DIPINTI ANTICHI

Scuola emiliana, prima metà sec. XVII

CORTEO DI CAVALIERI

olio su tela, cm 74x99           

Il dipinto qui presentato, che mostra un corteo di cavalieri dinanzi ad un paesaggio fluviale, trova eco nelle opere del pittore bolognese Giovanni Andrea Donducci, detto il Mastelletta (Bologna, 1575-1655), in particolare se si confronta con le le scene di carattere profano della Galleria Spada di Roma in cui il Mastelletta propose paesaggi "visionari" con reminiscenze alla Nicolò dell'Abate, cangiantisi luminosi e contrasti di luci fredde sulle ombre degli sfondi.

Sebastiano Conca

(Gaeta, 1680 - Napoli, 1764)

MADONNA CON BAMBINO E SAN GIOVANNINO

olio su rame, cm 40x30

Provenienza

Collezione privata

Inedito e privo di relazioni specifiche con le grandi composizioni eseguite da Sebastiano Conca per le chiese romane o per quelle inviate oltre i confini dello Stato Pontificio, il piccolo dipinto qui offerto costituisce uno splendido esempio di quella produzione di destinazione privata che costituì un aspetto minore ma non certo irrilevante dell’attività del pittore, coadiuvato dalla bottega.

L’equilibrio ormai raggiunto tra il classicismo di Carlo Maratta, con cui l’artista si era confrontato al suo arrivo a Roma nel 1707, e i modelli della sua prima formazione napoletana suggerisce di accostare il nostro rame alle pale eseguite dal Conca nei primi anni Venti per la chiesa di S. Uberto a Venaria Reale, raffiguranti la Vergine col Bambino e angeli accompagnata, rispettivamente, da San Carlo Borromeo e da San Francesco di Sales, dove i sacri personaggi appaiono virtualmente sovrapponibili ai nostri nella posa e nei tratti.

Lo smalto dei colori, temperato da ombre soffuse, accosta il nostro quadretto anche alla Madonna con Bambino detta del Divino Amore nella chiesa di San Bartolomeo a Sora, databile nei primi anni Trenta.

Scuola bolognese, sec. XVII

LUCREZIA ROMANA

olio su tela, cm 124x95

Tito Livio racconta che Sesto Tarquinio, figlio dell’ultimo re di Roma, si invaghì di Lucrezia, cercando di possederla a tutti i costi. La tela qui offerta raffigura il disperato tentativo della nobildonna di liberarsi dal suo aggressore armato di spada.

L’impostazione classicheggiante della scena, caratterizzata da un realismo robusto e da contrasti luministici che permettono alle anatomie dei corpi e alle vigorose pieghe dei panneggi di risaltare nell’oscurità della camera da letto, collocano il dipinto nell’ambito della scuola bolognese seicentesca.

Il gusto per un’ambientazione a lume di notte porta a ipotizzare che il suo artefice abbia coniugato il magistero carraccesco alla fortuna del caravaggismo dipanatosi per tutta la penisola.

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Francesco Graziani, detto Ciccio Napoletano       

(attivo a Napoli e a Roma nella seconda metà del XVII secolo)

SCONTRO DI CAVALIERI

PRIMA DELLA BATTAGLIA

coppia di dipinti ad olio su tela, cm 25,5x47      

al retro delle tele sono presenti i numeri 34 e 35 ripetuti anche sulla cornice        

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Provenienza

Collezione privata

Bibliografia di riferimento

G. Sestieri, I pittori di battaglie. Maestri italiani e stranieri del XVII e XVIII secolo, Roma 1999, pp. 33 s., 94-97, 162, 360-371, 476, 662-663.

Nonostante siano esigui i dati certi riguardanti la formazione e la successiva attività di Francesco Graziani, detto Ciccio Napoletano, è noto dalle fonti che nell’ ultimo decennio del XVII secolo è pittore assai affermato presso la committenza romana soprattutto come battaglista.

