DIPINTI ANTICHI

Scuola abruzzese, inizi sec. XV

MADONNA CON BAMBINO

in legno con tracce di policromia, alt. cm 96

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Andrea Scacciati

(Firenze, 1642-1710)

VASO DI FIORI ALL’APERTO, SU UNA PIETRA; SULLO SFONDO, PIANTE SELVATICHE E UN TAPPETO, CON URNA E VASI METALLICI SU UN PIEDISTALLO

olio su tela, cm 125x180,5

firmato e datato: "A. Scacciatj 1679" in basso a destra su una pietra (le C incrociate)

Provenienza

New York, Sotheby’s, 19 Gennaio 1984, n. 62.

Bibliografia

L. Salerno, La natura morta italiana 1560-1805, Roma 1984, p. 297, fig. 84.1.

M. Cinotti, Catalogo della pittura italiana dal 300 al 700, Milano 1985, p. 307.

G. e U. Bocchi, Naturaliter. Nuovi contributi alla natura morta in Italia settentrionale e Toscana tra XVII e XVIII secolo, Casalmaggiore 1998, p. 498, fig. 626.

S. Bellesi, Catalogo dei pittori fiorentini del 600 e 700: biografie e opere, Firenze 2009, I, p. 252.

S. Bellesi, Andrea Scacciati pittore di fiori, frutta e animali a Firenze in età tardobarocca, Firenze 2012, p. 110, n. 20.

Pubblicata per la prima volta da Luigi Salerno nel 1984, questa sofisticata composizione di Andrea Scacciati è stata ripetutamente celebrata come uno dei capolavori dell’artista fiorentino.

La storia del nostro dipinto è stata doviziosamente ricostruita da Sandro Bellesi attraverso stringenti confronti con un gruppo di opere analoghe per imponenza di formato e per impianto compositivo. Si menzionano in particolare la coppia di tele, di cui una firmata e datata 1678, che, esposte nel 1964 alla storica mostra sulla natura morta italiana tenuta a Napoli, a Zurigo e a Rotterdam, segnarono in qualche misura la riscoperta di Andrea Scacciati, fino a quel momento confuso con altri fioranti, e la sua consacrazione tra i protagonisti della natura morta barocca (La natura morta italiana. Catalogo della mostra, Milano 1964, pp. 79-80, nn. 166-167, tavv. 76 a-b).

Al pari del nostro dipinto, le tele citate raffigurano una variazione sul tema, assai familiare all’estetica barocca, del paragone tra natura e artificio accostando un bouquet di fiori variopinti raccolti in un vaso sbalzato a una pianta selvatica, fiorita spontaneamente sul terreno sassoso.

Impreziosiscono la nostra composizione i vasi in metallo e il tappeto dalla frangia dorata posti a sinistra, motivi che confermano la relazione intrattenuta da sempre da Scacciati con la scuola romana, sottolineata per la prima volta da Mina Gregori nel 1964 a proposito della sua produzione di fiori.

Insolita l’ambientazione notturna, che non riscontriamo nelle altre sue composizioni all’aperto fin qui note: una scelta atta a far risaltare la brillante cromia dei suoi fiori recisi, anemoni e tulipani in tutte le gradazioni del rosa, le pieghe sontuose del panno con la bordura dorata e i bagliori metallici.

Pittore olandese, sec. XVII

RITRATTO DI GENTILUOMO E GENTILDONNA CON GORGIERA

coppia di dipinti ad olio su tavola, cm 32x25

(2)

Provenienza

Collezione Duca di Norfolk;

Christie's, Londra, 24 luglio 1970, n. 53

Collezione privata

Scuola romana, metà sec XVI

TESTA DI DONNA

olio su tavola, cm 49,5x41

La tavola serba il ricordo della celebre Cleopatra che Michelangelo donò a Tommaso Cavalieri, nobiluomo romano conosciuto dall’artista nel 1532. L’immagine michelangiolesca, che si diffuse attraverso copie sia grafiche che dipinte (D’Aprés Michelangelo, a cura di Alessia Albert, Alessandro Rovetta, Claudio Salsi, Venezia 2015, pp. 890-93), ritorna nel moto impresso al capo, suggerito anche dal ricadere della capigliatura su un lato e nella bocca che si schiude in un contenuto accenno di dolore.

