Arte Moderna e Contemporanea

EMIL FILLA

(Chropyné 1882 - Praga 1953)

Composizione cubista

1913

olio su tela

cm 50,5x45,5

al retro firmato e datato

al retro etichetta Galleria Schwarz, Milano

Cubist composition

1913

oil painting on canvas

50.5x45.5 cm

on the reverse signed and dated

on the reverse label Galleria Schwarz, Milan

Provenienza

Collezione privata, Milano

Esposizioni

Origini dell'astrattismo, verso gli orizzonti del reale, 18 ottobre 1979 - 18 gennaio 1980,

Palazzo Reale, Milano

Bibliografia

Origini dell'astrattismo, verso gli orizzonti del reale, 1979, Silvana Editoriale, n. 377 ill.

GIORGIO DE CHIRICO

(Volos 1888 - Roma 1978)

Oreste e Pilade

1961

olio su tela

cm 40,5x30,5

Oreste and Pilade

1961

oil on canvas

40.5x30.5 cm

L'opera è accompagnata da autentica rilasciata nel 1981

Provenienza

Collezione privata, Reggio Emilia

Collezione privata, Firenze

Bibliografia

Catalogo generale Giorgio De Chirico, Volume ottavo, opere dal 1951 al 1974, Electa, n.

1247 il.

GIORGIO DE CHIRICO

Oreste era figlio di Agamennone e Clitennestra, poco più che bambino assistette all'uccisione del padre ad opera della moglie e del suo amante Egisto. Elettra, sorella e nutrice di Oreste, per salvagli la vita lo portò dal re Strofio, in Focide, vecchio amico e cognato di Agamennone che lo allevò insieme al figlio Pilade. I due cugini divennero grandi e inseparabili amici. Divenuto adulto Oreste si recò a Delfi e chiese all'oracolo come doveva agire per vendicare la morte del padre. L'oracolo gli ordinò di uccidere la madre Clitennestra ed Egisto. Accompagnato da Pilade si recò a Micene, facendosi riconoscere dalla sorella Elettra che, secondo Euripide, era stata costretta da Egisto a sposare un umile contadino il quale, consapevole dell'ingiustizia di cui era stata vittima la moglie e per la deferenza verso il suo sangue reale, rispettava la sua verginità. Elettra organizzò insieme ad Oreste l’uccisione della madre e l'usurpatore Ma scoperta la congiura vennero condannato a morte a sua volta Oreste, perseguitato dalle Erinni o Furie materne Furie, il cui compito era di punire i gravi delitti, fu costretto a recarsi ad Atene per ottenere la purificazione dall'Areopago, grazie all'intercessione da Atena, dovette recarsi successivamente in Tauride con Pilade  per portare ad Atena la statua di Artemide, da tutti venerata, ivi incontrò la sorella Ifigenia, la quale riuscì a salvare i due amici dal sacrificio umano cui erano destinati e fece ritorno con loro in Grecia, dove Pilade sposò Elettra, questa è una delle tante interpretazioni.  Eschilo ed Euripide narrano invece che le Furie fecero impazzire Oreste immediatamente dopo la morte della madre e lo perseguitarono senza tregua. Prima della pazzia, secondo altri autori, Oreste fu giudicato a Micene per volere di Tindareo, padre di Clitemnestra, Eace, che ancora odiava Agamennone per la morte di Palamede, chiese l'esilio di Oreste.

Ma, secondo Euripide, Oreste ed Elettra furono salvati da Menelao il quale, costretto da Apollo, convinse la gente di Micene ad accontentarsi di punire i due fratelli con un anno d'esilio. Secondo Eschilo, invece, vi fu un processo ad Atene dove Apollo (che sarebbe stato l'ispiratore dell'assassinio dei due amanti) ebbe il ruolo di difensore di Oreste mentre le Erinni erano le accusatrici. I voti della giuria furono pari e la dea Atena, presidente dell'Areopago, l'antico tribunale fondato dagli dei dopo la morte di Alirrozio - figlio di Poseidone, diede il suo voto in favore di Oreste, giudicando la morte della madre meno importante di quella del padre. Nonostante ciò le Furie non abbandonarono la loro sete di vendette verso Oreste. Allora Apollo consigliò a Oreste e al suo fedele cugino che  dovevano recarsi nella terra dei Tauri nel Chersoneso, rubare l'antica statua lignea di Artemide e poi recarsi in un luogo ove scorreva un fiume formato da sette sorgenti.

Nel Chersoneso, quando vi giunse, insieme a Pilade, venne catturato e, come tutti gli stranieri, preparato per il sacrificio ad Artemide. Sacerdotessa del tempio era Ifigenia, sorella di Oreste la quale, riconosciuto il fratello, ingannò Toante, re dei Tauri, dicendogli che i nuovi arrivati dovevano essere sacrificati in mare poiché accusati di matricidio, chiedendo che il rito non avesse testimoni tra il popolo. Questo permise loro di fuggire con la statua di Artemide navigando in direzione per la Grecia. Ci fu un lungo inseguimento di Toante, ma venne sconfitto. Dopo tante peregrinazioni giunsero in Sicilia e poi nell'Ausonia (come si chiamava anticamente la Piana) e qui Oreste trovò il fiume indicato dall'oracolo di Delfi. Appena si immerse nelle acque del Metauro, Oreste riacquistò il senno. Al ritorno ad Oreste spettò il trono di Micene ed Argo (dopo avere ucciso il fratellastro Alete) e alla morte di Menelao anche quello di Sparta. Pilade sposò Elettra e Ifigenia divenne sacerdotessa di Artemide in Grecia.

