, l'uso elaborato di metalli preziosi e pietre dure lo indica come l'autore di questa commissione papale.

Bartolomeo Mendozzi

(Leonessa (Rieti), c. 1600- ? dopo il 1643)

A FEMALE PLAYER WITH TWO SINGING CHILDREN

oil on canvas, cm 68x99

SUONATRICE DI VIOLA CON DUE BAMBINI CANTORI

olio su tela, cm 68x99

PALMATORIA, ROMA, INIZI SECOLO XIX, ARGENTIERE GIUSEPPE VALADIER

in argento con profilo decorato a motivo del "can corrente", finale della presa in argento dorato in foggia di cherubino, sul retro del piattino l'iscrizione "Giuseppe Rospigliosi 1808" lungh. cm 29, g 255

A SILVER AND SILVER GILDED PALMATORIA, ROME, BEGINNING OF 19TH CENTURY, MARK OF GIUSEPPE VALADIER

Bibliografia per il bollo

C.G. Bulgari, Argentieri, gemmari e orafi d'Italia, Roma vol. II, Roma, 1980, p. 465 n. 1055

CAMPANELLO DA TAVOLO, ROMA, INIZI SECOLO XIX, ARGENTIERE LUIGI VALADIER

in argento e argento dorato, campana profilata da foglie lanceolate e decorate da festoni trattenuti da teste di cherubini, presa a balaustro con finale a pigna, alt. cm 14,5, g 325. All' interno l'iscrizione "Giuseppe Rospigliosi 1808"

A SILVER AND SILVER GILDED TABLE RING, ROME, BEGINNING OF 19TH CENTURY, MARK OF GIUSEPPE VALADIER

Bibliografia per il bollo

C.G. Bulgari, Argentieri, gemmari e orafi d' Italia, Roma vol. II, Roma, 1980, p. 465 n. 1055

NAVICELLA, ROMA, INIZI SECOLO XIX, ARGENTIERE GIUSEPPE VALADIER

in argento e argento dorato, base circolare perlinatasotto coppa a foglie, due valve terminanti a cherubini dorati, alt. cm 16 g 740. Sotto alla base l'iscrizione "Ioseph Rospigliosi 1809"

A SILVER AND SILVER GILDED INCENSE BOAT, ROME, BEGINNING OF 19TH CENTURY, MARK OF GIUSEPPE VALADIER

Bibliografia per il bollo

C.G. Bulgari, Argentieri, gemmari e orafi d' Italia, Roma vol. II, Roma 1980, p. 465 n. 1055

A PLAQUE, DERUTA, SECOND HALF 17TH CENTURY

PLACCA, DERUTA, SECONDA METÀ SECOLO XVII

in maiolica dipinta in policromia di forma rettangolare, raffigurante la Madonna seduta, volta a sinistra, che tiene in grembo il Bambino, in atto di afferrare con la mano sinistra il nodo del velo della; la scena è incorniciata nella parte superiore da un tendaggio dipinto nei toni del verde, mentre una cornice a fondo manganese con trattini inclinati in bianco circonda l'intera placca. L'iconografia è ricavata da un marmo di Benedetto da Maiano, ora in collezione Blumenthal di New York, e spesso utilizzata in tutta la Toscana così come in area umbra; cm 46x37

Comparative Bibliography

C. Fiocco, G. Gherardi, Ceramiche umbre dal Medioevo allo Storicismo. Parte Prima: Orvieto e Deruta, Faenza 1988, pp. 328-328 nn.278-279;