L’autore può essere pertanto collocato in ambito romano, verso la metà del Cinquecento, in contatto con i più innovativi circoli culturali della città.

Attribuiti a Pier Francesco Garola

(Torino, 1638 - Roma, 1716)

PROSPETTIVA ARCHITETTONICA CON IL RITORNO DEL FIGLIOL PRODIGO             

PROSPETTIVA ARCHITETTONICA CON LA PARTENZA DEL FIGLIOL PRODIGO            

coppia di dipinti ad olio su tela, cm 116,5x146,5                         

(2) 

Provenienza

Collezione privata

Bibliografia di riferimento

G. Sestieri, Il capriccio architettonico in Italia nel XVII e XVIII secolo, Foligno, 2015, II, pp. 62-81.

La complessità delle prospettive architettoniche qui presentate, animate da vivaci figurine, e la loro impostazione scenografica palesemente legata al mondo degli allestimenti teatrali suggeriscono di ricondurre la coppia di tele alla produzione di Pier Francesco Garola, autore di vedute interne delle principali basiliche romane ma anche di prospettive di invenzione, alcune delle quali accostabili alle nostre sotto il profilo stilistico e compositivo.

Tra queste possiamo citare due opere pubblicate da Giancarlo Sestieri nei volumi sul capriccio architettonico edito nel 2015 (II, p. 80, figg. 26 a-b): il pendant attribuito a Pier Francesco Garola (e un tempo ad Alberto Carlieri; ubicazione ignota, già Padova Galleria Antiquaria G. Morosini), raffigura le storie di David sullo sfondo di due archi a serliana che possono essere accostati a quello presente nel nostro dipinto col ritorno del figliol prodigo.

Architetto e pittore di prospettiva formatosi tra Venezia, Bologna e Firenze, Pier Francesco Garola perfeziona il suo stile durante un soggiorno in Emilia dove poté osservare attentamente lo stile e la tecnica di pittori quadraturisti come Girolamo Curti, Giovanni Antonio Mannini e Angelo Michele Colonna. Nel 1668 si trasferisce a Roma dove acquista notorietà come pittore di vedute tanto da ricevere l'incarico di maestro di prospettiva all'Accademia di San Luca.  

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Scultore del sec. XVIII

GANIMEDE

marmo, alt. cm 88

Provenienza

Collezione privata

Giovan Battista Ruoppolo

(Napoli, 1629 – 1693)

FRUTTA AUTUNNALE ALL’APERTO

olio su tela, cm 128x131

Esposizioni

"Arte e vino", Verona, Palazzo della Gran Guardia, 11 aprile - 16 agosto 2015

Bibliografia

Arte e vino, catalogo della mostra a cura di A. Scarpa e N. Spinosa, Milano, 2015, p. 304, n. 107, illustrato a p. 190

Restituita a Giovan Battista Ruoppolo da Mina Gregori in una comunicazione privata alla proprietà, la splendida natura morta di frutta qui presentata costituisce forse il vertice della produzione del pittore napoletano. Confrontabile con numerose tele da tempo note, e in particolare con la natura morta firmata per esteso a Napoli in raccolta privata, più volte pubblicata ed esposta (R. Middione, Giovan Battista Ruoppolo, in La natura morta in Italia. Milano 1989, II, pp. 916-17, fig. 1106, con ulteriore bibliografia) il nostro dipinto unisce la cura nella riproduzione naturalistica dei diversi tipi di frutta (si veda la varietà, oggi scomparsa, delle pere estive e autunnali) a una sontuosa presentazione a cascata della pergola d’uva bianca e dei meloni, che ancorano la composizione sul terreno.