Giorgio De Chirico, alfiere della grecità in chiave moderna, ha celebrato nella sua pittura i personaggi leggendari della terra greca, in cui ebbe il destino di nascere pur essendo italiano. Gli eroi omerici  rivivono sotto le spoglie dei manichini e del vario armamentario "metafisico" del pittore. Oreste e Pilade, l’opera qui proposta del 1961, così come altri dipinti di Giorgio De Chirico (Ettore e Adromaca o il Trovatore) raffigurano figure solitarie, a volte singoli personaggi a volte in coppia, spesso rappresentati con teste ellissoidali, prive di lineamenti, forme con sembianze umane, più che personaggi reali, miti e leggende quasi sempre dipinti con un simbolo centrale, il ventre riempito di frammenti di paesaggio, di statue classiche, di colonne e libri, segno dei passaggi della storia e della civiltà, oppure forme geometriche vuote che alludono alla visione interiore, contemplativa. Tutta la cospicua produzione di De Chirico dal primo periodo fino alla sua morte, è un ripetersi di soggetti e tematiche , prova del fatto che non si sia realmente distaccato dalla visione metafisica, piuttosto la fedeltà ribadita nei confronti del classicismo e delle tecniche pittoriche dei maestri del passato gli consente di esplorare nuovi orizzonti rimanendo fedele a se stesso e alla propria unicità creativa.

RUDOLF SCHLICHTER

(Calw 1890 - Monaco di Baviera 1955)

Abstraktion

1917

olio su tela

firmato e datato

cm 65,8x62,8

al retro timbri non decifrabili

al retro etichetta "Dada " 1977, Funfzehnte Europäische Kunstausslung, Berlin

al retro etichetta " Dada and Surrealismreviewed" Arts Council of great britain, cat. n.

4E62

Abstraction

1917

oil painting on canvas

signed and dated

65.8x62.8 cm

at the back non-decipherable stamps

on the reverse label "Dada" 1977, Funfzehnte Europäische Kunstausslung, Berlin

on the reverse label "Dada and Surrealismreviewed" Arts Council of great britain, cat. n.

4E62

Esposizioni

Berlin, Ort der Freiheit für die Kunst, Der dynastische Realismus and das Auftreten Edvard

Munchs, Vernstaltet von der Nationalgalerie der Ehemals Staarlichen Museen Berlin

und der hochschule für bildende Künste Berlin, Recklinghausen, 2 giugno - 17 luglio

1960; Vienna 2 agosto - 4 settembre 1960; Berlin 18 settembre - 6 novembre 1960

Berlin XXe siècle, De l'expressionisme à l'art contemporain, Deutsche Geselischaft für

Bildende Kunst, Musée cantonal des beaux-arts, 1968, Losanna

Dada in Europa, Werke und Dokumente, Städtische Galerie in Städelschen Kunstinstitut,

10 novembre 1977 - 8 gennaio 1978, Francoforte

Dada and Surrealism reviewed a cura di Dawn Ades con testo introduttivo di David

Sylvester e Elizabeth Cowling, 1978, Arts Council of Great Britain

Bibliografia

Berlin, Ort der Freiheit für die Kunst, Der dynastische Realismus and das Auftreten Edvard

Munchs, Vernstaltet von der Nationalgalerie der Ehemals Staarlichen Museen Berlin

und der hochschule für bildende Künste Berlin, Recklinghausen, 2 giugno - 17 luglio

1960; Vienna 2 agosto - 4 settembre 1960; Berlin 18 settembre - 6 novembre 1960, n.

114 ill.

Berlin XXe siècle, De l'expressionisme à l'art contemporain, Deutsche Geselischaft für

Bildende Kunst, Musée cantonal des beaux-arts, 27 novembre - 5 gennaio, 1968,

Losanna, n. 17 ill.

Dada in Europa, Werke und Dokumente, Städtische Galerie in Städelschen Kunstinstitut,

10 novembre 1977, Francoforte, n. 3/553 ill.

Dada and Surrealism reviewed a cura di Dawn Ades con testo introduttivo di David

Sylvester e Elizabeth Cowling, 1978, Arts Council of Great Britain , n. 4.63 ill

JULIUS EVOLA

(Roma 1898 - Roma 1974)

DDDD - Paysage dada

1920-1921

olio su tela

cm 96x76

firmato

al retro etichetta Tendenzen der Zwanziger Jahre, Berlin

al retro etichetta Dada and surrealism reviewed, Arts Council of Great Britain

DDDD - Dada landscape

1920 - 1921

oil painting on canvas

96x76 cm

signed

on the reverse label Tendenzen der Zwanziger Jahre, Berlin

on the reverse label Dada and surrealism reviewed, Arts Council of Great Britain

Provenienza

Collezione privata, Milano

Esposizioni

Cinquant'anni a Dada, Dada in Italia 1916 -1966, sotto l'egida dell'Ente Manifestazioni

Milanesi, Milano Civico Padiglione d'Arte Contempornaea, 24 giugno - 30 settembre

1966, edito dalla Galleria Schwarz, Milano

Le futurisme et le Dadaïsme, a cura di Jose Pierre, 1967, Losanna

      Tendenze der Zwanziger Jahre,14 agosto - 16 ottobre 1977,  Dietrich Reimer Verlag, Fünfzehnte Europaïsche

Kunstausstellung in Berlin

Dada in Europa, Werke und dokumente, 10 novembre 1977 - 8 gennaio 1978, Städtische

Galerie im Städtischen Kunstinstitut, Francoforte

Dada and surrealism reviewed, a cura di Dawn Ades, con testo introduttivo di David

Sylvester e Elizabeth Cowling,  1978, Arts Council of Great Britain

Dada libertin & libertaire, a cura di Giovanni Lista, 2005

Dadaglobe reconstructed a cura di Adrian Sudhalter, Anne And Michel Sanouillet,

Cathérine Hug, Samantha Friedman, Lee Ann Dafffner and Karl Buchberg, 2016,

Kunsthauss Zurich

Bibliografia

Cinquant'anni a Dada, Dada in Italia 1916 -1966, sotto l'egida dell'Ente Manifestazioni

Milanesi, Milano Civico Padiglione d'Arte Contempornaea, 1966, edito dalla Galleria

Schwarz, Milano, p. 109 n. 91 ill.

