ARCADE | Dipinti dal secolo XVI al XX

Scuola fiorentina, fine sec. XV                                           

NATIVITÀ                                                                  

tempera su tavola, cm 65x46, altezza totale cm 130                        

Florentine school, late 15th century                                      

THE NATIVITY                                                              

tempera on panel, cm 65x46, total height cm 130                           

La composizione qui presentata, racchiusa entro un tabernacolo ligneo, è un tipico esempio della pregiata produzione delle botteghe fiorentine quattro e cinquecentesche, come quelle di Botticelli, Jacopo del Sellaio, Domenico di Zanobi e Cosimo Rosselli. Tali scene sacre, destinate soprattutto alla devozione privata all'interno di cappelle di importanti dimore, sono     contraddistinte, e così nel nostro caso, per lo schema prospettico diligentemente eseguito, uno spiccato gusto decorativo e una notevole attenzione per il dettaglio. La centina alla sommità della tavola racchiude la patetica iconografia del Vir dolorum tra due angeli in volo.                                       

Bartolomeo Biscaino                                                       

(Genova 1632  1657)                                                       

TRIONFO DI DAVID                                                          

olio su tela, cm 120x188                                                  

THE TRIUMPH OF DAVID                                                      

oil on canvas, cm 120x188                                                 

Provenienza                                                               

Genova, Rubinacci Antichità Genova, collezione privata  

Bibliografia

M. Bonzi, Il Biscaino, Savona 1940, pp. 8 e 17, illustrato a p. 9; Rubinacci Antichità, Dipinti del XVII e XVIII secolo, catalogo della mostra, Genova s.d. (ma 1968), n. 7; C. Manzitti, Per Bartolomeo Biscaino, in “Paragone” 1971, 253, pp. 37-38, fig. 22; La pittura del ‘600 a Genova, a cura di P. Pagano e M. C. Galassi, Milano 1988, ill. tav. 85; F. Lamera, Miti allegorie e tematiche letterarie per la committenza privata, in E. Gavazza, F. Lamera, L, Magnani, La Pittura in Liguria. Il secondo Seicento, Genova 1990, p. 188 e fig. 231; F. Affronti, Biscaino e Castello. Due artisti a confronto, in “La Casana” s.d., p. 46; ill. a p. 45.

Reso noto per la prima volta da Mario Bonzi nella sua pionieristica ricognizione dell’artista genovese, il dipinto qui offerto è stato in breve riconosciuto un vero e proprio caposaldo della prima attività di Bartolomeo Biscaino, intorno al 1650. Un’attività così breve, considerando la sua giovane età all’ingresso nella bottega di Valerio Castello intorno al 1649, e la morte precoce nella peste del 1657, da rendere pressoché superflue ipotesi di datazione più precise.

Giustamente Bonzi richiamava i modelli di Pellegro Piola per le figure, plastiche nella loro arrotondata fisicità ma insieme stilizzate nella cifra della Maniera, che accompagnano la scena di trionfo, e riconosceva l’ascendente di Valerio Castello nei colori acidi e squillanti, anch’essi un retaggio del tardo Cinquecento tra Genova e Milano.

Rispetto al maestro, Biscaino mostra stesure maggiormente studiate che restituiscono alla ritmata scansione delle figure una cadenza più pacata oltre che la più marcata consistenza plastica a cui si è appena accennato. I volti mostrano poi la tipica dolcezza che caratterizza sia il suo corpus pittorico che quello di disegni e incisioni.

Pacecco de Rosa

(Napoli 1607-1656)

SANTA CATERINA E SANTA DOROTEA

coppia di dipinti, olio su tela, cm 104x78,5

(2)

SAINT CATHERINE AND SAINT DOROTHEA

a pair of paintings, oil on canvas, cm 104x78,5ù

(2)

