ARTE MODERNA E CONTEMPORANEA

GÉRARD SCHNEIDER

(Sainte-Croix, Svizzera 1896 - Parigi 1986)

Peinture 32/E

1960

olio su tela

cm 81,5x100

firmato e datato "Schneider/9-60" in basso a destra

al retro titolato e datato

al retro cartiglio Galleria Lorenzelli, Bergamo

L'opera è accompagnata da certificato di autenticità degli Archives Gérard Schneider e firmata da Laurence Schneider.

L'opera è registrata presso gli Archives Gérard Schneider col n. GS-T-60-075.

Provenienza

Galleria Lorenzelli, Bergamo

Collezione privata

Esposizioni

Gérard Schneider, Galleria Lorenzelli, Milano, febbraio 1961

Bibliografia

Schneider (catalogo della mostra), Galleria Lorenzelli, Milano, n. 22 (ill.) 

Gérard Schneider nel 1916, all’età di vent’anni, si trasferisce a Parigi per studiare prima all'École Nationale des Arts Décoratifs e successivamente all'École Nationale des Beaux-Arts de Paris nello studio del pittore Fernand Cormon, noto anche per essere stato l’insegnante di van Gogh e Toulouse-Lautrec. È a Parigi che, ispirato dai circoli musicali dove associa il suo pensiero e la sua arte al ritmo della musica, compie i suoi primi passi verso l’astrazione, percorso che lo porterà a essere uno dei fondatori, insieme a Pierre Soulanges e Hans Hartung, del movimento Lyrical Abstraction. Il movimento che nasce contemporaneamente all'espressionismo astratto negli Stati Uniti e che vede partecipi artisti come: Paul Jenkins, Norman Bluhm, Sam Francis e Ellsworth Kelly.  L’ astrattismo lirico nasce in contro tendenza al cubismo, al surrealismo e all’astrazione geometrica, gli artisti che vi parteciparono portarono l'arte in una dimensione altra, credendo fermamente che la pittura dovesse rappresentare più un pensiero che un’immagine.

Nel 1920 la sua prima mostra personale alla Galleria Léopold Robert, nel 1922 si trasferisce definitivamente a Parigi e conosce Pablo Picasso. Sul finire degli anni '40 partecipò a numerose esposizioni sia in Europa che negli Stati Uniti, firmò un contratto di esclusiva con Samuel Koontz della Kootz Gallery di New York, e alcune delle sue opere furono acquistate da istituzionali come il MoMA e la Phillips Collection.  Nel 1946 è presente alla mostra collettiva alla Galleria Denise René a Parigi per la prima mostra d’arte astratta del dopoguerra Nel 1950 Schneider espose alla Louis Carré Gallery e nel 1953 tenne la storica retrospettiva   al Musée d'Art Moderne di Bruxelles. A partire dagli anni ’50 il suo linguaggio plastico si fa più spontaneo e il gesto diventa libero senza via di ritorno. Negli anni '60, nel lavoro di Schneider si fa strada una qualità espressionista vivida, fatta di fluide pennellate dal rimando calligrafico e dalle cromature incisive, pennellate   che diventano musica, poesia, furia, passione per gli occhi e l’anima dello spettatore.

L’opera realizzata nel 1960 viene esposta l’anno successivo alla galleria Lorenzelli di Bergamo, l'incontro con il gallerista avviene nel 1960 nello studio Armand-Moisant, da quel momento Schneider lavora con la galleria assiduamente.

© GERARD SCHNEIDER, by SIAE 2023

BERTOZZI & CASONI

(Imola 1980)

Natura morta con tazzine

2001

ceramica policroma

cm 16x47x32

firmato e datato a pennarello sotto al vassoio

BERTOZZI & CASONI

(Imola 1980)

Palma

1986

maiolica smaltata e dipinta

cm 274x190x125 - base cm 72x72

L'opera è accompagnata da autentica firmata da Bertozzi&Casoni.

L'opera è registrata presso Bertozzi&Casoni col n. inv. 148.

