ARTE MODERNA E CONTEMPORANEA

IGOR MITORAJ

(Oederan 1944 - Parigi 2014)

Piede con mano

2001

bronzo

cm 60x117x47

peso kg 65

numerato n. 1/8

Foot with hand

2001

bronze

60x117x47 cm

weight 65 kg

numbered n. 1/8

 

L'opera è accompagnata da autentica rilasciata dall'artista datata 2002 e da un certificato rettificativo dell'artista datato 2018

Mitoraj

(...) Nei miti greci molti significati erano impliciti, per noi oggi sono perduti cosi come ci è precluso percepire l’ordine che governa le antiche leggende. Il senso di questo mistero traspare dalle opere di Mitoraj che, benché ferite dal tempo, si riallacciano idealmente ai loro archetipi classici a cui si aggiunge, a partire dagli anni novanta, una forte componente orientale.
Un’attenzione a parte meritano le tecniche usate dall’artista , e mi riferisco al trattamento dei bronzi, spettacolari ed innovative nella resa cromatica delle superfici interamente ricoperte da patine fulvo ramate o da blu cobalto profondi che virano in un turchese fosforescente che imprigiona nel colore la luce e crea trascolorazioni fantastiche sopra le superfici.
Altri bronzi ancora simulano le nere profondità dell’ossidiana, in una lucentezza metafisica che li rende ancora più enigmatici ed insondabili nella loro assorta malinconia.
Questa volontà di sperimentazione non conosce soste e l’artista si trova di volta in volta coinvolto in nuovi tentativi per creare tecniche via via sempre più affinate in grado di esprimere al meglio le sue sensazioni e la sua continua ricerca di perfezione. Le sue opere(...) incarnano questo desiderio di sublimazione della forma in un ideale estetico immutabile che appartiene al mito e del mito contiene l’enigma e il mistero, unito ad una melanconia struggente che appena traspare dai bellissimi visi e corpi perfetti.
Dai silenziosi abissi dell’inconscio Mitoraj richiama alla luce i desideri, i sogni, le speranze che riemergono sotto forma di frammenti, unici superstiti di un mondo ideale frantumato e non più ricomponibile. (...)
Litta Medri - Percorso artistico di Igor Mitoraj- pag. 367- Il Primato della Scultura Il Novecento a Carrara e dintorni - Edizione Machietto&Musolino 2000 Accademia di Belle Arti di Carrara

SALVATORE SALVO

(Enna 1947 - Torino 2015)

Notturno

1988

olio su tela

cm 200x150

Night

1988

oil on canvas

200x150 cm

L'opera è accompagnata da autentica su fotografia, rilasciata dall'artista
L'opera è in fase di archiviazione presso l'Archivio Salvo 

THEO VAN DOESBURG

(Utrecht 1883 - Davos 1931)                                              

Senza titolo

1927

olio su cartone

cm 31,5x30                                                 

firmato e datato in basso a destra 1927

Untiled

1927

oil on cardboard

31.5x30 cm

signed and dated lower right 1927

AGOSTINO BONALUMI

(Vimercate 1935 - Monza 2013)

Senza titolo, rosso

1968

acrilico su tela estroflessa

cm 36x20 ( con teca in plexiglass 52x36x13 )

al retro firmato e datato

Untitled, red

1968

acrylic on ejected canvas

36x20 cm (with plexiglass case 52x36x13)

on the reverse signed and dated

L' opera è  registrata presso l' Archivio Agostino Bonalumi, con il numero n. 68-044

Bibliografia
F. Bonalumi/M. Meneguzzo, A. Bonalumi catalogo ragionato, Skira ed., Milano 2015, vol II, p.425 n. 406 con illustrazione 

“ Noi abbiamo partecipato all’unico vero momento storico, dove L’Europa poteva mostrare un’unità di concetti e teorie comuni, esisteva un linguaggio artistico europeo. Avevamo la capacità di sognare. Essere artisti a mio avviso è mantenere intatta negli anni quella stessa capacità”.

