DIPINTI ANTICHI

Pietro Negri

(Venezia 1628 – 1679)

GIUSEPPE SPIEGA I SOGNI IN PRIGIONE

olio su tela, cm 148x117

JOSEPH EXPLAINS THE DREAMS

oil on canvas, cm 148x117

Immediatamente riconducibile alla maniera dei “tenebristi” veneziani che intorno alla metà del Seicento sperimentarono variamente temi e modelli di Giuseppe Ribera (a cui non a caso il nostro dipinto era riferito nella raccolta di provenienza) la tela qui offerta sembra più precisamente attribuibile a Pietro Negri, condiscepolo del “tenebrista” Antonio Zanchi nella bottega veneziana di Francesco Ruschi, e documentato con opere datate dal 1660 al 1679.

È appunto un disegno iscritto con il suo nome e la data del 1660, incluso nel cosiddetto album di Camerino e ispirato al modello classico del Laocoonte, tradotto però con intenso e pittorico chiaroscuro, a offrire i più immediati confronti con la figura in primo piano nel nostro dipinto, e non solo sotto il profilo tipologico ma essenzialmente nello stile, intensamente pittorico, e nelle sigle personalissime con cui l’artista risolve i piani del viso, le sopracciglia e le labbra della figura. Lo stesso modello è stato da tempo riconosciuto all’origine della figura del protagonista nel dipinto nella Gemäldegalerie di Dresda raffigurante Nerone contempla il cadavere di Agrippina, e ancora in uno dei personaggi della tela già nella galleria Giamblanco a Torino, raffigurante Semiramide riceve la notizia dell’assedio di Babilonia (G. Fossaluzza, in “Verona Illustrata” 23, 2010, pp. 71-90, fig. 61 e tav. III) databile alla metà degli anni Sessanta.

Scuola fiamminga, sec. XVII

POMONA AND VERTUMNO

olio su tela, cm 60x70

Flemish School, 17th century

POMONA AND VERTUMNUS

oil on canvas, cm 60x70

Bibliografia di confronto

M. Jaffe', Rubens, Milano 1989, nn. 1331 e 1332, p. 364

Il nostro dipinto si ispira all'originale di dimensioni ridotte (25x37) ed eseguito su tavola da Peter Paul Rubens, datato 1636 e conservato al Museo del Prado di Madrid. E' conosciuta anche una versione di formato più grande (200x270) firmata da Jacob Jordaens, eseguita nel 1638 e conservata al Museo Nazionale di Arte Antica di Lisbona. 

Bartolomeo Biscaino

(Genova 1632 – 1657)

TRIONFO DI DAVID

olio su tela, cm 120x188

THE TRIUMPH OF DAVID

oil on canvas, cm 120x188

Provenienza

Genova, Rubinacci Antichità; Genova, collezione privata

Bibliografia

M. Bonzi, Il Biscaino, Savona 1940, pp. 8 e 17, illustrato a p. 9; Rubinacci Antichità, Dipinti del XVII e XVIII secolo, catalogo della mostra, Genova s.d. (ma 1968), n. 7; C. Manzitti, Per Bartolomeo Biscaino, in “Paragone” 1971, 253, pp. 37-38, fig. 22; La pittura del ‘600 a Genova, a cura di P. Pagano e M. C. Galassi, Milano 1988, ill. tav. 85; F. Lamera, Miti allegorie e tematiche letterarie per la committenza privata, in E. Gavazza, F. Lamera, L, Magnani, La Pittura in Liguria. Il secondo Seicento, Genova 1990, p. 188 e fig. 231; F. Affronti, Biscaino e Castello. Due artisti a confronto, in “La Casana” s.d., p. 46; ill. a p. 45.

Reso noto per la prima volta da Mario Bonzi nella sua pionieristica ricognizione dell’artista genovese, il dipinto qui offerto è stato in breve riconosciuto un vero e proprio caposaldo della prima attività di Bartolomeo Biscaino, intorno al 1650. Un’attività così breve, considerando la sua giovane età all’ingresso nella bottega di Valerio Castello intorno al 1649, e la morte precoce nella peste del 1657, da rendere pressoché superflue ipotesi di datazione più precise.

Giustamente Bonzi richiamava i modelli di Pellegro Piola per le figure, plastiche nella loro arrotondata fisicità ma insieme stilizzate nella cifra della Maniera, che accompagnano la scena di trionfo, e riconosceva l’ascendente di Valerio Castello nei colori acidi e squillanti, anch’essi un retaggio del tardo Cinquecento tra Genova e Milano.