Referenze Fotografiche

Fototeca Zeri, scheda 51662

Fototeca Zeri, scheda 51663

Nulla è lasciato trasparire dei martirii ai cui furono sottoposte le due sante: sulle due tele qui offerte il napoletano Pacecco de Rosa raffigura due bellissime cortigiane i cui profili si stagliano su cieli di un azzurro intenso percorsi da candide nuvole a cui fanno da contrappunto quinte rocciose. La tipologia femminile, dai lineamenti dolci e dalla pelle immacolata, e altre riconoscibili caratteristiche quali il modo di arricchire di riflessi cangianti i suntuosi mantelli, permettono di collocare la nostra coppia di tele in prossimità di opere pacecchiane datate agli anni Quaranta, quali la Santa Barbara, già Parigi, Galerie Canesso, e la Santa Dorotea della Galerie Národní di Praga, raffigurata come nel nostro caso secondo la tradizionale iconografia che vede un putto porgerle il vassoio con tre rose e tre mele provenienti dall’orto del Signore (cfr. V. Pacelli, Giovanni Francesco de Rosa detto Pacecco de Rosa 1607 – 1656, Napoli 2008, schede 79-80, pp. 343-344). Si tratta di opere della piena maturità del pittore quando abbraccia uno stile più prossimo al purismo dominichiano.

La coppia di dipinti è stata attribuita a Pacecco de Rosa da Roberto Longhi in una comunicazione scritta alla proprietà del 7 marzo 1966.     

Scuola dell'Italia settentrionale, sec. XVII

LA TORRE DI BABELE

olio su tela, cm 115x180

North Italian school, 17th century

THE TOWER OF BABEL

oil on canvas, cm 115x180

È nella Genesi, (XI 1-9), che troviamo la descrizione della torre di Babele distrutta da Dio Padre per punire l’arroganza degli uomini: un brano che si apre a diverse interpretazioni ma che in via generale simboleggia la nascita delle differenti lingue nel mondo.

L’autore della tela presentata, quasi sicuramente un fiammingo attivo a Roma, dove folta era la colonia di pittori nordici specializzati in paesaggi con aspetti fantasiosi nonostante, come nel nostro caso, di soggetto biblico, raffigura la torre secondo l’iconografia derivata dal racconto di Erodoto, lo storico greco che descrive la grande Ziqqurat di Babilonia, terminata sotto Nabucodonosor II nel VII secolo AC, e in seguito identificata proprio con la torre di Babele, composta di otto torri una sull’altra e con in cima un tempio. La suggestiva ambientazione che sceglie per l’imponente edificio è punteggiata da massicce rocce scheggiate che si stagliano su un luminoso paesaggio marino, che sembrano voler sottolineare la sfida dell’uomo alla natura nella costruzione della torre, severamente punita dall’intervento divino simboleggiato dai dardi infuocati in primo piano.

Scuola veneta, sec. XVII

I TRE FILOSOFI

olio su tela, cm 103,5x134

Venetian school, 17th century

THE THREE PHILOSOPHERS

oil on canvas, cm 103,5x134

Eraclito e Democrito si trovano spesso raffigurati con un singolare contrasto poiché l’uno continuamente ride, l’altro invece piange. Il filosofo che ride è Democrito: se tutto è davvero una danza di atomi nel vuoto ne consegue che ogni vicenda umana deve rinunciare ad avere un senso e ridicole appaiono le preoccupazioni degli uomini che non sanno adeguare le proprie passioni a ciò che la ragione ci insegna. Al suo riso fa da contrappunto il pianto di Eraclito, il filosofo del divenire che non può distogliere gli occhi dalla caducità degli eventi e che nel tempo che travolge tutte le cose avverte la tragicità del mondo.

I due atteggiamenti emblematicamente contrapposti nei riguardi degli accadimenti terreni, simboleggiati dal globo a cui i due filosofi si rivolgono, vengono, nella tela offerta caricati sino al grottesco: l’ambientazione e il carattere semplice, quasi popolare, dei saggi, richiamano le numerose prove conosciute, ritraenti filosofi antichi, di ambito napoletano – si vedano per esempio le prove di Mattia Preti e Luca Giordano - soggetti però notevolmente diffusi anche in area veneta tra i cosiddetti pittori tenebristi.

Le smorfie grottesche sono altresì avvicinabili ad artisti nordici, per lo più fiamminghi, operanti in Italia, suggestionati a loro volta dalle ombrose atmosfere di matrice caravaggesca.

Scuola nord europa, sec. XVI

IL GIUDIZIO UNIVERSALE

olio su tavola, cm 162x141

monogrammato e datato "ME 1551 (15ME51)" in basso al centro

North European school, 16th century

THE LAST JUDGEMENT

oil on panel, cm 162x141

monogrammed and dated "ME 1551 (15ME51)" lower center

Artus Wolffort

(Anversa 1581-1641)

CRISTO ALLA PISCINA DI BETZAETA

olio su tela, cm 170x240

CHRIST IN THE POOL OF Bethesda

 oil on canvas, cm 170x240

Il tema di della Piscina di Betzaeta, desunto dal racconto del Vangelo di Giovanni circa la guarigione di un paralitico da parte di Gesù (Giovanni 5: 1-15), è stato esplorato con successo da alcuni dei più grandi artisti fiamminghi seicenteschi.