Agostino Bonalumi  2010

MIMMO ROTELLA

(Catanzaro 1918 - Milano 2006)

Standa

1975

artypo

cm 140x100

Standa

1975

Artypo

140x100 cm


L'opera è accompagnata da autentica rilasciata dalla Fondazione Mimmo Rotella

...Le ‘sovrapitture’ sono state il varco attraverso il quale il decollagiste ha ripreso l’esercizio diretto dell’azione di disegnare e dipingere in un periodo ( gli anni Ottanta) costellato da recuperi retrospettivi. Difatto, l’artista ha ripreso un suo vecchio tema, l’iconografia del divismo cinematografico, nella nuova serie di Cinecittà, rinnovandolo mediante il linguaggio ben attuale dei graffiti.
‘Sovrapittura’ vuol dire anche questo: sovrapporre i graffiti di oggi, che ampliano gli orizzonti sociali della raffigurazione senza storia, alla memoria del primo ciclo dei manifesti ‘decollati’ di Cinecittà nel 1960, che nel frattempo sono stati assorbiti dalla storia della pittura. Come sempre, la loro raccolta da parte dell’artista cambia il valore dei segni. Se i graffiti sui muri manifestano un’espressione personale anche se anonima, non filtrata grazie all’anonimato, sulla superficie oggettiva del decollage diventano al contrario del tutto impersonali: cosi la pulsione a dire, gridare, si fa discorso e archetipo. (...)
Tommaso Trini - Rotella il Tempo dei Segni - 1993 aprile/giugno, Ammiraglio Acton, Art Studio Edizioni Milano.

MARIA LAI

(Ulassai 1919 - Cardedu 2013)

Senza titolo
1979

quaderno ricamato con  fili

cm 18x24 circa

al retro firmato e datato "Lai '79"

Untitled
1979

notebook of threads

18x24 cm c.a.

on the reverse signed and dated "Lai 79"

[…] Le mani non stanno mai ferme: disegnano, cuciono, modellano. La sua casa è il viaggio, il viaggio è la casa dell’umanità. Maria Lai (1919) è bambina e disegna sulle pareti domestiche, incessantemente. Poi le pareti vengono imbiancate affinché, una volta asciutte, continui a disegnare. Gioca coi fili, li fa cadere a terra e li guarda.

 “Giocavo con grande serietà, a un certo punto i miei giochi li hanno chiamati arte”, ha raccontato.

Il percorso di questa figura singolare – della quale dicevano avesse le “mani da uomo” tanto il suo segno era deciso ed essenziale - comprende simultaneamente tradizione e neoavanguardia, famiglia e ribellione, concettualità e artigianalità . Le sue visioni si sviluppano su una memoria individuale generata da una ritualità collettiva, antropologica. Il suo orientamento è istintivo, sicuro, senza errore. Le pietre della Sardegna, il vento, le leggende, le donne al lavoro, le capre, i folletti, gli spiritelli, le Janas, il mare, sono i tasselli  del suo universo. Maria sperimenta tutti i linguaggi possibili, creando un lessico personale e intimo. Attraversa l’essenzialità nella  figurazione, l’astratto, la scultura, (che il suo maestro d’accademia, Arturo Martini, considerava lingua morta), l’installazione e l’happening. E ogni volta cerca di mettere la storia in movimento. “Ogni opera nasce da un’altra opera – afferma - non viene dal nulla”. […]

[…] Verso la metà degli anni Settanta, le donne del movimento femminista guardano a lei con vivo interesse, per l’uso sovversivo che fa degli strumenti legati da sempre al lavoro domestico. Per la sua scelta di solitudine e dedizione all’arte e perché, nella sua opera, il cucito non è un’attività tranquillizzante che comprime socialmente la vitalità femminile, è uno strumento di apertura, liberazione, incompiutezza. I fili non disegnano forme chiuse e finite, ma cadono dalla tela o dalla stoffa, sono imprevedibili, non hanno né principio né fine, ciondolano come capelli sovrumani arrivati da altri mondi. E i telai per tessere diventano sculture, macchine inutilizzabili, strumenti impossibili. La loro funzione è annullata, nessuna azione meccanica può più essere compiuta.[…]