Rispetto al maestro, Biscaino mostra stesure maggiormente studiate che restituiscono alla ritmata scansione delle figure una cadenza più pacata oltre che la più marcata consistenza plastica a cui si è appena accennato. I volti mostrano poi la tipica dolcezza che caratterizza sia il suo corpus pittorico che quello di disegni e incisioni.

Bartolomeo Bimbi

(Settignano,1648 – Firenze, 1729)

VASO DI FIORI

olio su tela, cm 121,5x86,5

FLOWERS IN A VASE

oil on canvas, cm 121,5x86,5

Scuola francese, sec. XVIII

RITRATTO MASCHILE CON ARMATURA

olio su tela, cm 81,5x64

French  school, 18th century

PORTRAIT OF A MAN IN ARMOR

oil on canvas, cm 81,5x65

Andrea Locatelli

(Roma, 1695 – 1741)

PAESAGGIO CON ARCHITETTURE E FIGURE 

olio su tela, cm174x128

LANDSCAPE WITH ARCHITECTURES AND FIGURES

oil on canvas, cm 174x128

Provenienza

Roma, Finarte maggio 1973, asta 154, lotto 529, tav. CXIX; già Roma, galleria Gasparrini

Bibliografia

Andrea Busiri Vici, Andrea Locatelli e il paesaggio romano nel settecento, Roma 1897, cat. 21 e dettagli riprodotti fig. 48 p. 40, fig. 168, p. 138; G. Sestieri, Il capriccio architettonico in Italia nel XVII-XVIII secolo, Roma 2015, II, p. 289, n. 14, ill.

Lorenzo de Caro

(Napoli 1719-1777)  

L'EDUCAZIONE DELLA VERGINE

olio su rame, cm 40x30

firmato "LDCaro" in basso a destra

THE EDUCATION OF THE VIRGIN

oil on copper, cm 40x30

signed "LDCaro" lower right

Giovanni Paolo Panini

(Piacenza, 1691 – Roma, 1765)

CAPRICCIO DI ROVINE CON L’ARCO DI COSTANTINO

olio su tela, cm 60,5x90

CAPRICE VIEW WITH RUINS AND THE ARCH OF CONSTANTINE

oil on canvas, cm 60,5x90

Provenienza

Torino, Galleria Giorgio Caretto

Bibliografia

F. Arisi, Gian Paolo Panini e i fasti della Roma del 700, Roma 1986, p. 460, n. 462, ill.

Il dipinto è catalogato da Ferdinando Arisi tra le opere tarde di Giovanni Paolo Panini, nel suo ultimo decennio di attività, ed è accostato specificamente ad altri “capricci” di rovine tra cui una coppia di tele firmate per esteso e datate del 1757. Anche le figurine che ne animano il primo piano ritornano, nei panneggi e nei gesti, in altre opere tarde dell’artista piacentino.

Mario Nuzzi detto Mario dei Fiori

(Roma 1603-1673)

VASO DI FIORI

olio su tela, cm 73,5x59

FLOWERS IN A VASE

oil on canvas, cm 73,5x59

La disposizione del bouquet in un vaso istoriato con motivi classici richiama da vicino quella del dipinto nella raccolta Molinari Pradelli, da tempo riconosciuto tra le opere migliori e più tipiche del pittore romano. Anche le specie floreali accostate con sapiente equilibrio cromatico si ritrovano nella maggior parte delle opere ricondotte al suo catalogo ormai accertato (per cui si veda G. e U. Bocchi, Pittori di natura morta a Roma. Artisti italiani 1630-1750, Casalmaggiore 2005, pp. 66-142, in particolare figg. 57-60).

Jacob van der Does

(Amsterdam, 1623 - Sloten, 1673)

PASTORI E ANIMALI

olio su tela cm 70 x 88,5

SHEPHERDS AND ANIMALS

oil on canvas, cm 70x88,5

Attribuito a Hans Vredeman de Vries

(Leeuwarden, 1527 - Amburgo, 1609)

PROSPETTIVA ARCHITETTONICA CON FIGURE

olio su tela, cm 71,5x95,5

Atributed to Hans Vredeman de Vries

(Leeuwarden, 1527 - Hamburg, 1609)

ARCHITECTURE PERSPECTIVE WITH FIGURES

oil on canvas, cm 71x95,5

Lorenzo De Caro

(Napoli 1719-1777)  

LA SACRA FAMIGLIA

olio su tela, cm 140x200

firmato L. de Caro in basso a destra

THE HOLY FAMILY

oil on canvas, cm 140x200

signed "L. de Caro" lower right

Inedito e apparentemente non replicato, il bel dipinto che qui presentiamo si collega alla produzione di destinazione pubblica di Lorenzo De Caro, documentata a partire dal 1740.