Situato all’intersezione tra il naturalismo della prima natura morta napoletana e la virata in direzione del Barocco impressa al genere dall’arrivo a Napoli di Abraham Brueghel nel 1675, il dipinto si segnala altresì per la materia spessa e corposa che individua, graduandone lo spessore, la specificità delle superfici e restituisce così le caratteristiche tattili delle diverse varietà di frutta disposte a cascata sul terreno.

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Scuola di Jacopo Bassano, sec. XVII

IL SACRIFICIO DI NOE'

SCENA PASTORALE O LA PARABOLA DEL SEMINATORE                              

due dipinti ad olio su tela, cm 158x224

(2)                                                                       

Provenienza

Collezione privata

I due dipinti qui presentati sono repliche di discreta qualità da modelli del pittore Jacopo Bassano (1515 ca - 1592).

Il dipinto originale raffigurante il Sacrificio di Noè fu eseguito nel 1574 ed è oggi conservato nei Palazzi Statali di Postdam in Germania. Si conoscono varie repliche del dipinto, due di queste catalogate nella Fototeca della Fondazione Zeri; la prima (scheda n. 42905) passata in asta da Christie's a Londra il 26 marzo del 1971 come Jacopo Bassano e precedentemente appartenuta a varie collezioni private inglesi dal 1682.

Un altro esemplare (scheda 40472), attribuito al figlio terzogenito di Jacopo, Leandro Bassano (1557-1622), proveniva dal Landesmuseum di Oldenburg in Germania ed è poi apparso sempre da Christie's a Londra il 4 giugno 1965. Un'ulteriore opera è catalogata nella Fototeca della Fondazione Giorgio Cini (scheda 401764) e rappresenta un frammento della parte destra dell'originale oggi conservato alla Walker Art Gallert di Liverpool; le repliche successive, eseguite dalla bottega di Jacopo, derivano probabilmente da quest'ultima versione. Il nostro dipinto presenta alcune varianti rispetto alla composizione originale.

La Scena pastorale, datata 1560 circa, è conservata nella collezione Thyssen Bornemisza di Madrid ed è pubblicata in P. Zampetti, Jacopo Bassano, 1957, p. 208; il dipinto rimase nella collezione Thyssen di Villa Favorita a Lugano fino al 1992. Come per la prima opera anche questa presenta alcune varianti rispetto all'originale, soprattutto nel paesaggio e negli utensili poggiati a terra.

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Scuola romana del sec. XVII

PAESAGGIO CON FIGURE PRESSO UN FIUME

PAESAGGIO CON DONNA E FANCIULLO

coppia di dipinti ad olio su tela, cm 130x94,5

(2)

Provenienza

Collezione privata

Gasparo Lopez, detto Gasparo dei Fiori

(Napoli, 1650 - Firenze, 1740)

COMPOSIZIONI FLOREALI CON FONTANA

COMPOSIZIONI FLOREALI ALL'APERTO

coppia di dipinti ad olio su rame, cm 24,5x69

(2)                                       

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Scuola piemontese, sec. XVIII

ALLEGORIA DELL'AMORE

olio su tela, cm 62,5x106                                 

Cerchia di Giuseppe Bonito, sec. XVIII

INTRATTENIMENTO MONDANO CON DANZATORI

SCENA DI GENERE CON GIOCATORI DI CARTE E MUSICISTI

coppia di dipinti ad olio su tela, cm 75x102,5     

(2)                                           

Scuola tedesca della cerchia del Giambologna, primi anni del sec. XVII

CRISTO CROCIFISSO E CARTIGLIO

bronzo dorato, sec. XVI, corpus cm 31x30, aureola, cm 5, cartiglio cm 5,7x7,5

Il bronzo è corredato da parere scritto di Giancarlo Gentilini

Bibliografia di riferimento

Giambologna, an exhibition of sculpture by the master and his followers from the collection of Michaell Hall, catalogo della mostra a cura di C. Avery, New York 1998.