Le futurisme et le Dadaïsme, 1967,  a cura di Jose Pierre, edito da Editions Rencontre

Lausanne, ill.

Almanacco Dada, Antologia letteraria - artistica, Cronologia, repertorio delle riviste a cura

di Arturo Schwarz, 1976, edito da Feltrinelli, ill.

Tendenzen der Zwanziger Jahre, 1977,  Dietrich Reimer Verlag Berlin, cat. n. 3/408 ill.

Dada in Europa, Werke und dokumente, 10 novembre 1977 - 8 gennaio 1978, Städtische

Galerie im Städtischen Kunstinstitut, Francoforte, . n. 3/408 ill.

Dada and surrealism reviewed, a cura di Dawn Ades, con testo introduttivo di David

Sylvester e Elizabeth Cowling,  1978, Arts Council of Great Britain, cat. n. 5.29 ill.

Dada libertin & libertaire, a cura di Giovanni Lista, 2005, edito da Insolite, p. 127 ill.

Dadaglobe reconstructed a cura di Adrian Sudhalter, Anne And Michel Sanouillet,

Cathérine Hug, Samantha Friedman, Lee Ann Dafffner and Karl Buchberg, 2016,

Kunsthauss Zurich, Scheidegger & Spiess, p. 114 e p. 145

Nel dicembre del 1920, Evola, Prampolini e Fiozzi, partecipano all' Esposizione

Internazionale di Arte Moderna a Ginevra. Due mesi più tardi la sua opera, a Roma, verrà

esposta a l'esposizione La Section d'Or di Parigi, organizzata dalla Casa d'Arte italiana,

con opere di Van Doesburg, Férat, Buchet, Duchamp-Villon, Gleizes, lèger, Jacques Villon

e Archipemko, che si reca per l'occasione a Roma per incontrare Prampolini.

Evola assente invece presenta una mostra personale di ben più di una cinquantina di

opere alla galleria Der Sturm a Berlino. Separa la sua attività da quella di Prampolini, ed

invita Cantarelli e Fiozzi, a unirsi a lui per fondare " il Dada italiano", inoltre prepara una

esposizione dadaista chez Bragaglia in compagnia di Schad.

FRANTISEK JANOUSEK

(Jesenny 1890 - Praga 1943)

Paesaggio Con Libro firmato

1934

olio su tela

cm 96,7x145,5

firmato in basso a sinistra

Landscape With Signed Book

1934

oil painting on canvas

cm 96.7x145.5

signed lower left

Provenienza

Galleria A. Schwarz, Milano

Collezione privata, Milano

Esposizioni

Frantisek Janousěk, Opere scelte 1933 - 1942, 10 giugno - 25 settembre 1969, Galleria

Schwarz, Milano

Bibliografia

Frantisek Janousěk, Opere scelte 1933 - 1942, 1969, Galleria Schwarz, Milano, n. 6 ill. 

" fino al 1932, ...fino a quel momento Janousěk rimaneva, con il suo Cubismo a

tendenza lirica, piuttosto all'ombra della vita artistica di Praga. ed ecco che tutt'ad un

tratto presenta al pubblico un insieme di composizioni fantastiche, ispirate da

vagabondaggi solitari attraverso le città d'Italia: Venezia, il Foro di Roma, Siena, hanno

significato per lui una strana rottura dell'esperienza, una rottura simile a quella che aveva

provocato la pittura metafisica, e' nel suo grande Paesaggio con libro che Janousěk è

tornato per l'ultima volta al suo viaggio in Italia. Il nome di Suarès che si può leggere sul

quadro, si riferisce al libro Viaggio del condottiero in Italia, di André Saurès. ma questa

tela appartiene già a una grande tappa della sua opera che vedrà l'introduzione nelle sue

tele, per un certo tempo, di uno stato di riposo e di disciplina razionale. Queste tele sono

edificate sulla base di un disegno che in seguito egli colora leggermente con toni chiari,

portandole successivamente a dimensioni monumentali. "

( cit. A. Schwarz cat.esposizione del 1969)

PIER PAOLO CALZOLARI

(Bologna 1943)

Senza Titolo

1970

sale, legni e piombo su carta applicata su masonite

cm 70x100

Untitled

1970

salt, wood and lead on paper applied on masonite

cm 70x100

L'opera è accompagnata da autentica su fotografia

L'opera è registrata presso l'Archivio Pier Paolo Calzolari con il numero, n. A-CAL-1970-102

DADAMAINO

(Milano 1930 - Milano 2004)

Volume a moduli sfasati

1960

fogli di plastica fustellati a mano e applicati su doppio telaio dipinto

cm 100x100

Volume with phase-shifted modules

1960

plastic sheets punched by hand and applied on a double painted frame

100x100 cm

L'opera è registrata presso l'Archivio Dadamaino, con il numero n. 193/11

Provenienza

Collezione privata, Svizzera

Bibliografia

Elementi spaziali, Bonalumi, Castellani, Dadamaino, Scheggi, Silvana Editoriale, 2011, p. 139 ill.

MASSIMO CAMPIGLI

(Berlin 1895 - Saint-Tropez 1971)                                             

Teatro

1965

olio su tela

cm 36x82

firmato e datato in basso a destra

al retro etichetta Galleria La Bussola

al retro tinmbro Galleria D'Arte "Medea", direttore D'Apice Generoso, Cortina D'Ampezzo

al retro timbro non decifrabile, n. 839

Theater

1965

oil painting on canvas

36x82 cm

signed and dated lower right

on the reverse label Galleria La Bussola

on the reverse side there is the Galleria D'Arte "Medea", director D'Apice Generoso,

Cortina D'Ampezzo

on the reverse, non-decipherable stamp, n. 839

RENATO GUTTUSO

(Bagheria 1912 - Roma 1987)

Tetti di Via Leonina

1962

cm 100x81

al retro etichetta

al retro timbro Galleria Gissi Torino

Roofs of Via Leonina

1962

100x81 cm

on the reverse label

at the reverse stamp Galleria Gissi Torino

MASSIMO CAMPIGLI

(Berlin 1895 - Saint-Tropez 1971)