Michael Jaffé ha pubblicato una versione di questo dipinto come di Pieter van Mol (cfr. M. Jaffé, Exhibitions for the Rubens Year - II, in “The Burlington Magazine”, CXX, marzo 1978, p. 139, fig. 11) mentre altre opere con una composizione simile sono state variamente riferite a Otto van Veen, Werner van den Valkert, Claes Moeyaert e Jacob Jordaens (per un elenco completo delle versioni, cfr. H. Vlieghe, Zwischen van Veen und Rubens: Artus Wolffort (1581-1641) , ein vergessener Antwerpen Maler, in “Wallraf-Richartz-Jb.”, XXXIX, 1977, pp. 107-8, pl. 26-8 e note in calce 22-3).

Un'altra versione, di pressocché analoghe dimensioni alla nostra, lasciata in eredità alla Galleria dell'Ontario nel 1983, è considerata autografa di Artus Wolffort (Anversa, 1581 – 1641): anche per la tela presentata il nome del Wolffort è quello più probabile.

L’attività artistica di Artus Wolffort, quasi del tutto sconosciuta fino agli anni Settanta, è stata ricostruita sulla base di numerose immagini monogrammate: la maggior parte dell’opera documentata è costituita da soggetti religiosi e mitologici realizzati raffigurando figure quasi a grandezza naturale, come nel nostro caso. L'inclinazione barocca e l'atmosfera rubensiana della tela presentata suggerisce un confronto più stringente con le sue opere di età matura, dopo il 1630.

Scuola romana, sec. XVII

SOFONISBA RICEVE LA COPPA DI VELENO

olio su tela, cm 131x172

Roman school, 17th century

SOPHONISBA RECEIVING THE POISONED CHALICE

oil on canvas, cm 131x172

Il soggetto, anche identificato come Agrippina che riceve la coppa di veleno inviata da Nerone, è trattato a mezze figure, come molte opere caravaggesche, così come il naturalismo con cui sono descritti i volti risente della lezione del maestro lombardo. Tuttavia il cielo neo tizianesco e l’utilizzo di un caldo chiaroscuro hanno fatto collocare il dipinto di Simon Vouet del Museumlandscheft Hessen Kassel (inv. G. K. 571), con cui la tela presentata mostra chiaramente un rapporto di filiazione, ai primi anni romani del pittore francese.

Scuola napoletana, sec. XVII  

NATURA MORTA DI FIORI E FRUTTA                                           

olio su tela, cm 99,5x134          

Neapolitan school, 17th century

STILL LIFE WITH FLOWERS AND FRUITS

oil on canvas, cm 99,5x134         

Il dipinto è stato attribuito a Michelangelo Pace detto Campidoglio (Roma, 1610 - 1670) da Ferdinando Bologna in una comunicazione scritta alla proprietà del 2 febbraio 1972.                                                

Scuola fiamminga, sec. XVII

NATURE MORTE CON FRUTTA, FIORI, CACCIAGIONE E VASI

coppia di dipinti, olio su tavola, cm 63,5X99

Flemish school, 17th century

STILL LIFES WIT FRUITS, FLOWERS, GAME AND VASES

a pair of paintings, oil on canvas, cm 63,5x99

Bibliografia di riferimento

S. Segal, A Prosperous Past. The Sumptuous Life in The Netherlands 1600-1700, The Hague, 1988; Q. Buvelot (a cura di), Slow Food. Dutch and Flemish Meal Still Life 1600-1640, The Hague 2017.

Le due suntuose tavole che si estendono per l’intera larghezza dei dipinti contro un uniforme fondo scuro, ricche di cibi e oggetti accuratamente descritti, sono da collocare nell’ambito di quegli artisti fiamminghi e olandesi che nel primo Seicento si distinsero proprio in questa tipologia di dipinti.