“Nella nostra arte appare ciò che l'uomo lascia nel tempo”

Giampaolo Bertozzi e Stefano Del Monte Casoni

Grandi sperimentatori e artisti di fama internazionale, Giampaolo Bertozzi e Stefano Del Monte Casoni, lavorano con la ceramica in tutte le sue forme e declinazioni, creando, sempre con una velata ironia, immagini e forme destabilizzanti che provocano slittamenti di senso e confusione.

La Bertozzi&Casoni Inc. nasce nel 1980 a Imola, dopo gli studi dei due presso la Scuola di Ceramica di Faenza e si costituisce volutamente fin dagli esordi come una società. L’intento del duo artistico infatti è quello di creare un Nome Collettivo che alluda ad un marchio specifico, in un connubio innovativo di arte, design, artigianato e industria. Gli anni Ottanta costituiscono un periodo di grande sperimentazione nell’arte, se da un lato in America troviamo l’arte concettuale, e la Transavanguardia in Italia, dall’altra si presenta una volontà di recuperare certe forme di artigianato artistico che riflettono in maniera più specifica sul fare arte ritornando alla pittura e scultura fatta direttamente nei laboratori. È in questo scenario che Bertozzi&Casoni scelgono la maiolica dipinta come materiale prediletto per la loro pratica, reinventandola e trasformandola con le loro molteplici allusioni alla quotidianità.

L’intera pratica artistica dei due artisti si articola attraverso l’unione di tecnologie e materiali industriali con l’arte pittorica. Entrambi sono affascinati e desiderosi di raccontare ciò che gli circonda attraverso le qualità estetiche degli oggetti quotidiani che, nelle loro mise en abime, suscitano in chi le osserva dubbi e domande su ciò che l’uomo sta provocando sulla terra. Il rapporto tra Arte e Natura si trova spesso al centro delle loro opere, oggetti industriali che sono contaminati da elementi organici e viceversa, in una continua ricerca sulla potenzialità della materia e delle sue molteplici accettazioni.

Le ambientazioni ricreate da Bertozzi&Casoni nei loro lavori sono surreali e suggestive, e talvolta sembrano riferirsi ad elementi sottratti dallo scenario del Giardino delle delizie di Hyeronimus Bosch, come nel caso della grande Palma multiforme in ceramica smaltata qua presentata e realizzata nel 1998. Ma i riferimenti alla storia dell’arte, in particolare a quegli artisti che hanno abilmente creato cortocircuiti linguistici, sono molteplici. Altra fonte di ispirazione per i lavori delle Colazioni sono sicuramente stati i Surrealisti come René Magritte o Meret Oppenheim con i suoi feticci come Colazione in pelliccia e molti altri ancora. Ma la vera abilità dei due risiede proprio nel saper rivelare le contraddizioni di questo tempo, il nostro tempo e la caoticità della vita postmoderna. Tutto ciò è reso possibile anche grazie all’ausilio della ceramica, materiale fragile e al contempo eterno per eccellenza, e attraverso il quale i due manipolano modalità espressive ibride e polimorfe, con la tenace volontà di favorire l’osmosi tra arte e vita, tra surrealismo compositivo e iperrealismo formale.

Nei lavori di Bertozzi&Casoni lo spettatore si trova davanti alla dualità della vita, a metà tra disastro e bellezza, a ricordarci che il bene è contaminato dal male e viceversa, proprio come Yin e Yang.

LUKE JERRAM

(Stroud (UK) 1974)

Small Swine Flu, Lactobacillus, H5N1- Avian Flu (Series 2), Salmonella, Foot and Mouth, Past, Present, Future Triptych (Smallpox, HIV, Untitled Future Mutation), Covid-19

2020

nove sculture in vetro

cm da 20 a 50 cad.

