Importanti Dipinti Antichi

Attribuito a Baldassarre Franceschini, detto il Volterrano

(Volterra 1611-Firenze 1690)

CRISTO CORONATO DI SPINE

olio su tela, cm 66x51

sul retro iscritto: "Venuta da Firenze dalla Casa del Signor Principe Don Giulio Cesare Rospigliosi nel 1845" e "Venuto da Firenze dalla Casa del Signor Principe nel 1845"

Provenienza: collezione Rospigliosi, Firenze;

collezione Rospigliosi, Roma;

vendita Rospigliosi 14 dicembre 1932, lotto 135, Roma;

collezione privata, Firenze;

Christie’s Milano, asta 26 novembre 2009, lotto 57

Bibliografia: Catalogo della raccolta di quadri…. che arredava l’appartamento di S.E. il Principe Don Gerolamo Rospigliosi… che sarà venduta all’asta nel Palazzo Rospigliosi in Roma… da lunedi 12 a sabato 24 dicembre 1932…., riprodotto in A. Negro, Paesaggio e figura. Nuove ricerche sulla Collezione Rospigliosi, Roma 2000, p. 147, n. 135.

Opera notificata con decreto del Ministero per i Beni e le Attività Culturali, Milano, 2 maggio 2012

Inventariato nel 1856 da Tommaso Minardi come opera “della figlia di Carlo Dolci”, ovvero Agnese, (cfr. A. Negro, La Collezione Rospigliosi, Roma 1999, p. 348, n. 4), e posto in vendita nel 1932 con un’attribuzione al maestro fiorentino, il dipinto qui offerto sembra piuttosto riconducibile al catalogo del Volterrano in virtù di puntuali riscontri con sue opere documentate.

Si veda in particolare il Cristo coronato di spine, raffigurato nell’atto di indicare (come il nostro) la piaga del costato, entrato nel 1685 nella raccolta del Gran Principe Ferdinando e identificato da Marco Chiarini nei depositi delle Gallerie fiorentine (Gli “Ecce Homo” di Baldassarre Franceschini, il Volterrano, in “Arte Cristiana” 73, 1985, p. 195 e fig. 5). Il nostro dipinto è inoltre da mettere in relazione con il disegno a inchiostro in asta a Londra (Sotheby’s, 3 luglio 1980) nell’ambito di una serie di fogli dell’artista toscano (Charles Mc Corquodale, Drawings by Baldassarre Franceschini called Volterrano, Londra 1980, p. 48, n. 61 a-b), nuovamente analizzato da Marco Chiarini. La linea ovale che nel disegno incornicia la figura ha suggerito allo studioso di collegarlo al dipinto di tale formato ricordato dal Baldinucci come eseguito dal Volterrano per il marchese Gondi, e tuttora esistente nella collezione.

Ignota è invece l’origine del nostro dipinto, verosimilmente acquistato da Giuseppe Rospigliosi (1755-1833), a Firenze dal 1792, ed ereditato dal figlio Giulio che trasferì a Roma la raccolta paterna.

Attribuito a Vincenzo Dandini

(Firenze 1607-1675)

POMONA

olio su tela, cm 59x40,5

In questa sensuale raffigurazione di Pomona si possono cogliere strette analogie stilistiche con opere di Vincenzo Dandini, come la Baccante (Galleria Corsini, Firenze) in cui ricorre una simile impostazione della figura a mezzo busto con il seno appena svelato, una vicinanza nei tratti fisionomici e nella conduzione della materia pittorica sottile e trasparente. Attribuzione espressa con parere orale da Sandro Bellesi.

Bottega di Bartolomeo Cavarozzi, sec. XVII

SANTA CATERINA D'ALESSANDRIA

olio su tela, cm 71x52

margini ridotti

L’inedito dipinto qui presentato ripete parzialmente la figura di Santa Caterina dal noto dipinto di Bartolomeo Cavarozzi conservato al Museo del Prado, ove la giovane donna è raffigurata in ginocchio davanti al Bambino e alla Vergine incoronata da angeli: una variazione sul tema delle nozze mistiche della santa che l’artista viterbese trasforma in scena intima e reale con la presenza, tra le quinte, di un giovanissimo spettatore, oltre che di Giuseppe sullo sfondo.