Figura Femminile

1967

olio su tela

cm 41x34

firmato e datato in basso a destra

al retro timbro D'Apice Generoso

Female figure

1967

oil painting on canvas

41x34 cm

signed and dated lower right

on the reverse stamp D'Apice Generoso

LEONARDI LEONCILLO

(Spoleto 1915 - Roma 1968)                                                    

Donna sdraiata

1950

ceramica smaltata

cm 18x39x19

titolata e firmata sulla base

iscrizione 3 settembre 1950

Woman lying down

1950

glazed ceramic

18x39x19 cm

titled and signed

inscription on the basement 3 September 1950    

LEONCILLO DEMIURGO DELLA CERAMICA

Leoncillo Leonardi è stato considerato tra i massimi esponenti della generazione del secondo dopoguerra per la scultura italiana, godeva, sin dagli anni ‘40, di grande fama nazionale e internazionale. Alberto Moravia presentò una sua mostra alla galleria della Spiga di Milano e a seguire noti critici come G.C.Argan. R. Longhi, M. Calvesi, P. Buciarelli, G. Carandente e C. Brandi dedicarono spazio e parole per consacrare l’abilità artistica di Leoncillo. Il primo ottobre 1946 un gruppo di artisti d’avanguardia sottoscrive il manifesto della Nuova secessione artistica italiana, oltre a Guttuso, Turcato, Birolli e Vedova, partecipa anche il giovane Leoncillo, che aveva già dato prova del suo eccellente e precoce talento.  Leoncillo è un personaggio singolare, fuori dagli schemi, feroce con la materia che scava e plasma, quella materia “proletaria” identificatrice di un pensiero politico. Partigiano e comunista convinto, due monumenti ne sono la testimonianza: Partigiana veneta del 1955 (distrutto nel 1962 per un attentato) e i Caduti di Albissola del 1958. Dopo una lunga stagione vissuta nel segno del post-cubismo, alla metà degli anni ’50 visse una forte crisi ideologica a causa dell’invasione sovietica dell’Ungheria che lo portò a trasformare la sua arte, iniziando a trasformare le sue opere in materia magmatica e corrugata dallo spirito informale. Scava le sue figure verticali, sono incastri e sagome drammatiche ed elementari, dalle coloriture sfumate o decise (i rossi e i gialli), per donare ancora più ferocemente la drammaticità alla forma. Le potenti sculture come i San Sebastiano fanno pensare a corpi lacerati, piegati e vinti dall’esistenza, sono zolle di terra arata o porzioni di magma che si aprono a mostrare i fuoco che arde sotto i nostri piedi. Leoncillo scrisse nelle pagine del Piccolo diario: “Un nuovo oggetto naturale che divenga con stratificazioni, solchi, strappi che sono quelli del nostro essere, che esca come il nostro respiro. Non più colore quindi, ma materia che ha un colore che diciamo dopo. Non più volume ma materia che ha volume. E la creta diventa materia “nostra” per gli atti che compiamo su essa e con essa, atti che nascono da una reazione del nostro essere, che crescono dalla furia, dalla dolcezza, dalla disperazione, motivati dal nostro essere vivi, da quello che sentiamo e vediamo”.

LEONARDI LEONCILLO nasce a Spoleto il 18 novembre del 1915, sin da bambino si interessa alle arti applicate, il nonno paterno era liutaio, quello materno ebanista; e questo esempio di attitudine al lavoro artigiano influì sulla sua formazione. Conclusi gli studi si trasferì a Roma dal fratello maggiore Lionello, insegnante di lettere presso l’istituto religioso S. Maria, la stessa scuola dove insegnò disegno fino al 1939. Risalgono a questi anni giovanili i primi disegni noti dell'artista, caratterizzati da un segno forte e costruttivo. Nel 1936 entrò in contatto con la galleria La Cometa, diretta dal poeta L. De Libero, luogo di incontro degli artisti più giovani e meno compromessi con l'arte di regime: Mario Mafai e Antonietta Raphael, Corrado Cagli, Mirko e Afro Basaldella, Pericle Fazzini e Marino Mazzacurati. L’artista fu notevolmente influenzato da quella che fu definita la Scuola Romana, continuando però a operare isolato nel suo studio. Nel 1937 espose a Perugia, alla VI Mostra sindacale fascista dell'Umbria, due bassorilievi monocromi ispirati a Fedro: Il cervo e i cani e Il nibbio e le colombe.