Small Swine Flu, edizione 3/5

Lactobacillus, edizione 2/5

Avian Flu (Series 2), edizione AP

Salmonella, edizione 4/5

Foot and Mouth, edizione 3/5

Past, Present, Future Triptych, edizione 3/5T

Covid-19, edizione 2/5

Provenienza

Studio dell'Artista

Collezione privata

Luke Jerram, artista multidisciplinare britannico, è conosciuto a livello internazionale per la creazione di sculture, installazioni e progetti di live art che hanno coinvolto migliaia di spettatori.

Tra i molteplici lavori la serie  Glass Microbiology  si ispira alla microbiologia riproducendo i virus del passato, del presente e anche del futuro tutte rigorosamente in vetro.

Ha iniziato la produzione della serie nel 2004 quando sfogliando il The Guardian ha visto le immagini del virus HIV, da quel momento ha rappresentato più di 20 diversi microorganismi potenzialmente mortali. Ha persino preso la peste suina mentre lavorava a una scultura dello stesso virus nel 2009.

Per la realizzazione Jerram si consulta con i virologi dell’Università di Bristol utilizzando una combinazione di modelli scientifici e si avvale di maestri soffiatori di vetro come Kim George, Brian Jones e Norman Veitch “Naturalmente, utilizzando il vetro, si crea qualcosa di incredibilmente bello- ha detto Jerram in un'intervista- Lì nasce una tensione, tra la bellezza dell'oggetto e ciò che rappresenta."

I microorganismi sono realizzati in grande scala: circa 1.000.000 di volte più grandi dei virus reali, nel caso del coronavirus la scultura è quasi 2milioni di volte più grande dell’originale.  La trasparenza del materiale accresce la precisione scientifica dell’opera che ha al centro fili di acido nucleico e rende i virus elegantemente reali. L’accuratezza nei particolari ha fatto si che le immagine delle sue opere vengano utilizzate nelle riviste mediche e nei libri di testo, suo lavoro è stato presentato sul British Medical Journal e sulla copertina di Nature Magazine e  durante la pandemia di Coronavirus Covid-19 la sua scultura è stata utilizzata a livello internazionale per la comunicazione scientifica, oltre al fatto che sono stati acquisti anche da musei scientifici come il Muse di Trento oltre ai musei d’arte come il Metropolitan Museum di New York e il Museum of Glass di Shanghai. Nel 2015 le sculture di Luke Jerram sono state presentate all’Art Science Museo di Singapore insieme al Codice Atlantico di Leonardo Da Vinci.

ALFREDO GAURO AMBROSI

(Roma 1901 - Verona 1945)

Sintesi del lago di Garda

1934

olio su tavola

cm 84x96

in basso a sinistra iscritto "A.G.Ambrosi XII"

al retro firmato e siglato n. 2652

al retro cartiglio II Quadriennale d'Arte Nazionale Roma

al retro cartiglio Pittura a Verona 1900- 1950 Comune di Sona

al retro cartiglio Galleria Fonte D'Abisso Modena

al retro cartiglio In volo. Aeropittura futurista, Intrepid Museum New York

al retro cartiglio Paolo Curti&Co, Milano

L'opera è accompagnata da certificato di autenticità della Galleria Fonte d'Abisso, Milano.

Provenienza

Galleria Fonte d'Abisso, Milano

Collezione privata

Esposizioni

Il Quadriennale d'Arte Nazionale, Palazzo delle Esposizioni, Roma, 1935

Pittura a Verona 1900-1950, Sala Consiliare del Comune di Sona (VR), 1989

Futurismo Veneto, Palazzo del Monte, Padova (PD), 24 novembre - 31 dicembre 1990

Mostra di aereopittura futurista, Galleria Fonte d'Abisso Arte, Milano 1999

In volo. Aeropittura futurista, Intrepid Museum New York, New York, 10-30 ottobre 2003

Bibliografia

E. Crispolti, Aereopittura futurista e aereopittori, Modena, 1985, pag. 38, n.3 (ill.)

M. Scudiero e C. Rebeschini, Futurismo Veneto, 1990, pag. 71, n. 17 (ill.)

B. Buscaroli Fabbri, A. Ortenzi, Futurismo. I gruppi futuristi Boccioni e Savarè, Edisai,1999, p. 95 (ill.)

ERNESTO MICHAHELLES THAYAHT

(Firenze 1893 - Marina di Pietrasanta 1959)