[…] Verso la fine degli anni Settanta, nascono i libri di stoffa o di carta con le parole dai significati inafferrabili cucite sopra. Alcuni sono illustrati, senza scritte, altri, i Libri scalpo, hanno fili che cascano giù dalle pagine come capigliature scarmigliate. Maria Pietra, Tenendo per mano l’Ombra, Il Dio distratto … richiedono forme di lettura nuove e raccontano favole che riflettono la natura umana in rapporto alla magia della vita. Ma l’arte, ci chiediamo, è comprensibile a tutti? Maria Lai ritiene che il pubblico sia pronto a comprendere. “L’interpretazione – scrive – non è un impegno a conoscere i significati in un’opera. L’opera d’arte non è un oggetto di indagine scientifica, ma la possibilità di contatto con l’universale. Il contatto deve essere però diretto e individuale, non come atto mentale, ma attraverso il corpo, la materia”. L’accettazione delle ombre dell’esistenza, l’uso etico del potere creativo dell’artista e la consapevolezza della sacralità della propria e altrui vita, sono i punti fermi delle sue storie. Tra queste storie ci sono quelle delle Janas, le fate operose e minute la cui vaga origine risale a una popolazione sarda del neolitico. Secondo l’artista, che le ritrae con fili d’oro e d’argento, le Janas sono nate da uno sciame di api per insegnare alle donne sarde a filare. E forse anche Maria è una Janas venuta per insegnare alle donne del pianeta a tessere i loro sogni anziché i loro bisogni

Manuela Gandini ,Tracce di un dio distratto, 7 febbraio/27 aprile 2013,  Nuova Galleria Morone - Milano

SOL LEWITT

(Hartford 1928 - New York 2007)

MIMMO PALADINO

(Paduli, 1948)

SOL LEWITT e MIMMO PALADINO XXIV a 4 mani                 

pastelli, colate e tempera su carta

 cm 76x56,5

firmato in basso a destra Sol Lewitt

firmato e datato al margine centrale sinistro Paladino

al retro etichetta Valentina Bonomo Arte

SOL LEWITT e MIMMO PALADINO XXIV 4 hands

pastels, pours and tempera on paper

76x56.5 cm

signed lower right Sol Lewitt

signed and dated on the left central margin Paladino

on the reverse label of Valentina Bonomo Arte

KAREL APPEL

(Amsterdam 1921 - Zurigo 2006)

Volto

1973

olio su masonite

cm 70x50

firmato e datato in basso a sinistra
al retro etichetta Galleria Sant'Erasmo

Face

1973

oil on masonite

70x50 cm

signed and dated in the lower left corner

      on the reverse label og Gallery Sant'Erasmo

Karel Appel

“La pittura va continuamente al di là della sua storia, del suo stile”, questa dichiarazione di Karel Appel intorno alle ragioni del dipingere rivela la tensione critica dell’artista di fronte al rischio di trasformare la creatività pittorica in una maniera ripetitiva, in una produzione senza slanci. (...) La tensione ininterrotta di Appel è quella di realizzare una visione che non è conoscibile se non attraverso la fantasia del subconscio, un mondo di forme che vengono allo scoperto sospinte dalla potenza sperimentale del colore e dalla magia imprevedibile delle apparizioni. L’aspetto magico deriva dalla seduzione violenta della forma che fin dalla prima giovinezza l’artista olandese impara ad apprezzare avvicinandosi ai valori selvaggi dell’arte primitiva, ad una visione carica dì sensualità cromatica.