Capolavoro di Bartolomeo Cavarozzi, il dipinto del Prado è generalmente riferito al periodo spagnolo dell’artista, che tra il 1617 e il 1619 e forse una seconda volta nel 1620-21 seguì il suo protettore, il Marchese Giovanni Battista Crescenzi, alla corte di Filippo III: un’ipotesi suggerita, oltre che dal suo probabile percorso stilistico, dalla presenza di numerose repliche di questa composizione, autografe o di bottega, in collezioni spagnole pubbliche e private. Di antica provenienza spagnola sarebbe anche la versione oggi nella raccolta di Dexia-Crediop, generalmente considerata di sicura autografia come la replica parziale a Houston, Sarah Campbell Blaffer Foundation, limitata al solo gruppo della Vergine incoronata dagli angeli. Come il nostro dipinto, quest’ultima costituisce probabilmente, una “memoria” parziale della pala madrilena.

Pittore bolognese, sec. XVII

SANTA CECILIA

olio su tela, cm 120x99

Corredato da attestato di libera circolazione

L’opera proveniente da una collezione privata è stata per tradizione orale sempre riferita a Simone Cantarini, a favore del quale allo stato attuale degli studi non può essere espressa un’attribuzione certa. La Santa Cecilia denota nell’impostazione una chiara matrice bolognese con suggestioni cantariniane e in particolare, nell’atteggiamento di volgere lo sguardo al cielo si coglie un’ispirazione reniana.

Il dipinto mostra inoltre affinità compositive e stilistiche con le opere del pittore bolognese, allievo e prosecutore dell’opera di Cantarini, Lorenzo Pasinelli a cui peraltro il nostro dipinto è stato riferito in un parere scritto di Andrea Emiliani. Simile nel taglio a tre quarti della figura e nel gioco di luci alla Santa Cecilia della Pinacoteca Nazionale di Bologna il nostro dipinto evidenzia tuttavia una differente stesura, più omogenea e a larghe campiture, rispetto al ductus pittorico di Pasinelli solitamente caratterizzato da una pennellata veloce.

Pittore fiorentino, sec. XVIII

DECOLLAZIONE DI SAN GIOVANNI BATTISTA

olio su tela, cm 188x131

Il dipinto riprende dalla tela di Pier Dandini (Firenze 1646-1712) eseguita per la chiesa di San Giovannino dei Cavalieri di Firenze nel 1692. Secondo un’indicazione orale di Sandro Bellesi, l’autore del nostro dipinto potrebbe essere un pittore fiorentino prossimo al figlio di Pier Dandini, Ottaviano (Firenze 1690- 1740).

Attribuito a Pier Dandini

(Firenze 1646-1712)

MOSÈ E L’ATTRAVERSAMENTO DEL MAR ROSSO

olio su tela, cm 120x160 senza cornice

Pittore fiorentino, sec. XVII

DAVID CON LA TESTA DI GOLIA

olio su rame, cm 30,5x24

lievi cadute di colore

Corredato da attestato di libera circolazione

Provenienza: già nobile famiglia romana;

per successione ereditaria agli attuali proprietari

Il prezioso dipinto su rame qui presentato raffigurante David con la testa di Golia colpisce per la fiera e attraente bellezza del giovane e per la raffinata e ricercata esecuzione dei più minimi dettagli come l’impugnatura dorata della spada e la sacca di pelliccia che contiene le pietre, utilizzate insieme alla fionda per sconfiggere Golia.

Il nostro dipinto che rientra a pieno titolo nella pittura fiorentina del Seicento raffigura un soggetto più volte replicato tra i pittori fiorentini come nel dipinto firmato da Carlo Dolci della Pinacoteca Nazionale di Brera e nel più articolato Trionfo di David di Matteo Rosselli del Museo del Louvre di Parigi. Forti affinità stilistiche si possono in particolare riscontrare con un dipinto raffigurante David con la testa di Golia rintracciato nell’archivio fotografico Zeri riferito dallo studioso, attraverso una nota autografa sul verso della fotografia, a Cristofano Allori che tuttavia riteniamo per ragioni stilistiche possa essere avvicinato piuttosto alla pittura di Ottavio Vannini. Lo studioso ne documentava inoltre il passaggio da una collezione privata lucchese al mercato antiquario bolognese (Fototeca Zeri, busta 524, fasc. 1, inv. 111091). Puntuali riscontri emergono dal confronto fra la figura del David e quella del nostro dipinto, in particolare nei tratti fisionomici del volto, definiti mediante dolci passaggi chiaroscurali; come ad esempio le labbra morbide e carnose; oltre all’uso di una simile impostazione compositiva in cui è esibita in primo piano la testa recisa del gigante.