Il Ponte
1926
olio su cartone
cm 98x67
firmato e datato in basso a destra
al retro titolato

ITALO FERRO

(Torino 1880 - 1934)

Senza titolo

olio su tavola

cm 47x42

firmato “Italo Ferro / aeropittore” in basso a destra

PIERLUIGI BOSSI detto SIBO'

(Milano 1907 - 2000)

Ali e torri

1936

olio su cartoncino applicato su tavola

cm 70x60

firmato in basso a destra

al retro cartiglio ArteCentro, Milano

Esposizioni

F. Lattuada, Un mondo fantastico - Giulio d'Anna e Sibò, Galleria Artecentro, Milano, 10 ottobre - 30 novembre 2019, ripr. pag. 47 (ill.)

U. Brusasca, La città vista dall'altro. Nuvoe prospettive dell'aeropittura futurista, Galleria Matteotti, Torino, 16 maggio - 28 giugno 2019, (ill.)

GIULIO D'ANNA

(Villarosa 1908 - Messina 1978)

Natura morta

1935-36

tecnica mista su carta applicata su cartone

cm 45x51

firmato in basso al centro

Esposizioni

A. Baffoni, Analogie. I futuristi e le avanguardie europee, Futurism & Co. Art Gallery, Roma, 1 luglio 2021 - 30 aprile 2022, p.80 (ill.)

GIULIO D'ANNA

(Villarosa 1908 - Messina 1978)

Treno del sale paesaggio simultaneo

1929-30

olio su tela
cm 41,5x63,5
firmato in basso a destra

GIORGIO MORANDI

(Bologna 1890 - 1964)

Paesaggio del Poggio

1927

acquaforte su rame

cm 29x23,4 su foglio cm 39x51

I stato (due esemplari non numerati)

Bibliografia

L. Vitali, L'opera grafica di Giorgio Morandi, Giulio Einaudi editore, 1964-1989, n. 33 (ill.)

[…] Per Morandi l’acquaforte non è un disegno sulla lastra, fra rapido appunto e divagazione brillante, con tutti gli slanci di un “improvviso”, ma qualcosa di altrimenti inottenibile, di profondamento meditato, voluto, pesato, senza nessuna avventura, senza mai sperare nelle felici riuscite del caso e negli azzardi della morsura. […]

L. Vitali, L’opera grafica di Giorgio Morandi, Giulio Einaudi Editore, p.12

© GIORGIO MORANDI, by SIAE 2023

GIORGIO MORANDI

(Bologna 1890 - 1964)

Natura morta

1933

acquaforte su rame

cm 25,8x30,4 su foglio cm 33,2x42,2

firmata e datata in  basso al centro

III stato (30 esemplari e alcune prove di stampa)

Bibliografia

L. Vitali, L'opera grafica di Giorgio Morandi, Giulio Einaudi editore, 1964-1989, n. 102 (ill.)

© GIORGIO MORANDI, by SIAE 2023

ARDENGO SOFFICI

(Firenze 1879 - Forte dei Marmi 1964)

Campagna Toscana

olio su tela

cm 48x68,5

firmato in basso a sinistra

al retro sul telaio doppio cartiglio

Provenienza

Collezione Ardengo Soffici

Collezione Cav. del Lav. Ilario Montesi

Collezione privata

Il racconto figurativo di Soffici si compie nel paesaggio. Egli si concede all’assorto studio, all’attento, severo studio della natura. [...] La composizione tonale, in cui converge la forma plastica e la forma cromatica, ha, però, come un senso di finalità di visione più profonda dell’apparente. Proprietà di rapporti per una straordinaria capacità coloristica che anche nell’ultima stagione della sua vita avrà, intenso, il dramma della contemplazione, subentrata a qualsiasi altra polemica.