Nel 1939 lasciò Roma, trasferendosi a Umbertide, in Umbria, dove il 9 luglio sposò Maria Zampa dalla quale ebbe due figli: Daniela e Leonetto. A Umbertide entrò in contatto con la fabbrica di ceramiche di proprietà di Settimio Rometti, che era stata guidata alcuni anni prima da Cagli. Qui perfezionò le sue conoscenze tecniche sui materiali ceramici e sulle cotture e stabilì un rapporto di scambio con Rometti, ceramista a sua volta, presso i cui forni l’artista diede luogo a una produzione di sculture di dimensioni notevoli: l'Arpia, l'Ermafrodito e la_^ý[ýLýWýýýý[ý_^ý[ýLýýýýÛýýý]]H[ýýHýÈ[ýýYHWý^ý[ýLýWýý[ýýý_^ý[ýLýýýý[õýýýs#S%•ýýG&6ý2ý6V&7Fýýýõýýýs#S%ýýG&6ýýýýýõýýýs#S%•ýýG&6ý7VýýFý&ýõýýýs#S%ýýG&6ýTýýýqQuattro stagioni. Si tratta di terrecotte policrome invetriate, modellate dall'interno per ottenere volumi gonfi, dall'apparenza molle, cui gli smalti conferiscono bagliori improvvisi che accendono la cromia di sapiente tonalismo. Se nella tecnica esecutiva a cera cava Leoncillo si avvicinava a M. Basaldella, nei soggetti  mitologici egli palesa un riferimento alla pittura di Scipione. Nel 1940, su invito di Giò Ponti, partecipò alla VII Triennale di Milano, dividendo la sala con S. Fancello, dove vinse la medaglia d'oro per le arti applicate con l'Ermafrodito e le Quattro stagioni, ironici busti dai colori vivaci, che echeggiano le porcellane neoclassiche. Sul finire del 1941, dopo avere evitato la frequenza del corso per allievi ufficiali all'atto della chiamata alle armi, pubblicò a Milano una raccolta di brevi componimenti poetici, il Bestiario (in Orfei), in edizione numerata e illustrata da litografie di F. Clerici.  Nel 1942 fece ritorno a Roma, dove fu incaricato della docenza di plastica ceramica all'istituto statale d'arte. Nell'estate dell'anno successivo presentò la serie dei Mostri nell'ambito di un'esposizione collettiva di giovani artisti presso la galleria La Cometa di Roma. Convinto antifascista, il Leoncillo si avvicinò dapprima alle organizzazioni partigiane romane, poi si affiliò alla brigata "Innamorati", attiva in Umbria. Dal dicembre 1944 avviò una collaborazione con il periodico romano La Settimana, che ospitò suoi disegni e alcuni ritratti di intellettuali. Nel 1946 sottoscrive il manifesto della Nuova Secessione artistica italiana, trasformatosi poi in Fronte nuovo delle arti, il gruppo sostenuto da G. Marchiori espose alle Biennali di Venezia del 1948 e del 1950. Nel 1947 ottenne uno studio all'interno di villa Massimo, a Roma, già sede dell'Accademia germanica, accanto a Mazzacurati, R. Guttuso ed E. Greco, dove risiedette sino al 1956. Nel 1949 la sua prima personale alla galleria Il Fiore di Firenze presentata da R. Longhi. La produzione del decennio 1946-56 si caratterizza per il gusto neocubista di derivazione picassiana. Artista militante, si produsse in temi sociali rappresentando la silenziosa dignità degli umili: Dattilografa e I minatori. Negli stessi anni andava approfondendo anche il tema della natura morta - genere poco esperito dagli scultori riallacciandosi alla lezione di Boccioni. Nel 1954 alla Biennale di Venezia gli fu dedicata una sala insieme con Lucio Fontana, tra le opere presenti anche Bombardamento notturno, acquisito per le collezioni dello Stato destinate alla Galleria nazionale d'arte moderna di Roma. Nei primi anni Cinquanta partecipò a numerose mostre collettive internazionali come Italy at work (New York, 1950), Italienische Kunst der Gegenwart (Monaco di Baviera, 1950), Nutida Italiensk Konst (Il Novecento italiano: Stoccolma, 1953); fu inoltre presente alla II Biennale della scultura di Anversa; in Italia fece parte ed espose insieme con il gruppo denominato Art Club. Nel 1951 vinse il primo premio per una scultura da giardino alla II Mostra nazionale della ceramica; nel 1953 ottenne il premio acquisto alla I Mostra d'arte di Spoleto e nel 1954 vinse il primo premio al XII Concorso nazionale della ceramica di Faenza con la scultura I minatori.

Nel 1957 diede le dimissioni dal partito comunista a seguito dei fatti di Ungheria e come atto di solidarietà verso il senatore E. Reale, espulso in quanto manifestamente contrario alla linea filosovietica togliattiana. Nel marzo 1957 si tenne una personale alla galleria La Tartaruga di Roma. Nello stesso anno realizzò il pannello decorativo per l'atrio della sede dell'Istituto nazionale per la previdenza sociale a Ferrara; a Roma, invece, eseguì una fontana per un complesso abitativo INA Casa a S. Lucia.

Nel 1958 espose alla galleria romana L'Attico di B. Sargentini, un connubio tra i due durò sino alla morte dell'artista. Nel 1959 partecipò alla VIII Quadriennale di Roma, nell'ambito della retrospettiva sulla scuola romana, ripresentando l'Arpia e l'Ermafrodito; quello stesso anno vinse il primo premio alla II Mostra nazionale della ceramica e dei lavori in metallo di Gubbio, con Incontro nella miniera, dove rielaborava il tema dei Minatori. In questi anni intensi, il cui percorso è chiarito dalle annotazioni e dalle riflessioni contenute nel Piccolo diario, più volte Leoncillo tornò sulle tematiche giovanili - è il caso del S. Sebastiano - ripensandole in senso aniconico. Nel 1960 E. Crispolti lo presentò alla galleria Blu a Milano, dove espose una serie di Tagli e Fratture. Nel 1960 fu nuovamente presente alla XXX Biennale di Venezia, nel 1961 partecipò a numerose esposizioni internazionali. È del 1962 una nuova, importante mostra personale alla galleria L'Attico. Nel 1967 realizzò, in collaborazione con l'architetto L. Ricci, un pannello decorativo per l'Esposizione universale di Montreal; lo stesso anno vinse il concorso per un monumento per il palazzo della Ragione a Trento (non realizzato). Nel 1968, presente con una sala personale alla Biennale di Venezia, in cui aveva allestito opere dell'ultimo decennio, velò le sue sculture con dei teli di plastica in segno di adesione alle proteste dei giovani artisti.

Leoncillo morì a Roma il 3 settembre 1968.