Nicolaes Gillis, probabilmente di origine anversana, e il suo collega Floris van Dijck, menzionati tra i fondatori di questo genere di natura morta, lavorarono ad Haarlem, mentre di stanza ad Anversa furono Clara Peeters e Jacob Foppens van Es. Sulle tavole di questi pittori, raffigurate avvalendosi di un punto di vista piuttosto alto, come nel nostro caso, sono ricorrenti elementi che si possono osservare anche nella coppia qui offerta: preziose alzate in metallo, tazze di porcellana cinese ricolme di piccoli frutti rossi, vasi di fiori con fini decori e rare brocche di grès prodotte a Siegburg in Germania.

Luigi Amidani

(Parma 1591- post 1629)

MADONNA COL BAMBINO DORMIENTE

olio su tavola di noce, cm 35x26

MADONNA WITH SLEEPING CHILD

oil on walnut panel, cm 35x26

L'opera è corredata da una scheda di Laura Bartalucci di cui pubblichiamo un estratto:

"La piccola tavola, destinata alla devozione privata, presenta il suo consueto tema della Madonna col Bambino nella variante iconografica di Gesù addormentato, chiara prefigurazione della passione di Cristo.

L'conografia, affermatasi nel Quattrocento, fu codificata in questa particolare declinazione in ambito emiliano da Guido Reni, che dipinse più versioni con il dipinto soavemente addormentato e vegliato dalla Vergine (Roma, Galleria Doria Pamphili).

I caratteri stilistici salienti del dipinto orientano, con ogni evidenza, in direzione di un artista di sicura formazione emiliana, che sintetizza in un felice quanto accattivante connubio i modelli della tradizione pittorica parmense cinquecentesca e le novità emiliano-bolognesi di fine Cinquecento ed inizio Siecento. La cifra espressiva del nostro artista palesa una complessa stratificazione della cultura pittorica correggesco-parmigianinesca, che si spinge fino a Sisto Badalocchio e si innesta nella tradizione bolognese rinnovata dai Carracci, quella di Ludovico in particolare. Tuttavia un modello in particolare sembra essere il punto forte di riferimento dell'autore della tavoletta in esame: Bartolomeo Schedoni, che aderisce al nuovo corso carraccesco, e al quale si deve l'avvio del rinnovamento della pittura modenese del Seicento. Proprio in questo artista il recupero di Correggio, che resta una della costanti del suo percorso, si attua attraverso l'intenso Chiaroscuro di Ludovico Carracci.

E' sufficiente osservare il volto della Vergine della tavola in esame per rileva una riproposizione quasi palmare dei caratteri morfologici di molte Madonne schedoniane.  Lo stesso ovale perfetto, con larghe palpebre e sopracciglia ad arco, la caratteristica acconciatura con la scriminatura al centro e la sottile trecciuola che ferma la capigliatura. Anche l'intonazione di intimo ed affettuoso raccoglimento, l'accostante e affabile naturalezza, derivate da modelli carracceschi, la dolcezza dell'ispirazione, sono proprie di Bartolomeo Schedoni, del quale si può richiamare a confronto la bella Annunciazione di Formigine. Tuttavia nell'autore del nostro dipinto emergono impreviste e solo apparentemente anacronistiche, virate manieristiche. Basti osservare infatti il corpo del Bambino, dalla forma quasi serpentinata, con il caratteristico ventre pronunciato, le fossette che sottolieneano le articolazioni, la consistenza quasi porcellanata delle carni e le estremità innaturalmente allungate e ridotte nelle dimensioni; o il panneggio come inamidato della veste della Vergine, quasi geometrizzate, caratterizzato da piatte campiture e sottolineato dalle linee diagonali. Ritengo che questi elementi siano sufficienti per escludere a priori l'autografia della Schedoni, il quale proprio sulla scia del rinnovamento carraccesco si libera dagli schemi cifrati del tardo manierismo ancora vigenti a Modena...."

Raffaele De Grada

(Milano 1885 - 1957)

PAESAGGIO TOSCANO

olio su tela, cm 71x101

firmato in basso a destra

retro: cartiglio della XII Esposizione Internazionale d'Arte di Venezia

TUSCAN LANDSCAPE

oil on canvas, 71x101 cm

signed lower right

on the reverse: label of the XII Esposizione Internazionale d'Arte in Venice

Esposizioni

XII Esposizione Internazionale d'Arte, Venezia 1920, n. 52

Carlo Sbisà

(Trieste 1899 - 1964)

GRUPPO DI FAMIGLIA IN UN INTERNO

olio su cartone, cm 101,5x69

firmato in basso a sinistra

retro: etichetta del Concorso Pittura e Scultura "I Premi di San Remo"