Integrato nella tradizione della pittura di battaglia inaugurata a Napoli da Belisario Corenzio, si mostra in particolar modo suggestionato dall’esperienza di Micco Spadaro e Filippo napoletano, ravvivata dalle innovazioni di Courtois, accentuando inoltre le tendenze decorative dell’incipiente gusto rococò della scuola napoletana e romana.

La coppia qui offerta bene si inserisce nel nutrito catalogo a lui ricondotto, caratterizzato da numerose tele di piccolo formato, per le animate figurine che grazie al loro vibrante cromatismo si stagliano sui toni azzurrati dello sfondo.

Artista della metà del sec. XVIII

BUSTO DI TIBERIO CESARE GEMELLO

in marmo bianco, alt. cm 40, con la base cm 50

Provenienza

Collezione privata

Tiberio Cesare Gemello (20 d.C.-37 d.C.), destinato a diventare imperatore dopo il nonno Tiberio, venne ucciso all'età di soli diciassette anni dal cugino Caligola che voleva essere unico regnante.

Il popolare appellativo con cui è conosciuto deriva dal fatto di essere nato da un parto gemellare che fu celebrato in alcune rappresentazioni monetali, come simbolo di fecondità e prosperità della dinastia imperiale.

Nonostante ancora di giovane età il bambino è rappresentato con la toga imperiale romana, fermata sulla spalla destra da una bulla, che denuncia la nobile stirpe di appartenenza; infatti il padre Druso Minore era figlio dell'imperatore Tiberio.

La classicità dell'impianto risponde a un gusto tipico del Settecento secolo a cui si ascrive questo elegante busto.

È possibile trovare un riferimento per l'iconografia del nostro busto nel ritratto di Tiberio Gemello da bambino custodito presso l'Allard Pierson Museum di Amsterdam.

Scuola tedesca della cerchia del Giambologna, primi anni del sec. XVII

CRISTO CROCIFISSO E CARTIGLIO

bronzo dorato, sec. XVI, corpus cm 31x30, aureola, cm 5, cartiglio cm 5,7x7,5

Il bronzo è corredato da parere scritto di Giancarlo Gentilini

Bibliografia di riferimento

Giambologna, an exhibition of sculpture by the master and his followers from the collection of Michaell Hall, catalogo della mostra a cura di C. Avery, New York 1998.

Repertorio della scultura fiorentina del Cinquecento, a cura di G. Pratesi, Torino 2003.

Pietro Tacca. Carrara, la Toscana, le grandi corti europee, catalogo della mostra (Carrara) a cura di F. Faletti, Firenze 2007.

Il tema del Cristo “vivo” di questo bronzo finemente cesellato richiama la tipologia inaugurata da Giambologna nel piccolo Crocifisso eseguito nel 1578 per l’altare maggiore della Santissima Annunziata di Firenze, un’opera più volte replicata nella bottega e nella cerchia dello scultore. Ritornano assai simili la conformazione e finitura della testa e la postura in contrapposto del corpo.

L’accentuazione drammatica che qui si coglie nel doloroso lamento che pervade il volto, nelle braccia percorse da vistose vene e ancora nel perizoma dalle pieghe increspate, ha indotto il prof. Giancarlo Gentilini a ritenerlo eseguito da un artista nordico.

Nel parere scritto, che accompagna il Crocifisso qui presentato, lo studioso indica, fra i giovani forestieri che entrarono in contatto con la bottega fiorentina del Giambologna, il bavarese Hans Reichle (Shongau, 1565/70 - Bressanone, 1642), scultore assai dotato nell’arte del bronzo e nella plastica fittile, come il più plausibile autore.

Il Reichle è attestato presso l’officina giambolognesca dal 1588 al 1595, periodo durante il quale collaborò alla realizzazione del monumento equestre a Cosimo I e agli apparati per le nozze di Ferdinando I.