GASTONE NOVELLI

(Vienna 1925 - Milano 1968)

Fammi Guardare

1965

matita, collage e acquarello su carta

cm 55,5x75

firmato, intitolato e datato

Let me look

1965

pencil, collage and watercolor on paper

55.5x75 cm

signed, titled and dated

OTTONE ROSAI

(Firenze 1895 - Ivrea 1957)

Sonatori nella via

1956

olio su tela

cm 90x54,9

firmato in basso a destra O. Rosai

al retro sulla tela, a carboncino «50 [sottolineato] / Santini». Sul telaio,

a carboncino«Foto Biffoli»; timbro rettangolare Galleria Piemonte Artistico e

Culturale, Torino; a carboncino «14» [sottolineato due volte]; «55x 0»; timbro F.lli

Rigacci, Firenze

al retro timbro «cm 55»; timbro «90»

Ringtones in the street

1956

oil on canvas

90x54.9 cm

signed lower right O. Rosai

on the reverse on the canvas, charcoal «50 [pointed] / Santini» On the chassis,

charcoal «Foto Biffoli»; rectangular stamp Galleria Piemonte Artistico e

Cultural, Turin; charcoal «14» [underlined twice]; «55x 0»; F.lli stamp

Rigacci, Florence

on the reverse  stamp "cm 55"; «90» stamp

L'opera è accompagnata da autentica rilasciata dal Dott. Giovanni Faccenda

Provenienza

P. Rosai, Trieste

Collezione privata, Trieste

Esposizioni

O. Rosai, a cura di P.C. Santini, Centro Culturale Olivetti, Ivrea, maggio 1957, riprodotto in cat. [p. 133], n. 58; Figure e Paesaggi di Ottone Rosai [mostra proveniente dal Centro Culturale Olivetti di Ivrea], presentazione di L.C. [L. Carluccio], Piemonte Artistico e Culturale, Galleria «Gazzetta del Popolo», Torino, 8-25 giugno 1957; Mostra dell’Opera di Ottone Rosai, 1911-1957, a cura di P.C. Santini, Palazzo Strozzi, Firenze, maggio-giugno 1960, riprodotto in cat. tav. 82 (n. 251, p. 90, elenco opere).

Bibliografia

P. Bigongiari, «Il grido di Ottone Rosai», Il Critone, maggio 1957; P.C. Santini,

Rosai, Vallecchi, Firenze, 1960, [seconda edizione 1972], riprodotto n. 354 (scheda p.

223).

MARCELLO LO GIUDICE

(Taormina 1957)

Sunrise

2011

tecnica mista su tela

cm 150x150

al retro firmato, datato e titolato

Sunrise

2011

mixed media on canvas

150x150 cm

on the reverse signed, titled and dated

L'opera è accompagnta da autentica, rilasciata dall'artista nel 2014

DADAMAINO

(Milano 1930 - Milano 2004)                                                             

Volume

1958

tele sovrapposte

cm 42x33

firmato, intitolato e datato al retro, dedicato

Volume

1958

overlapping canvases

42x33 cm

on the reverse signed, titled and dated, dedicated

Esposizione

Dadamaino Piero Manzoni, Storia di un grado zero 1956 - 1963: le opere, i documenti, P420

Arte Contemporanea

Bibliografia

Dadamaino Piero Manzoni, Storia di un grado zero 1956 - 1963: le opere, i documenti, P420

Arte Contemporanea, ill.

MARIO SCHIFANO

(Homs 1934 - Roma 1998)                                                        

Palme e stelle

acrilico su tela

cm 120x200

Palm trees and stars

acrylic on canvas

120x200 cm

La figura di Mario Schifano (Holms 1934 - Roma 1998) è tra le più poliedriche e

innovative del panorama artistico internazionale della seconda metà del XX secolo. L'arte

di Schifano definisce la propria vocazione sperimentale già alla fine degli anni cinquanta,

in un momento cruciale per la ridefinizione della relazione tra le arti visive e l'immaginario

massificiato della nuova società dei consumi. in questo contesto, per Schifano la pittura

diviene da subito strumento e fine di esplorazione della sua caratteristica e poliedrica

contaminazione di generei differenti. Vivendo tra Roma e New York,in un dialogo con il

vitale e positivo panorama artistico degli Stati Uniti, Schifano sviluppa negli anni Sessanta

un proprio discorso parallelo, per quanto non sovrapponibile, rispetto alla Pop Art ed a

Andy Warhol. L'artista interpreta la medesima epoca della nuova comunicazione

massificata, ma secondo un'appropriazione e rilettura dell'immaginario collettivo della

pubblicità, del cinema, della fotografia: ne restituisce un'immagine pittorica e creativa,

che tende a interpretare con straordinario spirito critico e anticipatore le nascenti

dinamiche di relazione globalizzata della cultura visiva. La sua vidità per l'universo delle

immagini gli permette di spaziare attraverso i generi e le icone del nuovo panorama

socioculturale internazionale, dalla pubblicità al cinema, che egli include nella sua opera

come " reperti" della civiltà presente, dando voita a un mondo parallelo ed unico, filtrato

dalla sua visione critica e dissacrante.

JACQUES VILLEGLE'

(Quimper 1926)

Mr Baltard

1979

decollage su tela

cm 51x61,5

firmato in basso a destra

al retro titolato, datato (mars 1979)

Mr Baltard

1979

decollage on canvas

51x61.5 cm

signed lower right

on the reverse side titled and dated (mars 1979)

Jacques Villeglè

All’École des Beaux-Arts di Rennes lei conobbe Raymond Heins, con cui strinse un sodalizio fondamentale per lo sviluppo delle vostre reciproche carriere. Che cosa vi accomunava?

Condividevamo le stesse domande riguardo al nostro futuro: che cosa fare? Che cosa dipingere? E anche l’idea di non voler imparare un mestiere. Il nostro rapporto di amicizia e di affinità artistica si alimentava grazie alle lunghe passeggiate che facevamo lungo la Loira, e proprio una di queste rappresentò un momento di svolta fondamentale. Era il gennaio del 1947, e fummo impressionati dallo “spettacolo” dei cantieri navali di Nantes, dal rumore delle seghe elettriche, dal movimento delle gru e del ponte trasbordatore. Fu quello il momento in cui ci apparve chiaro per la prima volta che la percezione diretta doveva essere ricercata e valorizzata a discapito del “fare” e delle arti della trasposizione, e di ogni premeditazione.

Che è poi il concetto che sta alla base della pratica di staccare i manifesti lacerati dai muri delle città. Si ricorda la prima volta in assoluto in cui lo avete fatto?