Luigi Cavallo, Ardegno Soffici, Nuovedizioni Enrico Vallecchi, Firenze, 1967

ARDENGO SOFFICI

(Firenze 1879 - Forte dei Marmi 1964)

Marina; Forte dei Marmi

olio su cartone telato

cm 50x70

firmato in basso a sinistra

al retro cartiglio Galleria d'Arte Michaud, Firenze

Provenienza

Galleria d'Arte Michaud, Firenze

Collezione privata

ARDENGO SOFFICI

(Firenze 1879 - Forte dei Marmi 1964)

Paesaggio toscano

olio su cartone telato

cm 40x59,5

firmato in basso a sinistra

al retro titolato e firmato

al retro cartiglio Collezione Beretta, Desenzano
al retro timbro Art Club Cardinale, Milano

L'opera è accompagnata da autentica su fotografia firmata dal Prof. Luigi Carluccio.

L'opera è accompagnata da autentica su fotografia della Galleria Astarte, Milano.

Provenienza

Galleria Astarte, Milano

Collezione privata

ARTURO TOSI

(Busto Arsizio 1871 - Milano 1956)

Paesaggio

olio su tela

cm 73x85

firmato in basso a sinistra

al retro sul telaio cartiglio

Provenienza

Marchesa Beatrice Setti, Firenze

Galleria S. Trinita, Firenze

Collezione privata

CARLO LEVI

(Torino 1902 - Roma 1975)

Bosco
olio su tela
cm 48,2x67,2
firmato in basso a destra
al retro firmato e iscritto “70185D”
al retro sul telaio e supporto timbro Galleria Parametro, Roma

L'opera è accompagnata da autentica su foto della Galleria Parametro, Roma.

Provenienza

Collezione Carlo Levi

Galleria d'Arte Parametro, Roma

Collezione privata

© Carlo Levi, Mattia Acetoso

OTTONE ROSAI

(Firenze 1895 - Ivrea 1957)

Strada con omino

1954

olio su masonite

cm 40,2x29,9

firmato in basso a destra

al retro firmato e datato

al retro cartiglio e timbri Galleria d'Arte Michaud, Firenze

L'opera è accompagnata da autentica dell'Archivio Ottone Rosai firmata dal dott. Giovanni Faccenda.

Provenienza

Galleria d'Arte Michaud, Firenze

Collezione privata

“Mi tortura il pensiero di quell’ombra nascosta dentro di me, che ritrovo in certi paesaggi, nelle strade, e soprattutto al fondo degli uomini. Non avrò pace finché non l’avrò imprigionata nella luce della pittura.”

Ottone Rosai in una lettera del 1941

XAVIER BUENO

(Vera De Bidasoa 1915 - Fiesole 1979)

Fanciulla con fiore

olio su tela

cm 30,5x40,5

firmato in alto a sinistra

al retro firmato

al retro timbro Galleria d'arte Il Castello Carpi, n. 267

al retro sul telaio timbro F.lli Rigacci Firenze

L'opera è accompagnata da autentica su fotografia di Raffaele Bueno.

L'opera è registrata presso l'Archivio Xavier Bueno col n. XB0062023.

XAVIER BUENO

(Vera De Bidasoa 1915 - Fiesole 1979)

Fanciulla di profilo

olio su tela

cm 40x50

firmato in alto a sinistra

al retro firmato

al retro timbri Galleria d'Arte Il Castello, Carpi (sulla tela e sul telaio) n. 268

al retro sul telaio timbro Galleria Arno

al retro sul telaio timbro f.lli Rigacci Firenze

L'opera è accompagnata da autentica su fotografia di Raffaele Bueno.

L'opera è registrata presso l'Archivio Xavier Bueno col n. XB0072023.