Nel 1601, tornato in Toscana dopo una parentesi a Bressanone dove modellò per il cardinale Andreas von Habsburg 44 statue in terracotta tinte a imitazione del bronzo, eseguì uno dei rilievi che andarono a decorare le porte del Duomo di Pisa: nell’Adorazione dei Pastori della cattedrale pisana ritorna la forte espressività del nostro Cristo e un analogo gusto decorativo nei capelli e nelle barbe minuziosamente lavorati e nell’attenta resa delle vesti. Altresì in alcuni bronzetti autonomi restituiti alla mano del Reichle, quali l’Allegoria della Primavera di Dresda (Staatliche Kunstsammlungen), datata anch’essa intorno al 1601, si possono notare i medesimi stilemi, tanto da collocare anche la scultura offerta nei primi anni del XVII secolo.

Scuola napoletana, sec. XVIII         

LA MADONNA CON BAMBINO E SAN GIOVANNINO

olio su tela, cm 63x76

Francesco Benaglio

(1430 circa – Verona, 1492?)

MADONNA CON BAMBINO

olio su tavola, superficie dipinta cm 63x37,8, misure complessive cm 71x40,5

Referenze fotografiche

Fototeca Zeri, busta 0256; fasc. 2, scheda 21917

Bibliografia

S. Marinelli, Ai confini dell'età media: da Francesco Squarcione a Francesco Benaglio, in De Lapidibus Sententiae. Scritti di storia dell'arte per Giovanni Lorenzoni, a cura di T. Franco, G. Valenzano, Padova, 2002, p. 228, illustrato alle pp. 525-256, figg. 1-2

F. Rossi, Frammenti di una generazione perduta, nei dintorni di Francesco Benaglio, in Mantegna e le arti a Verona, 1450-1500, a cura di S. Marinelli e P. Marini, catalogo della mostra (Verona, 16 settembre-7 gennaio 2007), Venezia 2006, p. 115, nota 27

La Madonna con Bambino che presentiamo ha caratteri stilistici che hanno consentito a Sergio Marinelli di attribuirla a Francesco Benaglio raro pittore veronese di cui ancora sono poche le notizie sulla vita e sull'attività.

L'artista, che firmò le sue opere con il nome di "Benalius", è ricordato nei documenti sia come "Franciscus Benalius" che come "Franciscus a Blado"; Della Biada è infatti il cognome del padre Pietro che era di origine bergamasca. Non è chiaro quando abbia assunto il cognome Benaglio che apparteneva invece ad una nobile famiglia, anch'essa di origine bergamasca ma trapiantata a Verona, con cui aveva probabilmente rapporti di parentela o amicizia.

Le caratteristiche che inducono a confermare la paternità dell'opera sono il modellato teso e squadrato, la fissità ieratica delle figure, il panneggio a listelli sottili del velo di Maria; la fisionomia della Vergine, condotta con un disegno fine e regolare, è vicina a quella della Madonna del Trittico per la chiesa di San Bernardino a Verona, dove analoga è anche l'impostazione del velo.

Il dipinto dimostra inoltre influenze derivate dallo studio di Andrea Mantegna, della scultura di Donatello e della pittura padovana della seconda metà del Quattrocento.

Scuola toscana, seconda metà sec. XIV

CRISTO CROCIFISSO

in legno intagliato, alt. cm 83

Scuola napoletana, sec. XVIII

RITRATTO DI GIOVANNI BATTISTA PETRUCCI

olio su tela, cm 97x74

Sulla colonna a sinistra è riportata la seguente iscrizione:

"P.F.lo Baptista Petruccius

Tiburtynus

Magister Predic^o Generales

et filius Conv^s. Querq^s

Fuit"

Artista nordico, inizi del sec. XVII

CACCIA AL TORO IN PIAZZA SAN MARCO

olio su tavola, cm 48x63,5                                                

Provenienza

Collezione privata

Questa veduta fantastica di Venezia, animata da eleganti figurine che da un palco elevato assistono alla caccia al toro in piazza San Marco, appare riferibile ad un artista nordico nella cerchia di François de Nomé, detto Monsù Desiderio (Metz 1593-Napoli c. 1640).

Accanto alle architetture fantastiche e visionarie, teatro di catastrofi naturali, Monsù Desiderio dipinse anche un numero esiguo di vedute di Venezia, verosimilmente basate su modelli grafici. Tra queste, una veduta della Piazzetta dal bacino di San Marco già a Londra presso Chaucer Fine Arts, e una Festa del Redentore a Roma nella Galleria Nazionale di Arte Antica.