Repertorio della scultura fiorentina del Cinquecento, a cura di G. Pratesi, Torino 2003.

Pietro Tacca. Carrara, la Toscana, le grandi corti europee, catalogo della mostra (Carrara) a cura di F. Faletti, Firenze 2007.

Il tema del Cristo “vivo” di questo bronzo finemente cesellato richiama la tipologia inaugurata da Giambologna nel piccolo Crocifisso eseguito nel 1578 per l’altare maggiore della Santissima Annunziata di Firenze, un’opera più volte replicata nella bottega e nella cerchia dello scultore. Ritornano assai simili la conformazione e finitura della testa e la postura in contrapposto del corpo.

L’accentuazione drammatica che qui si coglie nel doloroso lamento che pervade il volto, nelle braccia percorse da vistose vene e ancora nel perizoma dalle pieghe increspate, ha indotto il prof. Giancarlo Gentilini a ritenerlo eseguito da un artista nordico.

Nel parere scritto, che accompagna il Crocifisso qui presentato, lo studioso indica, fra i giovani forestieri che entrarono in contatto con la bottega fiorentina del Giambologna, il bavarese Hans Reichle (Shongau, 1565/70 - Bressanone, 1642), scultore assai dotato nell’arte del bronzo e nella plastica fittile, come il più plausibile autore.

Il Reichle è attestato presso l’officina giambolognesca dal 1588 al 1595, periodo durante il quale collaborò alla realizzazione del monumento equestre a Cosimo I e agli apparati per le nozze di Ferdinando I.

Nel 1601, tornato in Toscana dopo una parentesi a Bressanone dove modellò per il cardinale Andreas von Habsburg 44 statue in terracotta tinte a imitazione del bronzo, eseguì uno dei rilievi che andarono a decorare le porte del Duomo di Pisa: nell’Adorazione dei Pastori della cattedrale pisana ritorna la forte espressività del nostro Cristo e un analogo gusto decorativo nei capelli e nelle barbe minuziosamente lavorati e nell’attenta resa delle vesti. Altresì in alcuni bronzetti autonomi restituiti alla mano del Reichle, quali l’Allegoria della Primavera di Dresda (Staatliche Kunstsammlungen), datata anch’essa intorno al 1601, si possono notare i medesimi stilemi, tanto da collocare anche la scultura offerta nei primi anni del XVII secolo.

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Ubaldo Gandolfi

(San Matteo della Decima, 1728 – Ravenna, 1781)

SAN GIUSEPPE CHE LEGGE

olio su tela, cm 87x69

Opera corredata da parere scritto di Donatella Biagi Maino, Bologna, 18 febbraio 2013

Bibliografia di riferimento

D. Biagi Maino, Ubaldo Gandolfi, Torino 1990.

Gaetano e Ubaldo Gandolfi. Opere scelte, catalogo della mostra a cura di D. Biagi Maino (Cento 2002), Torino 2002.

Ubaldo Gandolfi può rientrare a buon diritto tra i protagonisti della pittura italiana del secondo Settecento grazie alla sua ineccepibile maniera fondata sulla sicurezza del disegno di matrice bolognese, la gradevolezza della tavolozza debitrice della cultura veneta e l’ispirazione poetica delle sue composizioni.

Ne è prova l’insolita raffigurazione di San Giuseppe di questa tela, dove il padre putativo di Gesù è assorto nella lettura secondo una rara iconografia da letterato cara al Gandolfi, che la replica infatti anche nella figura di Gioacchino della pala con l’Educazione di Maria commissionatagli nel 1779 (cfr. Gaetano e Ubaldo Gandolfi. Opere scelte, catalogo della mostra a cura di D. Biagi Maino, Torino 2002).

Una datazione sul finire degli anni Settanta del Settecento è quella proposta per il dipinto qui offerto nel parere scritto di Donatella Biagi Maino (18 febbraio 2013) che cita l’altra versione di Gandolfi del San Giuseppe leggente oggi conservata presso le Collezioni Comunali di Bologna, in controparte e con qualche variante, secondo la studiosa di poco successiva.