UNDICI ARTISTI

(POMPEO BORRA, RENATO BIROLLI, AMPELIO TETTAMANTI, ENRICO BORDONI, MARIO RADICE, BRUNO MUNARI, MAURO REGGIANI, ACHILLE FUNI, RAFFAELE DE GRADA, ERNESTO TRECCANI, ENNIO MORLOTTI)

Senza titolo

1951

tecnica mista su tela

cm 142x197

al retro firmato dagli 11 artisti

Provenienza

Asta Benefica Art Club, Milano 1951

Collezione privata

UNA TELA PER UNDICI ARTISTI

Il 21 febbraio del 1951 al Continental di Milano, l’Art Club organizza un’asta di beneficenza di un grande opera (cm 140x200) realizzata grazie al supporto di 11 artisti che simultaneamente dipingono davanti al numeroso pubblico accorso per aggiudicarsi il capolavoro. La composizione comprende gli interventi artistici di: Pompeo Borra, Renato Birolli, Ampelio Tettamanti, Enrico Bordoni, Mario Radice, Bruni Munari, Mauro Reggiani, Achille Funi, Raffaele De Grada, Ernesto Treccani e Ennio Morlotti.

La serata vede come organizzatrici le signore Maregaglia, Treccani, Foglia e Bellotti e la presenza di più di 200 invitati tra cui i coniugi Borletti, il visconte Ferdinando di Modrone e la signora, la contessina Giulia Panza di Biumo, l’avvocato Antonio de Caro, il visconte Livio Cerini, Silvia Blanchard, Esselia Fornasetti, accorsi grazie all’invito che ogni artista ha realizzato come una piccola opera personalizzata per i propri collezionisti.

Su un articolo dell’epoca viene raccontata in modo dettagliato l’atmosfera e l’esecuzione: […] la grande tela bianca era illuminata da due riflettori; e ai piedi del cavalletto, su un giornale sgualcito, apparivano allineati barattoli di colore e pennelli. Ci furono alcuni muniti di silenzio. I pittori s’invitavano l’un l’altro a dare la prima pennellata, cercando di salvarsi con la cortesia della timidezza. Finalmente Achille Funi, forse sentendosi meno a disagio grazie allo smoking, attaccò da destra con alcune pennellate di blu carico. […].

La pressione degli spettatori era talmente tanta, che Ernesto Treccani si mise a descrivere verbalmente al pubblico tutte le fasi esecutive degli artisti via via in evoluzione: “in questo momento il pittore italiano Pompeo Borra comincia con una terra di Siena la testa di un cavallo.”

Dopo ore che vedono tutti gli artisti coinvolti nell’esecuzione (testimoniata da un video storico visibile sul sito dell’Archivio Luce) l’opera viene acquistata da Aldo e Carlo Azzolina per centomila lire.

ALBERTO BURRI

(Città di Castello 1915 - Nizza 1995)

Senza titolo

1964

tecnica mista su cartoncino su juta

cm 33x20,5, con supporto cm 47x34

firmato in basso a destra

L'opera è accompagnata da autentica rilasciata dalla Fondazione Alberto Burri.

L'opera è registrata presso la Fondazione Alberto Burri con il numero 6489.

Provenienza

Galleria Toninelli, Roma

Collezione privata

Fondazione Palazzo Albizzini-Collezione Burri, Città di Castello ©

MARIA LAI

(Ulassai 1919 - Cardedu 2013)

Senza titolo

1999

tecnica mista: terracotta, smalto, oro zecchino, china, filo d'ottone

cm 20x16x0,5

firmato "Lai 99"

L'opera è accompagnata da autentica dell'Archivio Maria Lai.

L'opera è registrata presso l'Archivio Maria Lai col n. AA 062/22.

© Archivio Maria Lai

MARIA LAI

(Ulassai 1919 - Cardedu 2013)

Senza titolo

1977

tecnica mista (serigrafia, carta, inchiostro, filo)

cm 52x36

firmato e datato in basso a destra

in basso a sinistra iscritto "12/25", riferimento al numero di serigrafie stampate prima dell'intervento dell'artista

pezzo unico

L'opera è accompagnata da autentica dell'Archivio Maria Lai.

L'opera è registrata presso l'Archivio Maria Lai col n. AA 021/23.