Nelle figure di ampie proporzioni, fortemente caratterizzate nei tratti e definite da intenso chiaroscuro che modula la vivace gamma cromatica consueta all’artista, l’opera conferma la formazione di Lorenzo De Caro sui modi del tardo Solimena ma altresì quell’attenzione alle opere sacre e profane di Gaspare Traversi, quasi esattamente suo contemporaneo, individuata per la prima volta da Ferdinando Bologna in un illuminante saggio del 1962.

Anche in questo senso, il nostro dipinto si distingue dalla più nota produzione di destinazione privata del De Caro, anch’essa di soggetto sacro ma prevalentemente dedicata alla raffigurazione di episodi biblici a piccole figure e in toni pastello.

Anche per questo motivo il nostro dipinto costituisce un’interessante acquisizione al catalogo di un pittore che, sebbene ormai noto e sempre riconoscibile (anche perché solito firmare le sue tele per esteso) riserva ancora sorprese.

Hendrik Frans van Lint

(Anversa 1684 – Roma 1763)

VEDUTA DI BORGHETTO

olio su tela, cm 23x35,5

VIEW OF BORGHETTO

oil on canvas, cm 23x35,5

Bibliografia

A. Busiri Vici, Pieter, Hendrik e Giacomo Van Lint. Tre pittori di Anversa lavorano a Roma, Roma 1987, p. 111, n. 113 (riprodotto a colori).

Il borgo e la rocca di San Leonardo, nei pressi di Civita Castellana sulla via Flaminia, fu senza dubbio uno dei soggetti preferiti di Hendrik van Lint che lo raffigurò anche nell’ambito di paesaggi di invenzione.

Si riferisce a questo luogo, distrutto e abbandonato a seguito di un incendio alla fine del Settecento ma allora estremamente pittoresco, un disegno dal vero e da breve distanza conservato a Berlino, Staatliche Graphische Sammlung, dalla collezione Pacetti (inv. 6301). Ne sono note diverse versioni dipinte, alcune con la nostra stessa inquadratura, altre prese da un diverso punto di vista (A. Busiri Vici, cit., 1987, pp. 109-111, nn. 109-113). Solo una di esse è firmata, e una reca la data del 1727.

Scuola genovese, sec. XVII

ORFEO INCANTA GLI ANIMALI

olio su tela, cm 135,5x105

Genoese school, 17th century

ORPHEUS CHARMING THE ANIMALS

oil on canvas, cm 135,5x105

Il dipinto offerto si colloca senza ombra di dubbio nella fortunata congiuntura fiammingo – genovese che portò a un notevole successo presso la committenza aristocratica della Repubblica ligure temi più caratteristici della cultura figurativa oltremontana, quali animali, fiori e paesi, tradotti con la forza materica e di colore tipica degli artisti formatisi a Genova nella prima metà del Seicento.

Orfeo che incanta gli animali è stato un soggetto assai frequentato con numerose varianti da Sinibaldo Scorza (Voltaggio, 1589 – Genova, 1631), artista senz’altro determinante per l’inizio dell’attività di Gio. Benedetto Castiglione, detto il Grechetto (Genova, 1609 – Mantova, 1664), indirizzandolo proprio verso composizioni che gli permettevano di esercitare la sua fantasia compositiva e l’abilità di  mimesi coloristica in un continuo assemblaggio di elementi di repertorio collocati nella profondità dello scenario paesistico a partire dal primissimo piano.

La ricchezza cromatica, nei contrasti fra i toni bruni, i blu e i rossi accesi e le caratteristiche rapide e sottili pennellate per meglio rendere le pellicce e i piumaggi degli animali delle celebri composizioni castiglionesche – gli esodi biblici, le transumanze, i baccanali – contraddistinguono anche la tela qui presentata suggerendo una datazione verso la metà del XVII secolo.