Si segnala infine sulla tela qui presentata il suggestivo effetto del trascolorare del cielo sullo sfondo che fa da contrappunto alla solenne colonna sulla destra, facendo risaltare la figura del santo.

Al retro, sul telaio, è presente l’etichetta della Mostra del Settecento Bolognese tenutasi presso il Palazzo D’Accursio di Bologna nel 1935 e curata da Roberto Longhi e Guido Zucchini.     

Scuola veneziana, sec. XVIII

LA PRIMAVERA

L'INVERNO

coppia di dipinti ad olio su tela, cm 73x59,5

(2)

Scuola toscana, seconda metà sec. XIV

CRISTO CROCIFISSO

in legno intagliato, alt. cm 83

Scuola bolognese, sec. XVIII

ARMIDA TENTA DI UCCIDERE RINALDO

RINALDO NEL GIARDINO DI ARMIDA

coppia di dipinti ad olio su tela, cm 66x93,5

(2)

La coppia di dipinti qui offerta ripete due fortunate composizioni della prolifica bottega di Marcantonio Franceschini (1648-1729) e di Luigi Quaini (1643-1717). Entrambi allievi di Carlo Cignani, collaborarono in commissioni pubbliche e private, per affreschi e dipinti da stanza in cui Quaini eseguì di preferenza gli sfondi architettonici e paesistici e più occasionalmente le figure, specialità invece del Franceschini; quest’ultimo fu altresì responsabile delle “invenzioni” e dei relativi disegni preparatori.

Il primo dipinto ripete con alcune varianti la tela assai nota ora all’Accademia Albertina di Torino, proveniente da palazzo Balbi a Genova, dove è documentata da un inventario del 1740, e probabilmente identificabile con una delle due “favole del Tasso” commissionate al Franceschini da Niccolò Tassorello di Genova nel 1707; l’altra “favola” citata dai documenti e anch’essa all’Albertina ritrae invece l’arrivo di Erminia tra i pastori, noto a sua volta in varie repliche, alcune documentate.

Più raro il soggetto del secondo dipinto, conosciuto fino a poco tempo fa in un’unica versione ora a Bologna nella collezione di Marco Galliani dove si accompagna a un episodio diverso della Gerusalemme Liberata, la partenza di Rinaldo. Come è stato autorevolmente supposto (D. Miller, Marcantonio Franceschini, Torino 2001, pp. 116-17, cat. 21 a-b; tav. XXXIX) questa coppia può identificarsi con due dei quattro dipinti di Luigi Quaini ricordati da Giampietro Zanotti in casa di Pietro Casolari a Bologna: “l’Armida nel giardino incantato con Rinaldo che lascivamente le posa in grembo; e la stessa Armida svenuta nel vedersi da Rinaldo abbandonata” (G. Zanotti, Storia dell’Accademia Clementina, I, Bologna 1739, p. 204), probabilmente gli stessi di cui il Libro dei Conti di Franceschini registra la commissione nel 1706, con il primo dipinto da eseguirsi appunto dal Quaini. A questa prima versione se ne è aggiunta recentemente un’altra, anch’essa di Luigi Quaini, in collezione privata a Treviso, forse identificabile con il dipinto commissionato nell’ottobre del 1708 dal signor Federico Antonio Sardini, Lucchese (Il Libro dei Conti di Marcantonio Franceschini. A cura di Dwight C. Miller e di Fabio Chiodini, Bologna 2014, tav. XCI; p.175, entrata 438).

Anche l’invenzione di questo soggetto spetta però al Franceschini, come può dedursi da una sua lettera ad Alessandro Marchesini “Disegnai tempo fa un pensiero che per anche non ho dipinto et è Rinaldo et Armida nel giardino è un altro soggetto da Armida che vuole uccidere Rinaldo dormiente con amori e femine in vago paese”. Il disegno non è stato rintracciato.