Provenienza

Studio dell'Artista

Collezione privata

© Archivio Maria Lai

MARIA LAI

(Ulassai 1919 - Cardedu 2013)

Senza titolo

1975

collage di carta, filo, china e vernice

cm 70x50

firmato e datato

L'opera è accompagnata da autentica dell'Archivio Maria Lai.

L'opera è registrata presso l'Archivio Maria Lai col n. AA 005/23.

Provenienza

Studio dell'Artista

Collezione privata

“Guardare le nuvole risponde al desiderio di interrogare il cielo che nella forma delle nuvole manda continui messaggi dall’infinito. Disegnare è l’esigenza di trascrivere quei messaggi per capirli, per interpretare scritture misteriose.”

Maria Lai, 2002

Maria Lai, nata in Sardegna ad Ulassai nel 1919, è una delle più affascinanti e rivoluzionarie figure dell’arte italiana della seconda metà del secolo scorso. Una delle poche, quasi unica, pittrice donna in un mondo tipicamente maschile, nel corso della sua carriera artistica dà voce alle tradizioni, costumi e storie femminili connesse con l’esperienza viva e vissuta delle donne della sua città natale.

I materiali e tecniche prescelte dalla Lai fin dagli esordi della sua carriera artistica, sono materiali poveri, che appartengono alla vita quotidiana, tele di juta, stoffa, fili, e che intendono innescare una riflessione su uno dei mestieri più antichi e tipicamente associato alla figura femminile: il cucito. La Lai si concentra sull’importanza del lavoro manuale e della tradizione artigianale, contenuti che hanno accompagnato l’artista fin dai suoi primi anni di vita, quando trascorreva le giornate ad osservare la nonna rammendare le lenzuola e ad immaginarsi storie fantastiche celate tra quei ricami.

È il filo dunque, il vero protagonista e tratto inevitabile che caratterizza la poetica artistica di Maria Lai. Un filo che è poi quello della vita e delle fitte relazioni tra gli esseri umani intorno a noi. I fili si muovono, si uniscono, si fermano e poi ricominciano il loro percorso. La loro trama può farsi irregolare, si susseguono nodi e grovigli, ma la cosa più importante, come diceva il professor Stefano Cambosu a una giovane Maria Lai ancora studentessa, è “seguire il ritmo” e difatti Maria non si è mai fermata di fronte alle avversità incontrate durante la sua lunga e intensa carriera.

Una delle abilità più grandi della Lai è quella di conferire all'opera d'arte il potenziale per infiniti significati. I suoi lavori sono volutamente enigmatici e impenetrabili e possono essere interpretati in modo diverso da ogni individuo che li incontra, come se questi fossero un luogo di creazione e immaginazione senza fine, mentre gli spettatori costruiscono le proprie narrazioni fantastiche e talvolta intime.

Nelle tre opere presentate troviamo moltissimi di quegli elementi primordiali e grezzi così cari nell’immaginario dell’artista: il collage, la vernice grezza, l’oro zecchino e un’immagine di un neonato che simbolicamente evoca il ruolo della madre, dell’essere madri. Tutto sempre connesso da un fievole ma presente filo aggrovigliato che si pone al centro dell’opera e che altro non è che la vita.

© Archivio Maria Lai

JEAN COCTEAU

(Maisons-laffitte 1889 - Milly la Foret 1963)

L'Angelo

1961

piatto in vetro di Murano soffiato

cm 48x45x10

iscritto “Jean Cocteau / Salir Murano”

esemplare 3/3

L'opera è accompagnata da certifiicato di autenticità della Fucina Degli Angeli firmata dal fondatore Egidio Costantini.