C. Ravanelli Guidotti, Maioliche di Montelupo, Firenze 2019, p. 275-277 n. 8

A PLAQUE, SIENA, FIRST HALF 17TH CENTURY

PLACCA, SIENA, PRIMA METÀ SECOLO XVII

in maiolica dipinta in policromia di forma rettangolare, raffigurante la Sacra Famiglia. Al centro la Madonna, vestita di giallo con il mantello azzurro, tiene in braccio il Bambino, mentre alle loro spalle sulla destra la figura di San Giuseppe; la scena è racchiusa da una ricca cornice modanata dipinta nei toni dell’ocra, impreziosita da quattro foglie aperte a rilievo agli angoli, con battuta nei toni del bruno decorata con una successione di piccole campanule. Realizzata a stampo, questa targa rappresenta uno dei modelli più diffusi in ambito senese, confrontabile ad esempio con un esemplare con stemma della famiglia Chigi datato 1725 conservato in una collezione privata senese, oppure con quello ancora inserito sulla parete esterna di un edificio a San Quirico, che reca la data 1705 e le iniziali S.Q., chiaro riferimento al luogo di esecuzione; cm 46x36,5

Bibliografia di confronto

G. Mazzoni, Ceramica chigiana a San Quirico, cat. della mostra, Siena 1996, pp. 61-62 nn. 142-144

Mattia Venturesi

(Forlì 1719 - Roma 1776)

A SILVER CENTERPIECE, ROME, LAST QUARTER OF THE 18TH CENTURY

CENTROTAVOLA, ROMA

in argento sbalzato e cesellato, coppa ovale sorretta da foglie e volute, coperchio in foggia di grande foglia con presa in forma di frutta, base poggiante su quattro piedini a ricciolo, alt. cm 25

The Italian Soprintendenza considers this lot to be a work of national importance and requires it to remain in Italy; it cannot therefore be exported from Italy.

Angelo Maria Spinazzi

(Piacenza 1693 - 1770)

A SILVER BASIN AND EWER, ROME, HALF OF 18 TH CENTURY, MARK OF ANGELO SPINAZZI

BROCCA E BACILE, ROMA, METÀ XVIII SECOLO, ARGENTIERE ANGELO SPINAZZI
in argento, bacile ovale sagomato con al centro stemma coronato, bacile decorato da racemi e volute, manico a doppia voluta, cm 41x31 e alt. cm 24,5

Bibliografia per il bollo
C. G. Bulgari, Argentieri, Gemmari e Orafi d'Italia, vol. II, 1980, p. 433, n. 989

The italian Soprintendenza considers this lot to be a work of national importance and requires it to remain in Italy; it cannot therefore be exported from Italy.

GRUPPO, ROMA, 1825 CIRCA, ARGENTIERE PIETRO BELLI

in argento raffigurante La Pietà, alta base di forma ovale in bronzo dorato con fascia in argento sbalzato raffigurante Via Crucis. La scultura è montata su base a plinto di forma ottagonale in marmo nero del Belgio, decorata sul fronte da stemma cardinalizio applicato a rilievo, sulla quale al retro è innestata un alta croce in malachite centrata da cornicetta in argento. Gruppo in argento, alt. cm 26; complessivamente alt. cm 59

A SILVER GROUP, ROME, 1825 CIRCA, MARK OF PIETRO BELLI

A ROMAN MICROMOSAIC PLAQUE, LAST QUARTER 18TH CENTURY

PLACCA, ROMA, ULTIMO QUARTO SECOLO XVIII

in micromosaico su cassina di rame di forma rettangolare, raffigurante Venere su barca trainata da coppia di delfini. Il soggetto, di chiara ispirazione classica, è realizzato con un decoro monocromo grigio ambrato giocato sui chiaroscuri, che si stacca nettamente dal fondo uniforme color blu cobalto. La trama musiva è basata su tessere rigorosamente quadrate per lo sfondo e su tessere rettangolari di diversi formati e dimensioni per la scena centrale, tutte in ogni caso minutissime.