Mentre il nostro Rinaldo nel giardino di Armida ripete le versioni già note anche sotto il profilo stilistico e con minime varianti nel paesaggio a sinistra, l’Armida tenta di uccidere Rinaldo diverge dall’esemplare torinese per la presenza, alle spalle del cavaliere addormentato, di un amorino che fa segno di tacere. Questo particolare è presente invece nel disegno preparatorio per l’intera composizione alla Fondazione Cini di Venezia (inv. 1477; Il Libro dei Conti… cit., p. 338, tav. XLVI) e nel dipinto ora al Museo Civico di Modena, a cui la nostra versione si accosta anche per altri particolari, quali il panneggio di Armida e le armi in primo piano (cfr. D. Miller, Marcantonio Franceschini and the Liechtenstein, Cambridge 1991, tav. III, per il dipinto, allora in collezione privata modenese).

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Francesco Solimena e aiuti, sec. XVIII

MADONNA COL BAMBINO

olio su tela, cm 72x65,5   

Provenienza

Collezione privata

La tela qui offerta costituisce un ottimo esempio della produzione che Francesco Solimena, coadiuvato dalla bottega, seppe destinare alla devozione domestica di collezionisti privati desiderosi di possedere un saggio dell’attività del maggiore artista napoletano del suo tempo. Più volte replicata, ma non sempre in modo altrettanto felice, la nostra Vergine col Bambino costituisce un’invenzione originale e non il semplice adattamento di una composizione maggiore. Il forte risalto plastico delle figure sottolineato dal chiaroscuro ne suggerisce una datazione nei primi anni del Settecento.

Michele Pagano

(Napoli, 1697-1732)

PAESAGGIO CON DIANA E CALLISTO

PAESAGGIO CON GIOVE E ANTIOPE

coppia di dipinti ad olio su tela ovale, cm 127,5x96,5

(2)

Le inedite tele qui offerte devono essere ricondotte al catalogo del paesista napoletano Michele Pagano, ricostruito da Salvatore Abita grazie a un cospicuo numero di opere firmate e datate a partire dal 1719 (Michele Pagano, un paesista a Napoli nel Settecento, in “Bollettino d’Arte” 61, 1976, pp. 188-92). In particolare, i nostri dipinti vanno accostati alla coppia di tele ovali con scene mitologiche su sfondo di paesaggio, firmate e datate del 1728 pubblicate per la prima volta dallo studioso (Abita, 1976, figg. 11 e 13) e nuovamente riprodotte da Nicola Spinosa (Pittura napoletana del Settecento. Dal Barocco al Rococò, Napoli 1988). È possibile anzi che le nostre tele, di uguale formato e identiche nel rapporto tra paese e figure, siano nate in pendant con la coppia citata, che a questa si lega anche per la presenza dell'episodio di Diana e Atteone raffigurato in una di esse.

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Francesco Graziani, detto Ciccio Napoletano       

(attivo a Napoli e a Roma nella seconda metà del XVII secolo)

SCONTRO DI CAVALIERI

PRIMA DELLA BATTAGLIA

coppia di dipinti ad olio su tela, cm 25,5x47      

al retro delle tele sono presenti i numeri 34 e 35 ripetuti anche sulla cornice        

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Provenienza

Collezione privata

Bibliografia di riferimento

G. Sestieri, I pittori di battaglie. Maestri italiani e stranieri del XVII e XVIII secolo, Roma 1999, pp. 33 s., 94-97, 162, 360-371, 476, 662-663.

Nonostante siano esigui i dati certi riguardanti la formazione e la successiva attività di Francesco Graziani, detto Ciccio Napoletano, è noto dalle fonti che nell’ ultimo decennio del XVII secolo è pittore assai affermato presso la committenza romana soprattutto come battaglista.