Johannes Glauber

(Utrecht, 1646 - Schooven, 1665)

PAESAGGIO ITALIANIZZANTE CON FIGURE IN ABITI CLASSICI

olio su tela, cm 90x120  

ITALIANISED LANDSCAPE WITH CLASSICAL FIGURES

oil on canvas, cm 90x120                           

Johann Heinrich Schmidt

(Ottweiler 1740 o 1757-Darmstadt 1821 o 1828)

SAFFO CHE SI GETTA DALLA RUPE DI LEUCADE

olio su tela, cm 100x123,5

firmato e datato “H. Schmidt 1811” in basso a sinistra 

SAPPHO JUMPING FROM THE LEUCADE CLIFF

oil on canvas, cm 100x123,5

signed and dated "H. Schmidt 1811" lower left

Sebbene la letteratura artistica riporti date diverse per quanto riguarda gli estremi biografici del pittore, tutti gli autori concordano nel ricordare la sua presenza a Roma, documentata nel 1787 e accertata dagli “Stati d’Anime” nei primi anni Novanta. Nel 1811 l’artista tedesco risulta presente a Napoli dove lavorerà fino al 1814 per la corte di Gioacchino Murat, di cui in quell’anno dipinge il ritratto, ricevendo commissioni anche per la reggia di Caserta; ne resta forse memoria in un dipinto ora a Parigi, Musée Marmottan, rievocante la conquista di Capri nel 1808.

Ancora più copiosa la sua produzione per committenti privati, tra cui il principe di Fondi e Giovanni Andrea de Marinis. A questo secondo aspetto della sua attività appartiene il dipinto qui offerto. La data del 1811 e il soggetto inconsueto suggeriscono trattarsi della tela ispirata a un testo di Alessandro Verri pubblicato a Roma nel 1791 e dedicato appunto alla poetessa che, secondo quanto riporta il “Monitore delle Due Sicilie” dell’8 agosto 1811, il pittore aveva esposto al pubblico nel proprio studio, riscuotendo giudizi diversi e non sempre favorevoli. Lo stesso Schmidt intervenne infatti sulle pagine della stessa rivista (12 settembre 1811) per rispondere ai suoi detrattori, secondo quanto ricostruito da Ornella Scognamiglio (Le riviste napoletane nel decennio francese. In Percorsi di critica. Un archivio per le riviste d’arte in Italia dell’800 e 900. Atti del Colloquio, 2006. Milano, 2007, pp. 13-16).

Considerato perduto da quanti si sono occupati dell’artista tedesco (vedi anche Ingrid Settel Bernardini, Johann Heinrich Schmidt, gennant Fornaro (1757-1828) in Rom und Neapel, in “Kunst in Hessen und am Mittelrhein” 2008, pp. 53-68, in particolare pp. 60-61) il dipinto riemerge oggi in maniera imprevista da una raccolta privata milanese.

Cajetan Roos

(Roma 1690- Vienna 1770)

PAESAGGI FLUVIALI CON PONTE, MULINO, EDIFICI MERLATI, PASTORI, ARMENTI, CAVALLI E CANI

coppia di dipinti a olio su tela, cm 99x136,5

(2)

FLUVIAL LANDSCAPES WITH BRIDGE, MILL, CRINELLATED BUILDINGS, SHEPHERDS, HERDS, HORSES AND DOGS

a pair of paintings, oil on canvas, cm 99x136,5

(2)

Scuola fiorentina, fine sec. XV

NATIVITÀ

tempera su tavola, cm 65x46, altezza totale cm 130

Florentine school, late 15^th century

THE NATIVITY

tempera on panel, cm 65x46, total height cm 130

La composizione qui presentata, racchiusa entro un tabernacolo ligneo, è un tipico esempio della pregiata produzione delle botteghe fiorentine quattro e cinquecentesche, come quelle di Botticelli, Jacopo del Sellaio, Domenico di Zanobi e Cosimo Rosselli. Tali scene sacre, destinate soprattutto alla devozione privata all’interno di cappelle di importanti dimore, sono contraddistinte, e così nel nostro caso, per lo schema prospettico diligentemente eseguito, uno spiccato gusto decorativo e una notevole attenzione per il dettaglio.

La centina alla sommità della tavola racchiude la patetica iconografia del Vir dolorum tra due angeli in volo.

Scuola veneziana, sec. XVIII

REBECCA AL POZZO

olio su tela, cm 113x146

Venetian school, 18th century

REBECCA AT THE WELL

oil on canvas, cm 113x146

Il colore di ascendenza squisitamente lagunare e la libertà di resa attraverso una pennellata dal tocco scattante inquadrano l’autore del dipinto offerto nell’ambito di quella generazione di artisti veneziani, ormai svincolati dall’accademia di un Palma o di un Peranda o dallo spinto naturalismo di Langetti, Loth e Zanchi, e in grado di approfittarne dell’esempio dei ripetuti soggiorni lagunari di Luca Giordano. Protagonista di questo aprirsi al rococò della tradizione lagunare è stato Sebastiano Ricci ai cui modi, dal tessuto cromatico imbevuto di luce e dalla pennellata a strappi, l’anonimo artista della nostra Rebecca al Pozzo si è senz’altro ispirato.