Più essenziale nella definizione dei motivi architettonici, il nostro dipinto può accostarsi alla Piazzetta San Marco del cosiddetto Pittore del Sant’Agostino, un seguace del de Nomé individuato da Rosaria Nappi (François de Nomé e Didier Barra. L’enigma Monsù Desiderio, Milano – Roma 1991, D 42). Le figurine in primo piano ricordano anche la produzione di Louis de Caulery.

Scuola veneta, inizi sec. XV

FIGURA DI APOSTOLO

in legno policromo, alt. cm 77

Marco Antonio Rizzi

(Pralboino, 1648 - Montemartino in Val Tidone, 1723)

NATURA MORTA CON COCOMERI, PESCHE E FUNGHI

olio su tela, 97,5x133,3

Bibliografia

G. Cirillo, G. Godi, Le nature morte del "Pittore di Carlo Torre" (Pseudo Fardella) nella Lombardia del secondo Seicento, Parma, 1996, pp. 47-48, fig. 29

Bibliografia di riferimento

A. Morandotti in F. Zeri, La natura morta in Italia, Milano, 1989, vol. 1, pp. 262-263

La bella e interessante natura morta qui proposta è opera del pittore lombardo Marco Antonio Rizzi; la sua attività artistica, che si svolse per lo più a Piacenza, dove si trasferì nel 1666-67 dal suo paese natale nel bresciano, è stata ricostruita dagli studi di Alessandro Morandotti, Ferdinando Arisi e dalle indagini archivistiche di Giorgi Fiori.

Il nostro dipinto è pubblicato da Giuseppe Cirillo e Giovanni Godi nella monografia sullo Pseudo Fardella ed è posto a confronto con un'altra opera di Rizzi passata in asta da Sotheby's a Londra nel 1979 dove vengono riscontrate analogie con il gruppo di agrumi, il cocomero e il mandarino sbucciato.

Ulteriori similitudini stilistiche e compositive possono essere fatte con la natura morta, anch'essa pubblicata nel medesimo testo, passata in asta presso il Ponte di Milano nel 2013, precedentemente attribuita a Luca Forte e così citata nel secondo volume della Natura morta in Italia a cura di Federico Zeri.

Scuola abruzzese, inizi sec. XV

MADONNA CON BAMBINO

in legno con tracce di policromia, alt. cm 96

Artista bolognese, inizi sec. XVIII

TRIONFO DI DAVID

olio su tela, cm 169x117

Il dipinto si presenta quale efficace espressione del mutamento di gusto nella pittura bolognese della seconda metà del Seicento, improntato verso una tendenza maggiormente classicista.

Il dettaglio macabro della testa di Golia infilzata alla sommità della spada di David si stempera tra la gentilezza formale delle figure e la generale pacatezza della composizione, dettate dalla fusione del correggismo, che a partire da Francesco Albani influenzò molti artisti bolognesi, e dal raffaellismo di stampo reniano.

Cornelis de Wael

(Anversa, 1591 – Roma, 1667)

VEDUTA DI PORTO CON GALEA E VELIERI OLANDESI

olio su tela, cm 102x147

Bibliografia di riferimento

Van Dyck a Genova. Grande pittura e collezionismo, catalogo della mostra (Genova 1997) a cura di S. J. Barnes, P. Boccardo, C. Di Fabio, L. Taglaferro, Milano 1997, pp. 342-349; A. Orlando, Pittura fiammingo-genovese: nature morte, ritratti e paesaggi del Seicento e primo Settecento: ritrovamenti dal collezionismo privato, Torino 2012, pp. 103-105.

Figlio e allievo di Jan de Wael, Cornelis de Wael si trasferisce stabilmente a Genova nel 1619, quando il fratello Lucas prende in affitto una casa che diventerà un punto di riferimento per tutti gli artisti fiamminghi transitanti nel capoluogo ligure, compreso il celebre Anton Van Dyck.