Karel Appel Vitalità del colore, al di là dello stile Claudio Ceritelli - Galleria Arte 92 Karel Appel Opere 1990-2002 marzo/giugno 2008

MARCELLO LO GIUDICE

(Taormina 1957)

Primavera di Botticelli

2008                                             

farfalle in ceramica dipinte a mano dall'artista,  in teca di plexiglass

cm 188x78x18 teca

firmato e datato

Spring by Botticelli

2008

ceramic butterflies hand-painted by the artist, in plexiglass case

188x78x18 cm display case
signed and dated 

ZORAN ANTON MUSIC

( Gorizia 1909 - 2005 Venezia )                                                     

Petits Chevaux

1948

olio su tela

cm 45x65

firmato e datato '48 in basso a destra

al retro timbro Galleria Cavallino, Venezia

al retro etichetta Reunion des Musés Nationaux, Paris

al retro dipinto raffigurante due figure

Littles horses

1948

oil on canvas

45x65 cm

signed and dated '48 lower right

on the reverse stamp of Galleria Cavallino, Venice

on the reverse label of Reunion des Musés Nationaux, Paris

on the reverse painting representing two figures

Esposizioni

Zoran Music, Galerie Nationale du Grand Palais, 6 aprile - 3 luglio 1965, Parigi

Bibliografia

Zoran Music, Galerie Nationale du Grand Palais,1965, Parigi, ill.

(...) Fra il ‘46 e il ‘ 55 prendono forma molti dei temi centrali della pittura di Music. Vicino ai ritratti nascono i motivi dalmati, le nasse, i traghetti, i paesaggi umbri e senesi. Si evidenziano in modo inconfondibile i caratteri espressivi mai in seguito ricusati nella loro sostanziale identità. E anzitutto una sorta di aristocrazia dei sentimenti in parte connaturale all’uomo, in parte acquisita attraverso esperienze di vita e di cultura. Il contatto e la visione della violenza e delle barbarie certo hanno concorso a radicare in Music il vagheggiamento di una condizione umana fondata sui valori di alta spiritualità, da considerare sacri e inalienabili. Memoria, predilezioni e scelte di grande raffinatezza si risolvono in una decantazione e in una purificazione di contenuti, specchiate puntualmente nel tono espressivo delle opere. Certo ha ragione Mazzariol quando scrive di Music come uno dei pittori “ più segreti, più difficili e più alti del nostro tempo”. Non c’è dubbio infatti che la sua poesia sia quanto di più antiretorico e di meno spettacolare si possa immaginare. Inutile attendersi facili emozioni da un artista di così gelosa intimità, estraneo a ogni scoperta effusione, che parla sommessamente, senza mai alzare la voce. (...) Pier Carlo Santini Arte in Italia 1935-1955 edizione Edifir Firenze 1992

MARIO SCHIFANO

(Homs 1934 - Roma 1998)

Senza titolo                          

smalto su tela emulsionata e plexiglas

cm 80x115

al retro firmato

al retro etichetta Giancarlo Tonelli

al retro etichetta Archivio dell'opera pittorica di Mario Schifano, n. archivio 7217

Untitled

enamel on emulsified canvas and Plexiglas

80x115 cm

on the reverse signed

on the reverse label Giancarlo Tonelli

on the reverse label Archive of the pictorial work of Mario Schifano, n. archive 7217

Provenienza

Collezione Mazzoli

Collezione privata, Firenze

(...) Questi ultimi quadri vivono autonomamente in una prospettiva diversa da quella dei lavori precedenti. Non solo formalmente: col ricorso alla tela emulsionata, all’immagine fotografica, al trattamento meccanico della pittura, e al recupero di quel paesaggio artificiale che oramai ci stringe tutt’intorno dai televisori. Rispetto ai quadri di alcuni anni fa, che su un’immagine dichiaratamente pittorica recavano superfici plastiche ad effetto ottico e si collocavano in tal modo in una sorta di naturalismo visivo, i nuovi quadri si presentano col respiro più ampio del realismo. il realismo di cui qui si fa mostra non riguarda tanto le connotazioni formali dell’opera, ne tanto meno il tipo d’approccio con cui l’artista osserva e fotografa ed elabora la realtà del mezzo televisivo, ma piuttosto la scelta di questo tema e l’indagine che su esso Schifano ha dovuto condurre. In altre parole, eccolo captato nel mentre si interroga sulla reazione tra la sua opera e la realtà dalla quale essa muove. Ci vuole poco, anche meno di questa giustificazione, per fa si che l’artista esista (...)
Tommaso Trini Mario Schifano Studio Marconi Milano 1970

GIACOMO MANZU'

(Bergamo 1908 - Ardea 1991)                                                               