Integrato nella tradizione della pittura di battaglia inaugurata a Napoli da Belisario Corenzio, si mostra in particolar modo suggestionato dall’esperienza di Micco Spadaro e Filippo napoletano, ravvivata dalle innovazioni di Courtois, accentuando inoltre le tendenze decorative dell’incipiente gusto rococò della scuola napoletana e romana.

La coppia qui offerta bene si inserisce nel nutrito catalogo a lui ricondotto, caratterizzato da numerose tele di piccolo formato, per le animate figurine che grazie al loro vibrante cromatismo si stagliano sui toni azzurrati dello sfondo.

Artista della metà del sec. XVIII

BUSTO DI TIBERIO CESARE GEMELLO

in marmo bianco, alt. cm 40, con la base cm 50

Provenienza

Collezione privata

Tiberio Cesare Gemello (20 d.C.-37 d.C.), destinato a diventare imperatore dopo il nonno Tiberio, venne ucciso all'età di soli diciassette anni dal cugino Caligola che voleva essere unico regnante.

Il popolare appellativo con cui è conosciuto deriva dal fatto di essere nato da un parto gemellare che fu celebrato in alcune rappresentazioni monetali, come simbolo di fecondità e prosperità della dinastia imperiale.

Nonostante ancora di giovane età il bambino è rappresentato con la toga imperiale romana, fermata sulla spalla destra da una bulla, che denuncia la nobile stirpe di appartenenza; infatti il padre Druso Minore era figlio dell'imperatore Tiberio.

La classicità dell'impianto risponde a un gusto tipico del Settecento secolo a cui si ascrive questo elegante busto.

È possibile trovare un riferimento per l'iconografia del nostro busto nel ritratto di Tiberio Gemello da bambino custodito presso l'Allard Pierson Museum di Amsterdam.

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Artista veneziano, fine sec. XVIII

VEDUTA DEL CORTILE DI PALAZZO DUCALE

olio su tela, cm 87x134

La bella veduta qui offerta raffigura il cortile del palazzo dei Dogi mostrando, nella luce pomeridiana, i risalti della facciata orientale del palazzo, ricostruita da Antonio Rizzo dopo l’incendio del 1483 e rifinita dopo il 1498 dalle decorazioni marmoree di Pietro Lombardo. In fondo, la scala detta “dei Giganti”, capolavoro del Rizzo, caratterizzata dalle figure monumentali di Nettuno e Mercurio scolpite dal Sansovino nel 1566 quali simbolo della potenza della Serenissima. Al centro, il maestoso arco Foscari conclude l’omonimo porticato sul lato settentrionale, da cui emergono le cupole della basilica marciana. Prediletto dagli allievi di Giovanni Migliara, e in particolare da Federico Moja negli anni del quinto decennio dell’Ottocento, questo soggetto compare invece più raramente tra i vedutisti del Settecento, nonostante le splendide interpretazioni del Canaletto, di Michele Marieschi e di Antonio Joli.

A queste si aggiungono l’incisione dello stesso Marieschi, fondamentalmente corrispondente alle sue vedute dipinte, preceduta da quelle di Domenico Lovisa (1717) e di Luca Carlevarijs, del1703 (cfr. Dario Succi, La Serenissima nello specchio di rame, Venezia 2013, I, pp. 44, 78, 128, 130).

È appunto dalla stampa di Carlevarijs, preparata da un disegno al British Museum, che il nostro dipinto riprende il taglio dell’ombra che, unico caso tra le diverse versioni note, avanza ben oltre il centro della veduta. Del tutto originali sono invece i gruppi di figurine ancora affaccendate nel crepuscolo della sera, in qualche modo reminiscenti degli esempi di Bernardo Canal (1664-1744) autore, non a caso, di una veduta di questo stesso soggetto.

Artista bolognese, inizi sec. XVIII

TRIONFO DI DAVID

olio su tela, cm 169x117

Il dipinto si presenta quale efficace espressione del mutamento di gusto nella pittura bolognese della seconda metà del Seicento, improntato verso una tendenza maggiormente classicista.