Certamente: è stato a Parigi, nel febbraio del 1949. Si trattava del manifesto di uno spettacolo, in cui comparivano solo alcuni frammenti tipografici, che danno il titolo a quella prima opera: Ach Alma Manetro. Ci colpirono moltissimo le lacerazioni della superficie del manifesto, che sembravano quasi delle ferite cromatiche. All’epoca, ciò che amavo di più era il collage cubista, e i caratteri tipografici ne rappresentavano un elemento che continuava a conservare una grande attualità; dunque, questo primo manifesto rubato dalla strada aveva qualcosa di post-cubista.

E quello fu un episodio isolato, che solo in seguito rielaboraste come pratica artistica vera e propria, o fu da subito il punto di partenza di una ricerca poi proseguita per decenni?

Fu un punto di partenza: esattamente come Mallarmé componeva le sue poesie utilizzando il colpo di dado e attingendo le parole dai manifesti appesi per le vie di Parigi, da quel momento noi cominciammo a raccogliere ciò che la strada ci offriva. Il manifesto è sempre stato molto importante, sia per la poesia che per l’arte figurativa della nostra epoca. Io capii subito che attraverso di esso potevo scrivere un nuovo capitolo della storia dell’arte, che documentasse il cambiamento delle parole e anche dei colori.

La sua opera, Villeglé, si distingue da quella degli altri affichiste per la sistematicità…

Ho capito presto che attraverso i manifesti strappati riuscivo a cogliere quella che era la realtà urbana e che potevo documentarne i cambiamenti utilizzando i décollage secondo ripartizioni estetiche o di soggetto, così da creare un “catalogo tematico” con cui ripercorrere la storia della tecnica tipografica e della trasformazione dei colori.

La sua esperienza come affichiste si chiude definitivamente nel 2003. In che modo?

Nel 2003 mi trovavo a Buenos Aires. Negli ultimi anni era diventato difficile rintracciare manifesti lacerati in città come Parigi, troppo pulite e ordinate. Qui, invece, c’era molto materiale: percorsi chilometri e chilometri nei sobborghi, e in qualche angolo rinvenni dei vecchi manifesti realizzati prima della crisi economica che stava soffocando l’Argentina. Erano ricchi, pieni di lettere, mentre quelli più recenti, stampati su carta di scarsa qualità, somigliavano alle affiche che avevo staccato agli esordi, erano cioè fatti alla maniera antica, usando i caratteri di legno: è stato come se un ciclo si chiudesse.

Ad un certo punto, partendo da una posizione di semplice “osservatore attivo” della realtà per mezzo dei manifesti lacerati, lei ha iniziato un nuovo percorso estetico dando vita ad un peculiare vocabolario socio-politico, che ora utilizza come strumento espressivo in quelle che sono vere e proprie opere pittoriche.

Nel 1969 vidi nella metropolitana di Parigi una scritta di propaganda contro Nixon realizzata attraverso un grafismo molto particolare, che ricorreva a simboli politici come le tre frecce dell’ex Partito socialista, la croce gaulliana, la svastica nazista, eccetera. La forza simbolica di quegli ideogrammi mi colpì al punto che cominciai ad elaborare un vero e proprio alfabeto. Dieci anni dopo l’ho utilizzato per la prima volta per un’opera pittorica, attraverso cui offrire la mia visione della realtà.

Dicembre 2014 da un’intervista di StileArte

ANTONIO BUENO

(Berlino 1918 - Fiesole 1984)                                              

Esecuzione n. 2

1953 - 1954                                              

olio su tela

cm 65x75

firmato e datato in alto a sinistra

al retro etichetta Mostra Antologica di Antonio Bueno, opere dal 1936 al 1981

al retro etichetta Regione Autonoma Valle d'Aosta

al retro etichetta La Biennale di Venezia, XXIV Esposizione Internazionale D'Arte 1968

Esposizioni

Mostra Antologica di Antonio Bueno, opere dal 1936 al 1981, Palazzo Strozzi, Firenze

La Biennale di Venezia, XXIV Esposizione Internazionale D'Arte 1968

Bibliografia

Mostra Antologica di Antonio Bueno, opere dal 1936 al 1981, Palazzo Strozzi, Firenze,

cat. n. 40 ill.

FERNANDEZ ARMAN

(Nizza 1928 - New York 2005)

Accumulazione di chiavi inglesi

scultura in ferro

cm 30x40x25,5

firmato sulla base

Accumulation of wrenches

iron sculpture

30x40x25.5 cm

signed on the basement

L'opera è accompagnata da autentica rilasciata dalla Galleria Pace, su fotografia

L'opera è in fase di registrazione presso l'Archivio Fernandez Arman, New York

RENATO PARESCE

(Carouge(Svizzera)1886-Parigi (Francia)1937)                                                          

Cosmo

1932                                                                

olio su tela

cm 65x81

al retro etichetta Galleria Annunciata

al retro etichetta Galleria D'Arte Bergamo

al retro etichetta Galleria del Milione

Cosmos

1932

oil on canvas

65x81 cm

on the reverse label of Galleria Annunciata

on the reverse label of Galleria D'Arte Bergamo

on the reverse label of Galleria del Milione

Bibliografia

L’opera è pubblicata in R. Ferrario, René Paresce. Catalogo ragionato delle opere, Skira, 2012, p. 221 ( cat. 22/32, intitolato Nebulose)