Numerosi sono i quadri di Cornelis descritti negli inventari genovesi del XVII e XVIII secolo come Battaglia navale, Diversità di vascelli o Marina, a testimonianza della fortuna di questo genere pittorico presso la committenza genovese. Il dipinto qui offerto è un bell’esempio della bravura del pittore fiammingo di inserire in un’ampia veduta l’animazione di un porto, descrivendo dettagliatamente le figure impegnate in svariate attività.

La maniera assai meticolosa con cui sono state realizzate le imbarcazioni, protagoniste della porzione destra della scena, permette di ipotizzare l’intervento di uno specialista del genere, Andreas van Ertvelt, documentato dal 1627 a Genova, di cui Cornelis spesso si avvalse per soddisfare le numerose commissioni della sua casa-bottega, organizzata come una vera e propria impresa.

Si ringrazia Anna Orlando per aver precisato l’attribuzione a Cornelis de Wael con la collaborazione di Andreas van Ertvelt.

L’opera sarà pubblicata dalla studiosa in Van Dyck e i suoi amici. Fiamminghi a Genova 1600-1640, catalogo della mostra a cura di Anna Orlando (Genova, Palazzo della Meridiana, 9 febbraio – 10 giugno 2018), Sagep, Genova 2018 (in c.d.s.).

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Scuola piemontese, sec. XVIII

ALLEGORIA DELL'AMORE

olio su tela, cm 62,5x106                                 

Cerchia di Giuseppe Bonito, sec. XVIII

INTRATTENIMENTO MONDANO CON DANZATORI

SCENA DI GENERE CON GIOCATORI DI CARTE E MUSICISTI

coppia di dipinti ad olio su tela, cm 75x102,5     

(2)                                           

Pittore olandese, sec. XVII

RITRATTO DI GENTILUOMO E GENTILDONNA CON GORGIERA

coppia di dipinti ad olio su tavola, cm 32x25

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Provenienza

Collezione Duca di Norfolk;

Christie's, Londra, 24 luglio 1970, n. 53

Collezione privata

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Scuola romana del sec. XVII

PAESAGGIO CON FIGURE PRESSO UN FIUME

PAESAGGIO CON DONNA E FANCIULLO

coppia di dipinti ad olio su tela, cm 130x94,5

(2)

Provenienza

Collezione privata

Gasparo Lopez, detto Gasparo dei Fiori

(Napoli, 1650 - Firenze, 1740)

COMPOSIZIONI FLOREALI CON FONTANA

COMPOSIZIONI FLOREALI ALL'APERTO

coppia di dipinti ad olio su rame, cm 24,5x69

(2)                                       

Scuola romana, inizi sec. XVIII

PIETÀ

scultura in terracotta, alt. cm 62

L’animazione e la teatralità del gruppo che qui si offre, così come il forte chiaroscuro dettato dal movimentato panneggio della Vergine, portano a individuare il suo artefice tra gli scultori attivi sulla scena romana allo scadere del XVII secolo. Tra gli eredi delle novità portate dalle opere di Gian Lorenzo Bernini e Alessandro Algardi ci furono anche importanti artisti stranieri, come Pierre Le Gros, nato a Parigi e dal 1690 a Roma dove lasciò gruppi scultorei di grande qualità e spettacolarità, quali la Religione che sconfigge l’eresia per l’altare di Sant’Ignazio della chiesa del Gesù. La dolcezza fisionomica dei volti di Cristo e della Madonna coniugata all'impeto barocco sprigionato dalle movenze dei loro corpi avvicina la nostra Pietà ai modi dello scultore francese.

La vernice tardo ottocentesca offusca il virtuosistico modellato della terracotta.