Il dettaglio macabro della testa di Golia infilzata alla sommità della spada di David si stempera tra la gentilezza formale delle figure e la generale pacatezza della composizione, dettate dalla fusione del correggismo, che a partire da Francesco Albani influenzò molti artisti bolognesi, e dal raffaellismo di stampo reniano.

Cornelis de Wael

(Anversa, 1591 – Roma, 1667)

VEDUTA DI PORTO CON GALEA E VELIERI OLANDESI

olio su tela, cm 102x147

Bibliografia di riferimento

Van Dyck a Genova. Grande pittura e collezionismo, catalogo della mostra (Genova 1997) a cura di S. J. Barnes, P. Boccardo, C. Di Fabio, L. Taglaferro, Milano 1997, pp. 342-349; A. Orlando, Pittura fiammingo-genovese: nature morte, ritratti e paesaggi del Seicento e primo Settecento: ritrovamenti dal collezionismo privato, Torino 2012, pp. 103-105.

Figlio e allievo di Jan de Wael, Cornelis de Wael si trasferisce stabilmente a Genova nel 1619, quando il fratello Lucas prende in affitto una casa che diventerà un punto di riferimento per tutti gli artisti fiamminghi transitanti nel capoluogo ligure, compreso il celebre Anton Van Dyck.

Numerosi sono i quadri di Cornelis descritti negli inventari genovesi del XVII e XVIII secolo come Battaglia navale, Diversità di vascelli o Marina, a testimonianza della fortuna di questo genere pittorico presso la committenza genovese. Il dipinto qui offerto è un bell’esempio della bravura del pittore fiammingo di inserire in un’ampia veduta l’animazione di un porto, descrivendo dettagliatamente le figure impegnate in svariate attività.

La maniera assai meticolosa con cui sono state realizzate le imbarcazioni, protagoniste della porzione destra della scena, permette di ipotizzare l’intervento di uno specialista del genere, Andreas van Ertvelt, documentato dal 1627 a Genova, di cui Cornelis spesso si avvalse per soddisfare le numerose commissioni della sua casa-bottega, organizzata come una vera e propria impresa.

Si ringrazia Anna Orlando per aver precisato l’attribuzione a Cornelis de Wael con la collaborazione di Andreas van Ertvelt.

L’opera sarà pubblicata dalla studiosa in Van Dyck e i suoi amici. Fiamminghi a Genova 1600-1640, catalogo della mostra a cura di Anna Orlando (Genova, Palazzo della Meridiana, 9 febbraio – 10 giugno 2018), Sagep, Genova 2018 (in c.d.s.).

Scuola napoletana, sec. XVIII

RITRATTO DI GIOVANNI BATTISTA PETRUCCI

olio su tela, cm 97x74

Sulla colonna a sinistra è riportata la seguente iscrizione:

"P.F.lo Baptista Petruccius

Tiburtynus

Magister Predic^o Generales

et filius Conv^s. Querq^s

Fuit"

Scuola romana, inizi sec. XVIII

PIETÀ

scultura in terracotta, alt. cm 62

L’animazione e la teatralità del gruppo che qui si offre, così come il forte chiaroscuro dettato dal movimentato panneggio della Vergine, portano a individuare il suo artefice tra gli scultori attivi sulla scena romana allo scadere del XVII secolo. Tra gli eredi delle novità portate dalle opere di Gian Lorenzo Bernini e Alessandro Algardi ci furono anche importanti artisti stranieri, come Pierre Le Gros, nato a Parigi e dal 1690 a Roma dove lasciò gruppi scultorei di grande qualità e spettacolarità, quali la Religione che sconfigge l’eresia per l’altare di Sant’Ignazio della chiesa del Gesù. La dolcezza fisionomica dei volti di Cristo e della Madonna coniugata all'impeto barocco sprigionato dalle movenze dei loro corpi avvicina la nostra Pietà ai modi dello scultore francese.

La vernice tardo ottocentesca offusca il virtuosistico modellato della terracotta.