L’impianto decorativo, la tipologia dei materiali utilizzati e la perizia dell’artefice, purtroppo non identificato, contribuiscono a collocare il lavoro nell’ultimo scorcio del Settecento, periodo in cui questo nuovo genere artistico, nato a Roma proprio verso la metà del XVIII secolo sulla scia della secolare tradizione musiva ivi presente, trova ispirazione nel repertorio classico, quando tutte le arti decorative rivolgono la massima attenzione ai soggetti ispirati all’antico; cm 12,7x23

Reference Bibliography

M.G. Branchetti, Mosaici minuti romani. Collezione Savelli, Roma 2004;

R. Grieco, Micromosaici romani, Roma 2008

Andrea de Leone

(Napoli, 1610 – 1681)

VENERE E ADONE

olio su tela, cm 76x102

firmato “Andrea D Lione F.” sul frammento architettonico a destra

VENUS AND ADONIS

oil on canvas, cm 76x102

signed “Andrea D Lione F.” on the architectural fragment lower right

Provenienza

New York, collezione Mario Lanfranchi; Milano, collezione Leonardo Mondadori; Finarte, Milano, 21 aprile 1988, lotto 83; Milano, Porro & C., 26 maggio 2008, lotto 42

Esposizioni

Painting in Naples from Caravaggio to Giordano. Londra, Royal Academy of Arts, ottobre – dicembre 1982, n. 2

Bibliografia

M. Soria, Andrea De Lione, a master of the bucolic scene, in “Art Quarterly” 1960, pp. 22-35; R. Causa, La pittura del Seicento a Napoli dal naturalismo al barocco, in Storia di Napoli, V, Napoli 1972, fig. 355; L. Salerno, Pittori di paesaggio del Seicento a Roma, II, Roma 1978, pp. 516-17, fig. 85.2; R.E. Spear, Princeton, Italian Baroque Paintings, in “The Burlington Magazine” 1980, p. 720; Painting in Naples from Caravaggio to Giordano. Catalogo della mostra, Londra 1982, pp. 107-108, n. 2; A. Brejon de Lavergnée, Nouvelles toiles d’Andrea di Lione. Essai de catalogue, in Scritti di storia dell’arte in onore di Federico Zeri, Milano 1984, pp. 670-72, fig. 660 e p, 680, n. 41; N. Spinosa, La pittura napoletana del 600, Milano 1984, n. 229; F. Zeri, Andrea de Lione e la natura morta, in Scritti di storia dell’arte in onore di Raffaello Causa. A cura di Pierluigi Leone de Castris, Napoli 1988, p.206, fig. 6; N. Spinosa, Pittura del Seicento a Napoli. Da Caravaggio a Massimo Stanzione, Napoli 2010, pp. 217-18, n. 102; M. Di Penta, Andrea De Leone (Napoli 1610 – 1685) Dipinti – Disegni, Roma 2016, pp. 128-29,Q.68

Capolavoro della maturità di Andrea De Leone, come universalmente riconosciuto fin dalla prima comparsa in pubblico, il raffinatissimo dipinto qui offerto fonde sapientemente motivi della pittura di paesaggio e di storia, e perfino elementi di natura morta, come acutamente osservato da Federico Zeri nella sua ricostruzione del De Leone specialista in tal genere, praticato in pochi ma straordinari esemplari.

Evidente, come è stato osservato, il riferimento a Tiziano per la figura di Venere che invano tenta di trattenere Adone dalla caccia fatale: ma il modello di una delle più affascinanti “poesie” dipinte per Filippo di Spagna, replicato in esemplari che Andrea forse vide nel corso del suo soggiorno romano, appare mediato dalla rilettura di Tiziano proposta da Nicolas Poussin intorno ai primi anni Trenta.

Da qui la tenerezza degli incarnati avvolti da ombre soffuse, la naturalezza con cui i protagonisti, lontani dai modelli statuari di Tiziano, si fondono nel paesaggio, costruito su una sapiente gradazione di toni che vanno dal bruno al dorato.

Incorniciati dalle diagonali convergenti di due tronchi, Venere e Adone ne seguono l’andamento; i colori delle vesti – prezioso blu di lapis per la tunica di Adone, oro screziato per il drappo che appena vela le gambe della dea - sono richiamati in primo piano da altri panni lasciati cadere nell’impazienza dell’incontro.