A FAMILY GROUP IN AN INTERIOR

oil on cardboard, 101.5x69 cm

signed lower left

on the reverse: label of the Concorso Pittura e Scultura "I Premi di San Remo"

Esposizioni

Concorso Pittura e Scultura "I Premi di San Remo", San Remo

Pittore romano, seconda metà sec. XVIII                                   

RITRATTO DEL PRINCIPE FRANCESCO BARBERINI E DELLE DUE SUE SORELLE         

olio su tela, cm 49,5x62,5                                                   

Roman painter, second half of 18th century

PORTRAIT OF THE PRINCE FRANCESCO BARBERINI AND OF HIS SISTERS

oil on canvas, cm 49,5x62,5

Sul retro della tela originale antica iscrizione a inchiostro "Ritratto del P.pe Francesco Barberini e delle due sue sorelle".

Giacomo Francia

(Bologna, 1484-1557)

MADONNA CON BAMBINO E SAN GIOVANNINO

olio su tavola, cm 62x51

MADONNA WITH CHILD AND SAINT JOHN THE BAPTIST

oil on panel, cm 62x51

Bibliografia di riferimento

E. Negro, N. Roio, Francesco Francia e la sua scuola, Modena 1998.

Come era consuetudine i figli di Francesco Francia (Bologna, 1447-1449 circa – 1517), Giacomo e Giulio, lavorarono fin da giovanissimi nella fiorente bottega del padre: nelle opere eseguite quando ancora è in vita Francesco è quanto mai difficoltoso sia riconoscere il loro operato da quello del maestro sia distinguere le rispettive mani.

Tuttavia, grazie all’analisi delle poche opere certe - La Madonna col Bambino in trono, due angioletti, i Ss. Gervasio e Protasio e al centro le Ss. Caterina, Giustina con quattro monache benedettine, firmato “JACOBUS FRANCIA P: MDXLIII”, oggi nella chiesa di S. Maria di Piazza di Busto Arsizio, e l’ancona della chiesa di S. Cristina della Fondazza a Bologna, documentata e datata al 1551 - è stato possibile tratteggiare la fisionomia di artista di Giacomo,  caratterizzata da figure tendenti alla magniloquenza, con forme semplificate ma solide, visi tondeggianti e gesti pacati, ravvisabili anche in alcune Madonne col Bambino della fase franciana più tarda in cui la critica ha infatti ipotizzato che siano state ideate dal maestro ma eseguite con una larga partecipazione del primogenito, Giacomo appunto. È il caso della Madonna col Bambino e San Giovannino della Galleria nazionale di Parma (E. Negro, N. Roio, Francesco Francia e la sua scuola, Modena 1998, pp. 226-227, n. 125), da cui deriva l’invenzione compositiva della tavola offerta dove la robustezza dei corpi, dettata da una stesura pittorica più sintetica e compatta, rivela analogamente la mano di Giacomo Francia.

Jacob de Heusch

(Utrecht 1657 - Amsterdam 1701)

LE CASCATE DI TIVOLI

olio su tela, cm 62x100

TIVOLI WATERFALLS

oil on canvas, cm 62x100

L'opera è corredata da parere scritto di Caterina Volpi di cui pubblichiamo un estratto:

"...Il dipinto raffigura alcuni pastori che si bagnano presso il lago formato dalle cascate del Tempio della Sibilla a Tivoli, uno dei luoghi maggiormente rappresentati dai paesaggisti nordici nel corso del Seicento per la sua unica e caratteristica commistione di natura selvaggia e rovine antiche, per quell'innesto di civiltà classica in un luogo pittoresco e impervio. Infaticabili disegnatori dei luoghi della campagna romana artisti come Poelemburgh e Breemberg rappresentarono nei loro schizzi gli aspetti più tipici del luogo di Tivoli, come Gaspard Dughet che nella zona comprò perfino un terreno. Al tempo di Jacob de Heusch Tivoli veniva ritratta da Gaspar van Wittel e, poco dopo, da Franz Van Bloemen e Andrea Locatelli, diventando un topos figurativo includibile della pittura del Gran Tour (Paesaggio laziale tra ideale e reale, dipinti del XVII e XVIII secolo, catalogo della mostra (Tivoli, giugno-novembre 2009) a cura di F. Petrucci, Roma 2009).