Renato Paresce, artista visionario ed eclettico, nasce nel 1886 a Carouge un sobborgo di Ginevra, con la famiglia si trasferisce a Firenze dove risiede fino alla età di 19 anni,   studia materie scientifiche all'Istituto Tecnico Industriale "Leonardo da Vinci" e frequenta per un anno la Facoltà di Fisica dell'Università di Bologna, laureandosi poi a Palermo, dove si era trasferito. Dedica molti dei suoi studi all'influsso degli elettroni sullo spettro, gli venne anche offerta la possibilità della carriera universitaria, ma che rifiuta. Nel 1911 torna a Firenze, dove per un breve periodo insegna fisica presso il Collegio della Quercia. Diventa amico del poeta e critico musicale Giannotto Bastianelli e del pittore Baccio Maria Bacci. L'anno successivo parte per Parigi e lavora presso il Bureau International des Poids et Mesures, ritorna a Firenze solo per brevi soggiorni. A Parigi si dedica alla pittura da autodidatta, dipingendo di sera con la luce elettrica, dimostrando di avere piena padronanza dei mezzi tecnici e un'attenzione vivace per le innovazioni stilistiche che la pittura francese propone in quel periodo. Sono gli anni del gruppo Les Italiens de Paris,  sette artisti : Giorgio de Chirico, Alberto Savinio, Filippo De Pisis, Gino Severini, Massimo Campigli, Mario Tozzi e Paresce, gruppo patrocinato dal critico George Waldemar. Con Savinio ha un rapporto più intenso che si riflette nel lavoro di entrambe. Ritrova l'amico Baccio Maria Bacci, col quale talvolta si reca a dipingere en plein air lungo la Senna, frequenta gli artisti di Montparnasse e dei café letterari, la Cloiserie de Lilas e la Rotonde. Nonostante il suo carattere schivo, s'inserisce nell'ambiente degli artisti residenti a Parigi, conosce Picasso e Modigliani. Fa parte dell'Ecole de Paris insieme a Moïse Kisling, Chaime Soutine e partecipa ai Salons parigini, agli Indépendents e alle Tuileries. Quando scoppia la prima guerra mondiale con la moglie, la pianista russa Ella Klatchko, è costretto a lasciare la ville lumiére per recarsi a Londra. Qui lavora come assistente al National Laboratory di Teddington. Sovente viaggia per l'Europa, si reca e soggiorna più volte in Svizzera, a Zurigo, dove prende parte ad alcune importanti esposizioni al Kunsthaus e alla Galerie Tanner. L'attività parallela di giornalista e pittore lo porta spesso anche in Germania, a Berlino, dove espone in spazi pubblici e privati. Paresce è un artista protagonista di un momento complesso per l’arte, sono gli arbori di nuovi movimenti, dove s’intrecciano filoni diversi come il cubismo, il futurismo, il dadaismo, la metafisica e il  surrealismo, movimenti entro i quali si muovo gli artisti presenti a Parigi. Paresce crea raffigurazioni narrativamente oniriche, passa dai paesaggi naturali, alle dimensioni metafisiche. Nel 1926 e nel 1929 presenta i suoi lavori alle mostre di Novecento italiano alla Permanente di Milano. Contemporaneamente le sue tele vengono valorizzate durante un’esposizione ad Amsterdam.  Nel 1931 Paresce espone alla Quadriennale di Roma e nell’ambito di una matinée italienne, alla mostra collettiva al Théâtre de l’Oeuvre a Parigi, organizzata da Tozzi. Sempre in quell’anno tiene una personale a Londra alla Zwemmer Gallerie. Poi nel ’32 alla Galerie de la Renaissance di Parigi, la sua opera di popola di nuovi soggetti e luoghi surreali e cosmici. Nel ’33 espone alla Galleria de Il Milione a Milano.  Nel 1934 Paresce si reca alle isole Figi  e successivamente in America. Qui l’atmosfera dei musicisti jazz, lo spingono a scrivere un libro, “L’altra America”, il testo andò distrutto insieme ad un cospicuo numero di dipinti, durante i bombardamenti di Milano del 1943. L’attività pittorica dell’artista si chiude con il ciclo dedicato agli acrobati del circo, il quale porta al culmine l’astrazione dall’oggetto e il distaccamento dal reale. Paresce muore a Parigi nel 1937.

ALBERTO DI FABIO

(Avezzano 1966)

Senza titolo

2008

acrilico su tela

cm 117x96,2

al retro firmato e datato

Untitled

2008

acrylic on canvas

117x96.2 cm

on the reverse signed and dated

L'opera è accompagnata da autentica rilasciata dall'artista, su fotografia

TURI SIMETI

(Alcamo 1929)

2 ovali bianchi

2005

acrilico su tela sagomata

50x50 cm

2 white ovals

2005

acrylic on shaped canvas

50x50 cm

L'opera è registrata presso l'archivio Turi Simeti,  con il numero n. 2005-BO501                            

ANTON ZORAN MUSIC

(Gorizia 1909 - Venezia 2005)

Reti di Pescatori

1955                                                   

olio su tela

cm 60x80

firmato e dattao al centro

al retro timbro Collezione U.Meneghini, Venezia

al retro timbro con n. 2570

al retro formato, titolato e datato

Fishing Nets

1955

oil painting on canvas

60x80 cm

signed and signed in the middle

on the reverse of the stamp U.Meneghini Collection, Venice

on the reverse stamp with n. 2570

on the reverse signed, titled and dated

FILIPPO DE PISIS

(Ferrara 1896 - Milano 1956)

Vaso con Zinnie

1939

olio su tavola

cm 60x45

firmato e datato in basso a destra

al retro etichetta Mostra di Filippo De Pisis n. 49, Ferrara 1951

Vase with Zinnie

1939

oil on board

60x45 cm

signed and dated lower right

on the reverse label Mostra by Filippo De Pisis n. 49, Ferrara 1951

GEORGES BRAQUES                                                           

(Argenteuuil 1882 - Parigi 1963)                                          

Vaso di fiori                                                             

litografia, cm 44x34 c.a.                                                 

firmato                                                                   

Flowerpot                                                                 

lithograph, cm 44x34 c.a.                                                 

signed                                                                    

ARDENGO SOFFICI

(Firenze 1879 - Forte dei Marmi 1964)        

Paesaggio                                                  

olio su tela

cm 50x40

firmato in basso a sinistra

Landscape

oil on canvas

cm 50x40

signed lower left