Michele Pagano

(Napoli, 1697-1732)

PAESAGGIO CON DIANA E CALLISTO

PAESAGGIO CON GIOVE E ANTIOPE

coppia di dipinti ad olio su tela ovale, cm 127,5x96,5

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Le inedite tele qui offerte devono essere ricondotte al catalogo del paesista napoletano Michele Pagano, ricostruito da Salvatore Abita grazie a un cospicuo numero di opere firmate e datate a partire dal 1719 (Michele Pagano, un paesista a Napoli nel Settecento, in “Bollettino d’Arte” 61, 1976, pp. 188-92). In particolare, i nostri dipinti vanno accostati alla coppia di tele ovali con scene mitologiche su sfondo di paesaggio, firmate e datate del 1728 pubblicate per la prima volta dallo studioso (Abita, 1976, figg. 11 e 13) e nuovamente riprodotte da Nicola Spinosa (Pittura napoletana del Settecento. Dal Barocco al Rococò, Napoli 1988). È possibile anzi che le nostre tele, di uguale formato e identiche nel rapporto tra paese e figure, siano nate in pendant con la coppia citata, che a questa si lega anche per la presenza dell'episodio di Diana e Atteone raffigurato in una di esse.

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Artista piemontese, fine del sec. XVI

BUSTO DI DAMA

marmo, cm 69x55                                                    

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Artista della fine del sec. XVI

MADONNA IN GLORIA TRA GLI ANGELI

olio su avorio, cm 22,5x15,5, spessore cm 1

monogrammato "MKF"

Un vortice di angeli, cherubini e serafini (se ne contano più di 30) circonda la Vergine assisa sulla falce lunare mentre calma e solida tiene in braccio un esultante Bambino Gesù.

I delicati angeli, che sono dipinti con estrema bravura miniatoria, hanno visi gioiosi e sorreggono gli attributi iconografici del futuro Redentore: lo scettro, la corona e il globo terraqueo.

La tavola d’avorio che viene qui offerta, preziosa e rara per le sue dimensioni, doveva nascere per una prestigiosa committenza, gratificando col suo splendore il fortunato proprietario.

Il monogramma "MKF" riportato sulla mezzaluna ha suggerito in passato un'attribuzione a Karel van Mander (Meulebeke, 1548 – Amsterdam, 1606), come da etichetta di collezione al retro del dipinto.

Attribuito a Bernardino Luini

(Dumenza, 1481 – Milano,1532)

TESTA VIRILE - ULISSE

affresco staccato, cm 38,5x31

Viene qui presentato uno stacco d’affresco con una testa di vecchio elmato che probabilmente faceva parte del ciclo ricordato nella villa La Pelucca a Sesto San Giovanni, Milano.

La villa aveva un grande salone di rappresentanza decorato tra il 1520-24 da Bernardino Luini su commissione dal nobile milanese Gerolamo Rabia.

Gli affreschi vennero staccati tra il 1821 e il 1822 con una campagna diretta da Stefano Barezzi che li trasportò, secondo l'uso dell'epoca, su tavole di legno: tale tecnica è all'origine delle numerose fessure ancora oggi o visibili.

Gli affreschi sono conservati per la maggior parte alla Pinacoteca di Brera di Milano, mentre altri si trovano presso la Wallace Collection di Londra e il Museo Condé di Chantilly.

Il supporto in legno e gesso in cui è adagiato anche il nostro dipinto è del tutto simile al supporto presente negli stacchi relativi all’intervento di recupero di Stefano Barezzi.

Gli affreschi di villa La Pelucca componevano un vasto ciclo di stampo umanistico con episodi tratti dal mondo cortese, dalla mitologia e dalle sacre scritture.

La sala più grande, col camino, era decorata dalla Fucina di Vulcano mentre alle pareti si trovavano Storie dell'Esodo. Una stanza adiacente aveva un sopracamino con il Sacrificio di Pan.

Un altro ambiente vicino, più piccolo, mostrava il Bagno delle fanciulle, forse la più celebre tra le scene; vi si trovavano inoltre il cosiddetto Gioco della mano calda (una specie di schiaffo del soldato), il frammento con la Coppia di giovani e le lunette con i Putti vendemmianti.

Dalla cappella, tuttora esistente, provengono infine il Corpo di santa Caterina d'Alessandria trasportato dagli angeli, un Eterno benedicente e altri frammenti.