Del quadro esiste un versione di analogo formato oggi conservata presso le Galleria dell'Accademia Nazionale di San Luca a Roma; esso faceva parte di un pendant con Paesaggio laziale con corso d'acqua e figure, di uguali dimensioni. Entrambi i dipinti che provengono dal lascito di Fabio Rosa (P. Coen, La raccolta di Fabio Rosa e il suo ingresso in Accademia di San Luca, in "Ricerche di Storia dell'Arte", 107, 2012, pp. 5-16), sono attribuiti ancora a Salvator Rosa da Susinno nel 1974, fino alla correzione apportata da Busiri Vici prima della sua monografia su Andrea Locatelli del 1976, e infine in quella dedicata al de Heusch (Busiri Vici di Arcevia, 1997, nn. 43,44, pp. 142-143). Lo stesso studioso pubblicava due pendant di formato ridotto (49x78 cm) di collezione privata a Roma che replicavano, con minime varianti, i due dipinti dell'Accademia di San Luca (Busiri Vici di Arcevia, 1997, nn. 47,48, pp. 146-147)....."

Carlo Canella

(Verona 1800 - Milano 1879)

LO SFRATTO

olio su tela, cm 89x126

retro: iscritto "Canella dip.se"

THE EVICTION

oil on canvas, 89x126 cm

on the reverse: inscribed "Canella dip.se"

Il dipinto in esame, un tempo attribuito a Giuseppe Canella, è - come confermato dalla dottoressa Flavia Pesci alla proprietà - un autografo del fratello più giovane Carlo.

Come segnalatoci dalla proprietà, della tela esiste un'altra versione attribuita a Giuseppe Canella di dimensioni inferiori (cm 72x99), di ubicazione ignota e di qualità apparentemente inferiore, che rispetto alla nostra presenta diverse varianti; inoltre, la consultazione delle mostre tenutesi a Brera in quegli anni ha rivelato la presenza di un'opera di Carlo Canella di identico soggetto nell'esposizione del 1853 col titolo "Un ricco avaro che fa eseguire contra una povera vedova e la sua famiglia, la pignorazione con espulsione forzata di casa", forse da identificare con la nostra.

Antonio Puccinelli

(Castelfranco Di Sotto 1822 - Firenze 1897)

FEDERICO BARBAROSSA VINTO DALLA LEGA LOMBARDA

olio su tela, cm 147x230

FREDERICK BARBAROSSA WON BY THE LOMBARD LEAGUE

oil on canvas, cm 147x230

Provenienza

Collezione privata, Bologna

Bibliografia

R. Panichi, Antonio Puccinelli, in "Vita d'Arte", IV, 1911, pp. 201-202

C. Del Bravo, in Mostra di disegni Italiani del XIX secolo, Firenze, 1971, p. 91 (con il titolo Battaglia di Fossalta)

C. Bon, Il Concorso Ricasoli nel 1859: le opere di pittura, in "Ricerche di Storia dell'Arte", 23, 1984, pp. 4-32

A. Borgogelli, Antonio Puccinelli a Bologna, in "'800 italiano", I, 1991, 2, pp. 11-19: 19, tav. VI

D. Durbè, Antonio Puccinelli, Roma 1997, pp. 138-141, n. 91, tavv. 88-89

L'opera è il bozzetto per il “Concorso Ricasoli” bandito a Firenze nel 1859 dal Governo provvisorio e intitolato al ministro dell’Interno, barone Bettino Ricasoli (cfr. ASF, Min. Publ. Istr., n. 156, prot. 10, affare 11, 1859).

Gherardo Poli

(Firenze 1676 - Pisa 1745)

PAESAGGIO CON SCENA DELLA COMMEDIA DELL'ARTE E ROVINE

olio su tela, cm 83x115

LANDSCAPE WITH A SCENE OF THE 'COMMEDIA DELL'ARTE' AND RUINS

oil on canvas, cm 83x115

Bibliografia di riferimento

P. Carofano (a cura di), Fantastiche vedute: la pittura di Capriccio in Toscana dal Ciafferi ai Poli, Ospedaletto (Pisa), 2006; F. Canepa, Gherardo e Giuseppe Poli: la pittura di capriccio nella Toscana di primo Settecento, Pisa 2002.