Ancora al classicismo romano rimanda infine il frammento architettonico su cui il pittore ha tracciato con orgoglio il proprio nome.

A ROMAN SPECIMEN MARBLE TABLE, 19TH/20TH CENTURIES

TAVOLO CAMPIONARIO, ROMA, SECOLI XIX/XX

in marmi policromi e bronzo patinato. Il piano, di forma rettangolare, è costituito da una lastra di marmo nero bordato di giallo decorato sulla superficie con intarsio a scacchiera di piccoli quadrati di marmi policromi. La base è scolpita in marmo bianco e composta da due sostegni torniti poggianti su piedi a mensola, decorati da intagli e grandi foglie a rilievo, riuniti tra loro da due traverse in bronzo con nodo centrale e rosoni alle estremità; cm 86x152x89

Francesco Guardi

(Venezia, 1712 – 1793)

CAPRICCIO LAGUNARE CON PONTICELLO E COLONNATO CLASSICO IN ROVINA

CAPRICCIO CON ARCO IN ROVINA E CHIESA CON CUPOLA

coppia di dipinti, olio su tavola, cm 16,8x10,3

A LAGOON CAPRICCIO WITH A SMALL BRIDGE AND CLASSICAL RUINED COLONNADE

A CAPRICCIO WITH RUINED ARCH AND A CHURCH WITH A DOME

oil on panel, cm 16,8x10,3, a pair

Riferimenti fotografici

Fototeca Federico Zeri, scheda 69925/26

Provenienza

Parigi, collezione Rotschild

Parigi, G. Baroni

Milano, Relarte, 1963

Londra, L. Koetser, 1964

Firenze, Galleria Salocchi

Milano, Algranti, 1974

collezione privata

Esposizioni

Autumn Exhibition. Londra, Koetser, 1964

Bibliografia

Autumn Exhibions. Recensione in “The Burlington Magazine” 1964, Novembre, p. 523, figg. 44-45

A. Morassi, Guardi. I dipinti, Venezia (1973) 1993, I, p. 483, cat. 936; p. 471, cat. 868, rispettivamente; II, figg. 842 e 788, rispettivamente.

L. Rossi Bortolatto, L’opera completa di Francesco Guardi, Milano 1974, nn. 726, 727.

GRANDE CARTAGLORIA, SECOLO XVII                                          

in lamina d'argento applicata su struttura in legno. Base sagomata in rame argentato su cui poggia il fusto realizzato da due putti in rilevo su elementi a volute, a sorreggere la cornice superiore decorata ai lati con due santi assisi e due putti sovrastanti che sostengono uno stendardo con il volto di Cristo nella cimasa. Lo specchio centrale è occupato da un'iscirizone ecclesiastica in lettere capitali HOC EST ENIM CORPUS MEUM / HIC EST ENIM CALIX SANGUINIS MEI, / NOVI ET AETERN TESTAMENTI, / MISTERIUM FIDEI, / QUI PRO VOBIS, ET PRO MULTIS / EFFUNDETUR IN REMISSIONEM / PECCATORUM; cm 74x54x19, g. 5300 lordi  

A LARGE SILVER, SILVERED METAL AND WOOD CARTAGLORIA, 17TH CENTURY

Daniele Crespi

(Busto Arsizio o Milano, 1597/1600 – Milano, 1630)

SAINT CHARLES BORROMEO, SAINT FRANCIS, SIRO AND LANFRANCO

MOSES, AARON, DAVID AND SALOMON

oil on canvas, cm 72,5x47, a pair

I SANTI CARLO BORROMEO, FRANCESCO, SIRO E LANFRANCO

MOSÈ, ARONNE, DAVIDE E SALOMONE

coppia di dipinti, olio su tela, cm 72,5x47

PLACCA, ROMA, SECOLO XVIII

in argento di forma ovale raffigurante l'Assunzione della Vergine, cm 19x14, montata entro cornice modanata in rame dorato impreziosita da rametti fioriti ed elementi a volute a rilievo, cm 38x27

A SILVER PLAQUE, ROME, 18TH CENTURY

Giovanni Bottani

(Cremona, 1725 – Parma, 1804)

ULYSSES AND CIRCE (AFTER GIUSEPPE BOTTANI)

oil on canvas, cm 23,5x19

signed and dated on the back of the original canvas “Joan. Bottani ping. Romae 1760.”