Il personaggio qui offerto, di cui si conserva la testa con alcune porzioni del collo, della spalla e del mantello, può essere interpretato come Ulisse in età anziana; per il modello iconografico di riferimento si cita la testa dell’Ulisse Grimani del Museo Archeologico Nazionale di Venezia in cui l'eroe è rappresentato con quel particolare copricapo, spesso utilizzato da Bernardino Luini nelle sue composizioni.

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Francesco Solimena e aiuti, sec. XVIII

MADONNA COL BAMBINO

olio su tela, cm 72x65,5   

Provenienza

Collezione privata

La tela qui offerta costituisce un ottimo esempio della produzione che Francesco Solimena, coadiuvato dalla bottega, seppe destinare alla devozione domestica di collezionisti privati desiderosi di possedere un saggio dell’attività del maggiore artista napoletano del suo tempo. Più volte replicata, ma non sempre in modo altrettanto felice, la nostra Vergine col Bambino costituisce un’invenzione originale e non il semplice adattamento di una composizione maggiore. Il forte risalto plastico delle figure sottolineato dal chiaroscuro ne suggerisce una datazione nei primi anni del Settecento.

Artista bolognese, seconda metà del sec. XVII

GIACOBBE E RACHELE AL POZZO

olio su tela, cm 93x125,5

Provenienza

Collezione privata

L'inedito dipinto qui presentato appare riconducibile alla scuola bolognese e, più precisamente, all’ambito di Domenico Canuti (Bologna, 1625 – 1684).

Vari motivi di confronto, come la bella protagonista al centro della composizione, le ombre leggere che appena velano i tratti delle ancelle, e lo sfondo paesistico rimandano infatti alle sue opere da cavalletto, peraltro non numerose, e in particolare al Mosè salvato dalle acque di raccolta privata, probabilmente eseguito nel 1670 e destinato a un collezionista d’oltralpe (S. Stagni, Domenico Canuti. 1625 – 1634. Catalogo generale, Rimini 1988, p. 173, fig. XIV; pp. 166-67, cat. 29).

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Scuola toscana, sec. XVII

CRISTO E LA SAMARITANA AL POZZO

olio su tela, cm 129x99

Provenienza

Collezione privata

L’episodio evangelico dell’incontro di Cristo e della Samaritana al pozzo trova in questa tela un’interessante traduzione sia in termini compositivi che pittorici.

La scena è infatti arricchita da alcuni dettagli tra i quali spicca il bassorilievo sulla base del pozzo raffigurante Mosè che fa scaturire l’acqua dalla roccia, per suggerire una continuità tra Antico e Nuovo Testamento.

L’impaginazione teatrale, i colori brillanti e l’attenzione rivolta alla resa dei tessuti collocano il dipinto nell’ambito della scuola fiorentina seicentesca.

Il gusto nel descrivere la veste e gli accessori della Samaritana, che arriva sino a trasformare il secchio con il quale sta per attingere l’acqua dal pozzo in un lavoro di oreficeria, è senz’altro da avvicinare alla scuola di Giovanni Bilivert nella quale si formò anche Francesco Morosini detto il Montepulciano, attivo a Firenze tra il 1600 e il 1646, secondo l’attendibile resoconto di Filippo Baldinucci (Notizie de’ professori del Disegno da Cimabue in qua, Firenze 16871-1728, ed. 1845-1847, IV, 1864, p. 316).

All’interno del corpus pittorico noto del Morosini (S. Bellesi, Catalogo dei pittori fiorentini del ‘600 e del ‘700, Firenze 2009, 1) si segnalano come possibile confronto, soprattutto per l’arricciato svolgimento dei panneggi, l’Allegoria delle arti conservata presso i depositi delle Gallerie Fiorentine e l’Arianna abbandonata da Teseo di collezione privata, recentemente esposta alla mostra dedicata ad Artemisia Gentileschi a Roma (Artemisia Gentileschi e il suo tempo, catalogo della mostra a cura di F. Baldassari – Roma, Museo di Roma, 2016/2017 – Milano 2016, pp. 166-167, scheda 41).