Il dipinto è corredato da parere scritto di Franco Canepa, datato 14 luglio 2018,  di cui pubblichiamo un estratto:

"....Questa vena capricciosa e satirica sfocerà, nell'opera polesca, nei paesaggi con rovine fantastiche, edifici moderni nella loro architettura ma già corrosi da una lussureggiante vegetazione, quinta teatrale alle sfilate di personaggi che, come su un palcoscenico, recitano la loro parte. Nella tela qui riprodotta, il riferimento diretto è a Jacques Callot ed in particolare alle incisioni, disegnate a Firenze ma stampate a Nancy, intitolate Balli di Sfessania, dal nome di una tipica danza sfarzesca napoletana. Le ventiquattro incisioni ritraggono i personaggi più in voga della Commedia dell'Arte e delle feste carnevalesche: le maschere, i costumi, i loro volteggi, ci trascinano sui palcoscenici ove, al ritmo sfrenato dei lazzi e frizzi, la pièce strappa il sorriso, ed i denari degli spettatori."

Scuola dell'Italia centrale, sec. XVI

SAN MARTINO DONA IL MANTELLO A UN POVERO

olio su tavola, cm 59x54

Central Italian school, 16th century

SAINT MARTIN GIVING THE CAPE TO A POOR

oil on panel, cm 59x54

Martino, un giovane soldato di cavalleria della guardia imperiale, sulla via di casa incontra un povero coperto soltanto di pochi stracci che chiede l’elemosina, seduto per terra, tremante per il freddo: la nostra bella tavola raffigura il momento in cui, sceso da cavallo, con un colpo di spada Martino taglia in due il suo bel mantello per regalarne una parte. La tipologia dei volti e il paesaggio terso sullo sfondo risentono

degli splendidi risultati raggiunti da Raffaello e dalla sua fervida bottega nei primi decenni del Cinquecento.

Scuola dell'Italia centrale, sec. XVIII

MADONNA COL BAMBINO E LE ANIME DEL PURGATORIO

olio su tela, cm 286X159

Central Italian school, 18th century

MADONNA WITH CHILD AND PURGATORY SOULS

oil on canvas, cm 286x159

Scuola napoletana, sec. XVII

MADONNA COL BAMBINO TRA I SANTI FRANCESCO, GIOVANNI BATTISTA E GIOVANNI EVANGELISTA

olio su tavola, cm 53x36

Neapolitan school, 17th century

MADONNA WITH CHILD, SAINT FRANCIS, SAINT JOHN THE EVANGELIST AND SAINT JOHN THE BAPTISTE

oil on panel, cm 53x36

Per la stringente analogia compositiva e stilistica il dipinto è senz’altro da mettere in relazione alle due tele, riconosciute come autografe, di Battistello Caracciolo e conservate l’una presso la Pinacoteca comunale di Gubbio e l’altra segnalata da Roberto Longhi già nella collezione di Angelo Cecconi a Firenze e nota attraverso due fotografie in bianco e nero (cfr. S. Causa, Battistello Caracciolo, Napoli 2000, schede A94 e A95, p. 199, figg. 288 e 289, p. 295).

Si segnala inoltre che la versione qui offerta, con un portale architravato sormontato da una finestra rettangolare con grata, come nell’opera già proprietà Cecconi con la quale condivide anche le proporzioni tra figure e ambientazione, è stata eseguita su tavola.

Giuseppe Zais

(Forno di Canale 1709 – Treviso 1781)

PAESAGGI FLUVIALI CON FIGURE

coppia di dipinti, olio su tela, cm 72x54

(2)

RIVER LANDSCAPES WITH FIGURES

a pair of paintings, oil on cavas, cm 72x54

(2)

Scuola toscana sec. XVI

SACRA FAMIGLIA CON SAN GIOVANNINO

olio su tavola, cm 42x32

Tuscan school, 16th century

HOLY FAMILY WITH SAINT JOHN THE BAPTIST

oil on panel, cm 42x32

La composizione, per quanto riguarda le figure, riprende la tavola di Domenico Puligo (1492-1527) conservata alla Galleria Borghese a Roma.