Pittore con modella

1968                                                 

olio su tela

cm 90,5x120,5

firmato in basso a destra

al retro firmato e datato

Painter with model

1968

oil on canvas

90.5x120.5 cm

signed lower right

on the reverse signed and dated

Bibliografia

Giacomo Manzù, Forni Galleria D'Arte, p. 14 ill. b/n

BRUNO SAETTI

(Bologna 1902 - 1984)

Maternità

olio su tela

cm 215x130

Maternity

oil on canvas

215x130 cm

 L'opera è registrata presso il Registro dell'opera di Bruno Saetti, con il numero di archivio n. 337

ENNIO MORLOTTI

(Lecco, Como 1910 - Milano 1992)

Nudi

1967

olio su tela

cm 115x123,5

firmato e datato in basso a destra Morlotti '67

al retro residuo di cartiglio Galleria Il Milione

al retro residuo di cartiglio riportante titolo Miseria e splendore della carne - MAR

Museo d'Arte della Città di Ravenna

Naked

1967

oil on canvas

cm 115x123,5

signed and dated lower right Morlotti '67

on the reverse remains of label of Galleria Il Milione

on the reverse remains of label with exhibtion title Misery and splendor of the

flesh - MAR Museo d'Arte della Città di Ravenna

Provenienza

Collezione privata

Esposizioni

San Gimignano, 1972

Busto Arsizio, 1984

Miseria e splendore della carne - 19 Febbraio 2012 - 17 Giugno 2012- MAR

Museo d'Arte della Città di Ravenna

Bibliografia

Miseria e splendore della carne - 19 Febbraio 2012 - 17 Giugno 2012- MAR

Museo d'Arte della Città di Ravenna

R.Tassi in "L'approdo letterario", XIX n. 42, 1968, Tav. 1

M. Valsecchi, 1972, cat. tav. 149.30

S.Crespi, 1984, cat. tav. s.n.

Gianfranco Bruno, Pier Giovanni Castagnoli e Donatella Biasi, Ennio Morlotti Catalogo

ragionato dei dipinti, Tomo I, p. 368 n.97

“In Cézanne c’è la sacralità della luce che divinizza ogni cosa; io vorrei fare la sacralità della carne” Ennio Morlotti -  Il Tempo intervista di Mario Valsecchi

Ennio Morlotti nella sua immensa produzione improntata principalmente sul rapporto con la natura si dedica sin dagli esordi anche alla figura femminile: figure umane in contrasto e al contempo in stretto rapporto con il mondo vegetale. Corpi-paesaggi dissolti e totalmente integrati con il mondo naturale, accolti dal manto muschioso, avvolti dal groviglio di verdi prati, corpi che vengono dalla terra e alla terra ritornano. Come sottolineò Testori: “ciò che interessa di più è soprattutto la passione rivolta alla consistenza, alla carne (…) una sorta di furore belluino annoda le parti del corpo: lo slogamento delle spalle, il ribaltamento del ventre marchiano feroci lo spazio (…) la tensione ‘organica’ che scompone i corpi ma non li strappa al paesaggio, anzi ne sottolinea la compenetrazione. La figura umana nasce dalla materia non si contrappone ad essa, è un elemento indistinto in simbiosi con il paesaggio che l’accoglie. Quella di Morlotti è una pittura organica che agisce in dialettica con la materia medesima, dove è difficile distinguere le figure dal paesaggio.”

L’etichetta di “naturalista lombardo” si è rivelata sempre più, con il passare del tempo, limitata e insoddisfacente per questa figura d’artista che, pur legata al suo contesto ed alle sue radici è, per diversi aspetti, appartata e solitaria: anche nei dipinti degli anni Sessanta, dove più intimo era il suo contatto con la natura, dove il pittore si addentrava nella vegetazione, si calava “come un insetto” nel verde del fogliame, mancava totalmente una componente essenziale del naturalismo ottocentesco, cioè quella sensuale, carnale, la fisicità dell’incontro con la natura.
Marina De Stasio - La materia e la luce: l’eredità dell’informatica Milano - testo per la mostra Geografie oltre l’informale Palazzo Della Permanente 1987.