Ragioni stilistiche ed esecutive sembrano pertanto ricondurci verso Ottavio Vannini (1585-1644) per il suo particolare uso di campiture compatte condotte con colori vivaci e smaltati. Piuttosto esemplificativo il confronto con le fisionomie maschili di Vannini come quella di Sisara nel Giaele e Sisara del Seminario Maggiore di Firenze e ancor più importante il raffronto con il dipinto raffigurante David con la testa di Golia di collezione privata. In quest’ultimo dipinto David viene rappresentato al centro della composizione con un taglio ravvicinato all’altezza del ginocchio che ricorre anche nel nostro rame, seppur con una diversa posizione del corpo. Il giovane David afferra nella mano sinistra le ciocche dei capelli della testa di Golia che risulta nella fisionomia quasi sovrapponibile a quella del nostro dipinto e nella mano destra brandisce la spada. Ulteriori vicinanze si possono riscontrare nel volto e nella figura del giovane eroe vincitore resi tuttavia nell’esecuzione del nostro dipinto in maniera più morbida e naturale.

Scuola toscana, sec. XVII

IL BUON SAMARITANO

olio su tela, cm 210x170

Provenienza: già collezione Pucci, Granaiolo;

collezione privata, Montecatini

Scuola fiorentina, sec. XVII

CRISTO DEPOSTO CON LA VERGINE E MARIA MADDALENA

olio su tela, cm 93x121

Provenienza: già collezione Pucci, Granaiolo;

collezione privata, Montecatini

Lorenzo Lippi

(Firenze 1606-1665)

SACRA FAMIGLIA

olio su tela, cm 102,5x88

Provenienza: già collezione Scopinich, Milano;

collezione privata, Milano

Bibliografia: F. Wittgens, Dipinti inediti del Seicento, in “L’arte”, 6, 1933, pp. 445-446, fig. 451; F. Sricchia Santoro, Lorenzo Lippi nello svolgimento della pittura fiorentina della prima metà del ‘600, in “Proporzioni”, IV, 1963, p. 263; M. Gregori, 70 pitture e sculture del ‘600 e ‘700 fiorentino, catalogo della mostra di Firenze 1965, p. 51; C. D’Afflitto, Lorenzo Lippi, Firenze 2002, n. 129, p. 306; F. Baldassari, La pittura del Seicento a Firenze. Indice degli artisti e delle loro opere, Milano 2009, p. 448

Il dipinto qui proposto fu pubblicato per la prima volta con la giusta attribuzione a Lorenzo Lippi da Fernanda Wittgens, la quale ne forniva un’adeguata lettura stilistica, attenta al suo carattere “arcaizzante”, basato su “calme, equilibrate conchiuse costruzioni cinquecentesche”. La studiosa evidenziava infatti il carattere tipico di Lippi ovvero la semplificazione compositiva che non “per povertà d’immaginazione bensì per un senso di armonia, che […] il pittore, lasciò in ogni sua creazione quasi sugello di toscanità”.

Anche Chiara D’Afflitto metteva in luce tali caratteristiche della nostra Sacra famiglia definita dal “carattere intimo e familiare, con il san Giuseppe che legge” e rilevava nell’opera una derivazione dai “prototipi rinascimentali della Scuola di San Marco, modelli insuperati di religiosità fiorentina, con un’ulteriore inclinazione al Lippi ad evidenziare il legame affettivo tra le figure”. La studiosa proponeva di anticipare di poco la datazione al 1660 proposta da Mina Gregori che lo metteva in relazione con la Sacra famiglia a figure intere già in collezione Romoli, Firenze.