Giovanni Paolo Castelli detto Spadino

(Roma 1650-1740)

NATURA MORTA CON BICCHIERI, UCCELLINI E BISCOTTI

olio su tela, cm 66x50,5

STILL LIFE WITH GLASSES, BIRDS AND BISCUITS

oil on canvas, cm 66x50,5

Il dipinto è corredato da parere scritto di Ferdinando Arisi che pubblichiamo integralmente:

"Questa natura morta con dei biscotti, una melagrana, dei fiori, dei vetri preziosi e degli uccellini morti (olio su tela, m. 0,55x0,505) va riferita a Giovanni Paolo Spadino (Roma 1650 c.-1740) sulla scia di Christian Berentz e in stretta contiguità con Cristoforo Munari nato dalla stessa matrice e operante accanto a lui sia a Roma che a Firenze. Al Munari, infatti, si penserebbe alla prima per le luci che toccano i vetri e per la cura e per la cura con la quale sono resi i biscotti, ma il cromatismo caldo e il fervore rilevabile sulla melagrana spaccata, nei fiori e negli uccellini morti portano decisamente verso lo Spadino. Basta, per convincersene, il confronto con la natura morta, firmata a tutte lettere (già nella collezione Nigro di Genova) illustrata da Giuseppe De Logu in "Natura morta italiana" (Bergamo 1962, Tav. 57) utile anche perché permette di stabilire un confronto tra gli stessi elementi della composizione.

E' un dipinto di alta qualità godibile in ogni parte grazie al perfetto stato di conservazione."  

Scuola fiorentina, sec. XVI

SANTA CATERINA D'ALESSANDRIA E SANT'AGATA

coppia di dipinti, olio su tela, cm 30X21,5

(2)

Florentine school, 16th century

SAINT CATHERINE OF ALEXANDRIA AND SAINT AGATHA

a pair of paintings, oil on canvas, cm 30x21,5

(2)

Le due sante che si stagliano su un fondo scuro attraverso una libera pennellata che fa brillare i profili delle pieghe delle vesti di iridescenze colorate sono state ricondotte con certezza da Mario Bucci (lettera manoscritta al proprietario) alla mano di Giovanni Battista Naldini (Fiesole, 1537 – Firenze, 1591), aiuto di Pontormo e collaboratore di Giorgio Vasari all’interno di molti cantieri decorativi.

Lo studioso sottolineava come il profilo di Santa Caterina fosse quasi identico a una delle figure femminili dell’Allegoria dei sogni, dipinta da Naldini per lo Studiolo di Francesco I, proponendo una datazione prossima alla partecipazione del pittore a questa importante impresa pittorica, entro il 1570-74.

Scuola fiamminga, sec. XVII

RITRATTO DI BAMBINO

olio su tela, cm 49x35,5

Flemish school, 17th century

PORTRAIT OF A CHILD

oil on canvas, cm 49x35,5

Il ritratto mostra la straordinaria perizia della scuola fiamminga nella descrizione degli abiti e degli ornamenti degli effigiati, volti all’immediata comprensione dello status sociale di appartenenza. Come consuetudine la veste dei bambini, aveva come modello gli abiti degli adulti, completa di corpetti e polsini ricamati, candide gorgiere strette al collo e gioielli: nel nostro caso alla lunga collana in corallo è agganciata un’importante croce di oreficeria decorata con i simboli della Passione. Unica concessione alla fanciullezza il sonaglio con fischietto trattenuto nella mano destra, anch’esso però di superba fattura, con un corno di osso a una delle estremità e finimenti dorati. Tutti questi elementi permettono di ipotizzare l’alto rango dell’effigiato di cui rimane al momento ignota l’identità.

I confronti più stringenti si trovano nell’ambito dei ritrattisti di Anversa, attivi a cavallo tra il Cinquecento e il Seicento, tra i quali si ricorda Paul van Somer (Anversa, 1576 ca. – Londra, 1621).

Scuola emiliana, sec. XVII

SAN GEROLAMO NEL DESERTO

olio su tela, cm 170x118

Emilian school, 17th century

SAINT JEROME IN THE DESERT

oil on canvas, cm 170x118

Il tema del penitente chiamato dalla tromba del Giudizio Universale è raffigurato nel dipinto offerto utilizzando l’analogo schema compositivo, caratterizzato da un ardito scorcio della figura, della tela di Pier Francesco Mola (Coldrerio, 1612 – Roma, 1666) conservata presso la Galleria Colonna di Roma (cfr. F. Petrucci, Pier Francesco Mola (1612-1666). Materia e colore nella pittura del ‘600, Roma 2012, scheda B74, p. 335).

Nel nostro caso un più accentuato sviluppo in verticale, lascia maggiore spazio al cielo corrusco di ispirazione neoveneta e guercinesca.