Ennio Morlotti, nato a Lecco nel 1910, nel 1917 entra nel collegio Paolo Angelo Ballerini di Seregno dove rimarrà fino al 1922. Dal 1923 per mantenersi concilia lavoro e apprendistato artistico, dapprima lavora come contabile presso un oleificio, in seguito sarà impiegato in un colorificio e poi in una fabbrica meccanica. Nel frattempo studia arte antica nelle chiese e nei musei e inizia ad interessarsi all’arte contemporanea. Nel 1936, dopo aver conseguito la maturità artistica da privatista presso l’Accademia di Brera, lascia il lavoro e si iscrive all'Accademia di Belle Arti di Firenze sotto la guida di Felice Carena. Studia Masaccio, Giotto e Piero Della Francesca ma rendendosi conto che le sue radici pittoriche lombarde sarebbero state deviate verso la pittura toscana abbandona presto Firenze. Nel 1937 soggiorna per un breve periodo a Parigi dove poté entrare in contatto con i grandi protagonisti dell'arte Europea: da Cézanne al Fauvismo, all'Espressionismo di Soutine e di Rouault. All'Exposition Universelle de Paris vide l'opera di Picasso Guernica rimanendone fortemente impressionato..  Nel 1939 entra a far parte del gruppo dei pittori di Corrente con Ernesto Treccani, Renato Guttuso, Renato Birolli e Bruno Cassinari, rivelandosi ben presto il più estremista del gruppo. Dopo un secondo soggiorno a Parigi, nel 1947, partecipa al Fronte Nuovo delle Arti, e dopo la scissione, aderì con Birolli e Cassinari, al Gruppo degli Otto di Lionello Venturi. I soggetti più riprodotti dall'artista sono i paesaggi, le nature morte e gli studi di figura. Negli anni '50  produce alcune tra le opere capitali dell'arte informale, non solo italiana, ma anche europea, sicuramente collegate all'esperienza di autori quali Wols, Fautrier, De Stael, ma anche Pollock e De Kooning. La Biennale ospitò numerose volte le sue opere, nel 1950, nel 1952 assieme al Gruppo degli Otto, nel 1954 con una sala presentata da Giovanni Testori (distruggendo le opere esposte subito dopo), nel 1962 vincendo il premio (ex equo con Capogrossi) riservato a un artista italiano, nel 1964 all'interno della sezione "Arte d'oggi nei musei", nel 1972 con una sala personale, nel 1988 con un'altra personale nel padiglione dedicato all'Italia e nella sezione dedicata alla rassegna "Il Fronte nuovo delle Arti alla Biennale del 1948". Muore a Milano nel 1992.  

BERNARD AUBERTIN

(Fontenay-aux-Roses 1934)

Senza titolo

2006

olio su pannello

cm 105x200x1

Untitled

2006

oil on panel

105x200x1 cm

 L' opera è registrata presso l'archivio Bernard Aubertin con il numero DFT-33800000602015RSN

Bibliografia
Feu sur bois, a cura dell' Archivio Bernard Aubertin, Zikkumat internazionale business ed., 2011

ANTONIO BUENO

(Berlino 1918 - Fiesole 1984)

Fanciullo

olio su faesite

cm 25x20

firmato in alto a destra

Female face

oil on hardboard

25x20 cm

signed in the upper right corner

ANTONIO BUENO

(Berlino 1918 - Fiesole 1984)

Marinaretto

olio su faesite

cm 35x26

firmato in alto a destra

Marinaretto

oil on hardboard

35x26 cm

signed in the upper right corner

ANTONIO BUENO

(Berlino 1918 - Fiesole 1984)

Volto femminile

olio su faesite

cm 25x20

firmato in alto a destra

Female face

oil on hardboard

25x20 cm

signed in the upper right corner

ANTONIO BUENO

(Berlino 1918 - Fiesole 1984)                                                  

Arlecchino                                                                

olio su faesite

cm 30x20

firmato in alto a destra

Harlequin

oil on hardboard

30x20 cm

signed in the upper right corner