Scuola veneta, sec. XVII

SACRA FAMIGLIA CON SAN GIOVANNINO

olio su tela, cm 94x75

Cerchia di Giovan Battista Langetti, fine sec. XVII

VECCHIA CHIROMANTE

olio su tela, cm 123x91,5

Scuola franco-fiamminga, fine sec. XVI-inizi XVII

RITRATTO DI GENTILDONNA CON CAGNOLINO

olio su tela, cm 101x77

al recto sulla lettera iscrizione in lingua francese e la data "1590"

Antonio Mercurio Amorosi

(Comunanza 1660-1738)

FANCIULLA CON GATTO

olio su tela, cm 30,5x23,5 senza cornice

Giuseppe Passeri

(Roma 1654-Roma 1714)

AUTORITRATTO

olio su tela, cm 65,5x49

Provenienza: già collezione privata, Milano

Bibliografia: F.Petrucci, Pittura di Ritratto a Roma. Il Settecento, III, Roma 2010, fig. 1109 p. 814

Scuola emiliana, sec. XVIII

FIORI, FUNGHI, CILIEGIE, UCCELLINO E CAGNOLINO

FIORI, FRUTTA, UCCELLINO E UN CRICETO

coppia di dipinti ad olio su tela, cm 68,5x94 ciascuno

(2)

I dipinti qui proposti presentano affinità stilistiche con le opere dell’anonimo pittore di nature morte denonimato Monogrammista A.V. (attivo in Emilia nella prima metà del XVIII secolo), autore di composizioni in cui ricorre spesso un vaso di fiori visto all’aperto, il più delle volte associato a frutta o animali quasi sempre domestici.

Bibliografia di confronto: Naturaliter. Nuovi contributi alla natura morta in Italia settentrionale e Toscana tra XVII e XVIII secolo, a cura di G. Bocchi e U. Bocchi, Casalmaggiore 1998, pp. 359-365

Scuola toscana, fine sec. XVI-inizi XVII

RITRATTO DI GENTILDONNA CON FIORI TRA I CAPELLI

olio su tela, cm 63,5x50 entro cornice antica dorata e riccamente intagliata a motivo fogliato

Scuola romana, sec. XVII

NATURA MORTA CON ZUCCHE, FICHI, PESCHE, PERE ED UVA

olio su tela, cm 71x58 senza cornice

Attribuito a Francesco Noletti detto Il Maltese

(La Valletta 1611-Roma 1654)

NATURA MORTA CON TAPPETO, VASSOIO CON DOLCI, CACCIOGIONE E CANESTRA DI FRUTTI

olio su tela, cm 125x145

Il dipinto è corredato da parere scritto di Ferdinando Arisi che lo riferisce a Francesco Fieravino detto il Maltese, secondo la tradizionale denominazione dell’artista, precisata dagli studi più recenti in Francesco Noletti detto il Maltese.

Lo studioso accosta il dipinto qui presentato a un'altra natura morta del Maltese presente nella collezione Molinari Pradelli di Bologna.

Scuola romana, sec. XVII

COMPOSIZIONI FLOREALI ENTRO VASI IN METALLO

coppia di dipinti ad olio su tela, cm 73x55 ciascuno

(2)

Pittore romano, sec. XVII

SUSINE, PESCHE, UVA, ZUCCA, MELONE ED ALTRA FRUTTA IN UN VASSOIO DI METALLO SBALZATO

olio su tela, cm 94x68,5

Scuola Italia settentrionale, inizi sec. XVIII

VEDUTE DI PORTO CON PESCATORI

quattro dipinti ad olio su tela ovale, cm 82x63,5 ciascuno

(4)

I dipinti traggono spunto dagli esempi pittorici di Salvator Rosa (Napoli 1615-Roma 1673).