Cocteau non ha solo ispirato tra le più belle opere di Costantini ma è stato anche colui che ha dato il nome al movimento fondato da Egidio. L'artista conosce Costantini nel 1954: la loro collaborazione è il frutto dell’incontro di due differenti sensibilità artistiche tra loro complementari. Il percorso artistico iniziato assieme li porta ad affrontare temi fra loro differenti. Primo tra questi è la volontà di introdurre la nozione dell’arte nell’ordinario e nel quotidiano, ma di focale importanza per i due è anche la mitologia, quella che lo stesso Cocteau ha sviluppato prima attraverso i suoi sogni e poi attraverso le sue immagini. Chiaro esempio ne è il piatto ivi presentato, realizzato su disegno del maestro francese, in vetro soffiato di Murano, dai colori sfumati ambra, marrone, rosso e inciso un angelo, inevitabile riferimento fiabesco ma anche allusione al nome del movimento creato dall'amico Egidio. Il sodalizio trai due continua per alcuni anni, fino alla morte dell'artista, ed è caratterizzato da profonda stima reciproca, difatto, come afferma lo stesso Cocteau nel 1958 "Quando la decadenza attira verso il basso un'aristocrazia artigianale e accetta di rispondere alle esigenze della volgarizzazione, non è degno d'ammirazione vedere gli artisti rifiutare questo patto col diavolo e glorificarsi, a qualsiasi prezzo, nel servire gli angeli? È lo stile della Fucina degli Angeli, dove Murano cerca di fuggire alle cattive abitudini percorrendo nuove strade. Egidio Costantini pensa con il cuore ed è con il soffio della fucina del cuore che prolunga le audacie trasparenze e ricche di grazia di Venezia."

© JEAN CLEMENT EUGENE MAR COCTEAU, by SIAE 2023

ENZO CUCCHI

(Morro d'Alba 1949)

Lezione

2004

acquerello su carta posato su scultura in gesso poggiante su base in ferro dipinta

cm 16x20,5 (carta) su scultura in gesso cm 90x21

al retro del disegno firmato e datato

L'opera è accompagnata da autentica su fotografia firmata dall'artista.

L'opera è accompagnata da certificato di autenticità rilasciato dalla Galleria Paolo Curti/Annamaria Gambuzzi, Milano.

Provenienza

Studio dell'artista

Galleria Paolo Curti/Annamaria Gambuzzi & Co, Milano

Collezione privata

ENZO CUCCHI

(Morro d'Alba 1949)

Paleontologia

2004

acquerello su carta posato su scultura in gesso poggiante su base in ferro dipinta

cm 25x30,5 (carta) su scultura in gesso cm 90x21

al retro del disegno firmato e datato

firmato e numerato alla base della scultura in gesso

L'opera è accompagnata da autentica su fotografia firmata dall'artista.

L'opera è accompagnata da certificato di autenticità rilasciato dalla Galleria Paolo Curti/Annamaria Gambuzzi, Milano.

Provenienza

Studio dell'artista

Galleria Paolo Curti/Annamaria Gambuzzi & Co, Milano

Collezione privata

ENZO CUCCHI

(Morro d'Alba 1949)

Chimico

2004

acquerello su carta posato su scultura in gesso poggiante su base in ferro dipinta

cm 16x20,5 (carta) su scultura in gesso cm 90x21

al retro del disegno firmato e datato

firmato e numerato alla base della scultura in gesso

L'opera è accompagnata da autentica su fotografia firmata dall'artista.

L'opera è accompagnata da certificato di autenticità rilasciato dalla Galleria Paolo Curti/Annamaria Gambuzzi, Milano.

Provenienza

Studio dell'artista

Galleria Paolo Curti/Annamaria Gambuzzi & Co, Milano

Collezione privata

GIOSETTA FIORONI

(Roma 1932)

Il destriero d'Oltretomba

2006

formella in maiolica smaltata realizzata con Bottega Gatti, Faenza

cm 43x33

al retro firmata, datata e titolata

L'opera è accompagnata da autentica dello studio di Giosetta Fioroni e firmata dall'artista.

L'opera è registrata presso lo studio di Giosetta Fioroni col n. 220/fior.

Provenienza

Galleria Marco Rossi, Milano

Collezione privata

Esposizioni

Fabula di Giosetta Fioroni, SpiraleArte artecontemporanea, Pietrasanta, 8 luglio - 5 agosto 2006