ULISSE E CIRCE (DA GIUSEPPE BOTTANI)

olio su tela, cm 23,5x19

firmato e datato al retro della tela originale “Joan. Bottani ping. Romae 1760.”

A Bolognese plastic artist of late 18th century, Tancredi baptises Clorinda, polychromed terracotta, 62x64x48 cm

Plasticatore bolognese della fine del secolo XVIII

TANCREDI BATTEZZA CLORINDA

gruppo in terracotta policroma. Iscrizione alla base entro cartiglio: … IN QUESTA FORMA / PASSA LA BELLA DONNA E PAR CHE DORMA; cm 62x64x48

Questo grande e prezioso gruppo plastico in terracotta, dipinto in vivace policromia, traspone in scultura uno degli episodi più celebri della Gerusalemme liberata, poema eroico di Torquato Tasso. Nel canto XII infatti il cavaliere cristiano Tancredi, innamorato della guerriera musulmana Clorinda, è costretto dalla sorte a battersi in duello proprio contro di lei e ad ucciderla; in punto di morte Clorinda si converte e viene battezzata dallo stesso guerriero. Pur essendo notevole la qualità della composizione, al momento non siamo in grado di proporre un’attribuzione specifica per questo gruppo, per il quale però la fonte iconografica sembra possa essere riconosciuta in un dipinto del pittore Gaetano Lapis (Cagli 1706 – Roma 1773) con uguale soggetto pubblicato nel 1994 (A. Mazzacchera, B. Montevecchi, Gaetano Lapis: i dipinti di Cagli, Urbania 1994, pp. 53-54) e attualmente conservato presso la Fondazione Cassa di Risparmio di Pesaro.

A Bolognese plastic artist from the second half of the 18th century, Holy Family, terracotta, 30x25x17 cm

Plasticatore bolognese della seconda metà del secolo XVIII

SACRA FAMIGLIA

gruppo in terracotta, cm 30x25x17

Comparative Bibliography

AA.VV., Presepi e terrecotte nei musei civici di Bologna, cat. della mostra, Bologna 1991, p. 149 n. 51

Pienamente inserito nella tradizione presepiale emiliana, questo piccolo e inedito gruppo in terracotta sembra richiamare certi lavori dello scultore bolognese Giacomo Rossi (Bologna 1748-1817), allievo di Filippo Scandellari e Domenico Piò e vicino alle poetiche gandolfiane, quali ad esempio la notevole terracotta policroma del Museo Davia Bargellini (inv. n. 81) raffigurante Madonna col Bambino, opera a lui ricondotta dopo una lunga tradizione che ne dava la paternità a Giuseppe Maria Mazza. In essa il movimento della Vergine, che si china avvolgente su Gesù, è ormai lontano dalla compostezza delle Madonne del Mazza, così come la ricchezza dei panneggi e l’effetto “bagnato” delle vesti diventano pretesto per scavare profonde ombre nella materia.

Caravaggesque artist, early 17th century

APPLES ON A PLANE, WITH BLACK AND WHITE GRAPES

POMEGRANATES ON A STONE LEDGE

oil on canvas, cm 49x67, a pair

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Artista Caravaggesco, inizio sec. XVII

MELE SU UN PIANO, CON TRALCI DI VITE E UVA BIANCA E NERA

MELOGRANI SU PIANO DI PIETRA

coppia di dipinti, olio su tela, cm 49x67

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