Pittore nordico attivo a Roma, sec. XVII

MARINA CON ARCHITETTURE E PERSONAGGI

olio su tela, cm 91x113,5 senza cornice

Attribuito a Cornelis de Wael

(Anversa 1592-Roma 1667)

BATTAGLIA NAVALE

olio su tela, cm 120x203

La Battaglia navale qui presentata è accostabile ai numerosi dipinti dello stesso soggetto realizzati da Cornelis De Wael durante il lungo soggiorno genovese documentato a partire dal 1610. Per l’impostazione spaziale del nostro dipinto e per l’affollamento dei vascelli e le barche colme di soldati e armigeri si propone il confronto con due dipinti passati sul mercato antiquario (Casa d’aste Babuino, Roma, maggio 1985, lotto 882; Christie’s Amsterdam, 1 aprile 2008, lotto 136). E’ possibile notare inoltre come alcune fisionomie siano desunte o ispirate alle incisioni di Jacques Callot e ai dipinti di Agostino Tassi e Filippo Napoletano, oltre che rivelare forti agganci con la pittura di Andries Eertvelt (1590-1652), Gaspar van Eyck (1613-1673) e con il fratello Lucas De Wael (1591-1661).

Scuola toscana, sec. XVII-XVIII

L’ASSALTO DEI BRIGANTI

olio su tela, cm 74x96,5

Vincent Adriaenssen detto il Manciola o il Mozzo d'Anversa

(Anversa 1595-Roma 1675)

BATTAGLIA TRA CAVALIERI TURCHI E CRISTIANI

olio su tela, cm 38x46

Scuola romana, fine sec. XVII

VITTORIA DI ALESSANDRO SU DARIO

olio su tela, cm 168x366

Dall’esemplare di Pietro da Cortona (1596-1667), Musei Capitolini, Palazzo dei Conservatori, Sala dei Trionfi, Roma

Anton Goubau

(Anversa 1616-1698)

SOSTA DI VIANDANTI NEI PRESSI DI ROVINE ARCHITETTONICHE

olio su tela, cm 51,5x67,5

Jan Miel

(Anversa 1599-Torino 1663)

FIGURE NEI PRESSI DI ROVINE ARCHITETTONICHE

olio su tela, cm 43x33

sul retro etichette e bolli in ceralacca

Michael Sweerts

(Bruxelles 1618-Goa 1664)

ARTISTA CHE DISEGNA PRESSO UNA FONTANA

olio su tela, cm 64x87

Provenienza: Bendorf am Rhein, Haus Christophorus;

asta Christie’s Londra, 9 luglio 2002, lotto 38;

collezione privata

Bibliografia: R. Kultzen, Michael Sweets. Brussels 1618-Goa 1664, Ghent 1996, pp. 28, 98, n. 37, fig. 37

Come altri dipinti eseguiti da Sweerts nel corso del soggiorno romano, documentato fra il 1646 e il 1651 ma forse anticipabile al 1640, la tela qui offerta è dedicata, quasi una dichiarazione di poetica, al tema dell’artista al lavoro. Nei pressi di un tempio in rovina, di cui solo due colonne sopravvivono erette, un pittore, forse di passaggio a giudicare dal mantello da viaggiatore, si guarda intorno, la penna sollevata in un gesto sospeso, quasi alla ricerca di un motivo da tradurre sul foglio bianco. Il suo compagno, certo pittore anche lui, gli indica come possibile modello due popolani, uno dei quali chino sullo zampillo di una rustica fontana. E’ appunto il tema dello studio dal vero, e anzi del motivo colto dalla strada e dalla vita quotidiana, che ritroviamo nelle composizioni più ricche ed articolate a Roma presso l’Accademia di San Luca, nel dipinto già nella collezione Melmeluzzi, o nella tela del museo Boymans van Beuningen di Rotterdam dove l’artista, circondato da popolani, è raffigurato al lavoro nel giardino della villa Montalto, riconoscibile dalla fontana disegnata da Gian Lorenzo Bernini. Un tema, si direbbe, particolarmente caro a Sweerts, che tornato in patria aprì, come è noto, la propria accademia di disegno, probabilmente simile agli studi d’artista che compaiono nelle sue tele più famose, dove gli allievi si esercitano dal modello in posa o dalla scultura, e non più dal vero.

Non è stato finora osservato che il personaggio che accompagna l’artista e gli propone l’oggetto del suo disegno, presente anche nel già citato dipinto all’Accademia di San Luca, è probabilmente Sweerts in persona, come suggerisce il confronto con il suo autoritratto giovanile conservato agli Uffizi, dalla raccolta del cardinal Leopoldo de’Medici: un dato che, se confermato, rafforza il valore del nostro dipinto come vera e propria dichiarazione di poetica da parte dell’artista neerlandese.